Beatrix´s soundtrack

Adiós a un grande: Fallece Peter Steele

2010-04-15T14:54:00.004-04:30

Un grande, un verdadero grande de la música se ha ido hoy. A sus 48 años de edad uno de los pioneros del metal gótico, por no decir el padre del género, Peter Steele, ha fallecido a causa de un infarto cardíaco. Triste noticia que merece mejores palabras y un mayor homenaje que las pocas líneas que, dada la prisa, le estoy dedicando.

Creo que en este fin de semana largo le dedicaré una reseña retrospectiva a una banda de tan altos vuelos como Type O Negative, pequeña honra acá en el Soundtrack a un artista con mayúsculas. Por hoy lo mejor es recordar a Steele haciendo lo que mejor hacía: cantando, gritando, dejando el resto en cada una de sus interpretaciones. Así que colocaré unos pocos videos de Type O Negatice, de algunas de mis canciones favoritas de la banda.

¡Grande Peter!

Black nº 1

I dont wanna be me

Cristian woman

Love you to death

My girlfriend's girlfriend

30 days song challenge

2010-04-04T08:34:00.015-04:30

No soy amante de los memes tipo "chismógrafo", normalmente me parecen tontos, por no decir siempre. Pero anda circulando por las internetes el llamado 30 days song challenge, que consiste en mencionar durante treinta días una canción de acuerdo a una serie de situaciones o circunstancias preestablecidas.

Sin más, empezaré hoy, 4 de abril, con mi reto. Si quieren pueden ir comentando en la medida que vaya actualizando el post.

Day 01 (4 de abril 2010) – Your favorite song: Ice Queen, Within Temptation.

Day 02 (5 de abril 2010) – Your least favorite song: Si no te hubieras ido-Marco Antonio Solís (toda una oda a la pavosería, sí que sí).

Day 03 – (6 de abril 2010) – A song that makes you happy: Friday i'm in love-The Cure.

Day 04 (7 de abril 2010) – A song that makes you sad: Lucía-Joan Manuel Serrat.

Day 05 (8 de abril 2010) – A song that reminds you of someone: Poison-Alice Cooper (y la versión de Tarja Turunen).

Day 06 (9 de abril 2010) – A song that reminds of you of somewhere: Mother Earth-Within Temptation (excelentes recuerdos de Margarita 2005)

Day 07 (10 de abril 2010) – A song that reminds you of a certain event: This wind-Embellish (Este tema, y todo el Black Tears and Deep Songs for Lost Lovers fue lo primero que guardé y escuché en mi extinto MP4 europeo)

Day 08 (11 de abril 2010) – A song that you know all the words to: Chilanga banda-Café Tacuba (me sé muchas otras, pero saberme esta es una hazaña xD ).

Day 09 (14 de abril 2010... sí, hubo tres días de olvido) – A song that you can dance to: Ring Ring-Mika (en realidad no sé bailar nada, pero siempre me muevo cuando escucho esta).

Day 10 (15 de abril 2010) – A song that makes you fall asleep: Ella ya me olvidó-Leonardo Favio (y todo él, la verdad).

Day 11 (16 de abril 2010) – A song from your favorite band: Candles-Within Temptation

Day 12 – A song from a band you hate

Day 13 – A song that is a guilty pleasure

Day 14 – A song that no one would expect you to love

Day 15 – A song that describes you

Day 16 – A song that you used to love but now hate

Day 17 – A song that you hear often on the radio

Day 18 – A song that you wish you heard on the radio

Day 19 – A song from your favorite album

Day 20 – A song that you listen to when you’re angry

Day 21 – A song that you listen to when you’re happy

Day 22 – A song that you listen to when you’re sad

Day 23 – A song that you want to play at your wedding

Day 24 – A song that you want to play at your funeral

Day 25 – A song that makes you laugh

Day 26 – A song that you can play on an instrument

Day 27 – A song that you wish you could play

Day 28 – A song that makes you feel guilty

Day 29 – A song from your childhood

Day 30 – Your favorite song at this time last year

Carta abierta al programa La Bomba, de Televen

2010-04-03T16:15:00.008-04:30

El presente post es una reproducción de un correo electrónico
que le envié hoy al equipo de La Bomba, programa de farándula
transmitido de lunes a viernes por Televen.

Estimados productores y conductores del programa La Bomba.

Aprovecho la oportunidad de escribirles más allá de como una seguidora de géneros musicales como el metal y el rock, como una persona con suficiente preparación y con apetencia de disfrutar de televisión de calidad, como cualquier persona que tiene como derecho encender su televisor y ver un programa sin sentir que las personas que aparecen en pantalla carecen de la preparación mínima como para conducir un espacio de manera digna.

No pienso caer en el juego de la descalificación cosa que el señor José Gregorio Araujo y la señorita Kerly Ruiz parecen manejar muy bien, "facultad" de la cual hicieron gala en su programa donde televisaron la entrevista a los integrantes de Guns and Roses. Pero vayamos en orden, les expondré cada uno de los casos en los cuales considero que hubo un error por parte del equipo de La Bomba, con sus argumentos y contra argumentos posibles.

Entrevista a Oasis. Honestamente no la pude ver, así que es injusto de mi parte criticar o cuestionar su contenido.

Entrevista a Jonathan Davis de Korn, en el aeropuerto. A mi juicio esta entrevista falla en primer lugar por el bajísimo manejo del inglés de la "Maracuchita", María de los Ángeles del Gallego, y en segundo por la calidad de las preguntas hechas. Entiendo que en una entrevista rápida no es posible hacer preguntas muy profundas del tipo de, por ejemplo, las influencias musicales del grupo, su opinión sobre los movimientos metaleros actuales, etc, pero tampoco van a preguntar cosas sin sentido como "Where is your scare?", que además atenta contra todas las normas gramaticales del inglés, y mucho menos limitarse a hacer que el artista, como un lorito, repita "Say hello to the people of la Bomba".

Rueda de prensa de Metallica. Sé que este caso es particularmente polémico, y que mucha gente ha caído en insultos y descalificaciones que nada aportan y que dejan muy mal parado al público "metalero" (no "comegato", como tan despectivamente se refieren Kerly Ruiz y José Gregorio Araujo a los fanáticos del rock). Por ende, trataré de ser lo más comedida y clara que se pueda.

Creo que ya les han hecho notar que hubo un error, tremendo error, en la pregunta que Kerly Ruiz les hizo a los miembros de Metallica. Entre St.Anger y Death Magnetic (penúltimo y último disco respectivamente) no transcurrieron 9 años, sino 5 (St.Anger es del 2003 y Death Magnetic del 2008). Bien es sabido también que el error fue tan evidente que hasta la traductora del grupo lo notó, se lo mencionó en inglés a la banda, estos hicieron bromas al respecto y Kirk Hammet, guitarrista de Metallica, dio la respuesta del por qué la tardanza (de 5, no de 9 años) entre estos discos.

¿Dónde radica el problema acá? Se ha insistido en culpar a Kerly Ruiz por el error, y yo misma no la exonero del mismo. No soy periodista sino Licenciada en Letras, pero sé que para entrevistar a alguna personalidad, sea de la rama que sea, se ha de investigar previamente sobre el entrevistado. Si bien la entrevista a Jonathan Davis tuvo fallas, se "justifica" por la premura. Pero asumo que para una rueda de prensa se asiste estando previamente bien preparado en el tema en cuestión. Sin embargo, no creo que la responsabilidad recaiga exclusivamente en la señorita Ruiz. asumo yo que tras ella hay un equipo de producción encargado de preparar las pautas de lo que van a decir los presentadores del programa. Si Kerly Ruiz no investiga por su cuenta, se supone que el equipo de producción debía hacerlo. Lo que quedó en claro es que nadie investigó nada, y que fueron a la rueda de prensa como el estudiante que va a "tratar de pegarla" en las preguntas de verdadero y falso,

Entrevista a miembros de Guns and Roses. Honestamente nada puedo objetar a la entrevista en sí, fue sencilla, clara y acorde con el target y estilo de La Bomba. acá lo que cuestiono es la actitud del señor Araujo y la señorita Ruiz, al hablar de manera tan despectiva del público seguidor de bandas metaleras o rockeras. ¿Que los fanáticos de otros géneros no han atacado a La Bomba como sí lo han hecho los metaleros? Muy cierto es, y acá es donde hay falla de los fanáticos. pero hay que admitir que en otros géneros o en otras entrevistas su equipo no comete esta clase de errores ¿A qué se debe? ¿Por ser más "populares" y seguramente del gusto de los presentadores estos sí investigan y se documentan? ¿Dónde queda la imparcialidad periodística y el respeto por la noticia?.

El señor Araujo cuestiona también la tardanza de Guns and Roses, y estoy 100% de acuerdo en que fue una falta de respeto no digo de los miembros del grupo, pero si de Axl, su líder. Yo no fui al concierto, pero me hubiera sentido timada y molesta. Lo grave acá, insisto, es el desprecio y juicio que emana de las palabras y gestos de José Gregorio, situación que se agrava cuando la señorita Kerly, sin disimular su enojo, llama a los "comegatos" a que "defiendan a los medios de comunicación" en vez de atacarlos vía Facebook, Twitter o blogs. Acá lo que quedó demostrado es el tono personalista que Kerly le dio a lo acontecido con Metallica, y en vez de asumir sus errores, porque los cometió, se ofende porque se los señalen. Ok, puede que la manera no fue la correcta y se lo respeto, pero no puede pretender y exigir respeto cuando ella misma, con su desidia y desinformación, no mostró respeto ni por el público rockero que quiere ver a sus ídolos, ni por los artistas a quienes está entrevistando. Yo defenderé y defiendo a mis medios de comunicación siempre que estos me representen y sean capaces de asumir sus errores cuando los haya, y mejorar para no cometerlos de nuevo en un futuro.

Espero que no asuman este correo como un ataque personal, que vean los aspectos negativos y trabajen por el mejoramiento de los mismos. El público amante de géneros como el rock y el metal, aunque minoritario en nuestro país, merece el mismo respeto que otros. Por favor, espero me hagan saber que leyeron el correo y me den una respuesta, así sea breve.

Muchísimas gracias por su atención.

PD: El e-mail del programa La Bomba (labomba@televen.com) o no sirve o no existe, pues me fue rebotado el correo que acá les copio.

Este es nuestro bar: La Vida Bohème-Nuestra

2010-04-01T09:02:00.008-04:30

¡Muy buenos días por la mañana!

Sigo con mi tarea titánica de ponerme al día en Semana Santa, y hoy, tras el maratón de jornada de ayer, no me siento demasiado elocuente. Haremos lo que se pueda para hacer una reseña decente de un disco y unos artistas que quien me conoce puede sorprenderse de que me gusten. Hablamos de los venezolanos de La Vida Bohème y su album Nuestra.

No sé si sentirme "orgullosa" o apátrida al aceptar abiertamente que en general no me gusta el rock venezolano en español. Hay cosas muy buenas, pero siempre pasa que o lo bueno, por bueno, deja de existir al poco tiempo, o termina cambiando a un sonido comercial y de radio fórmula. Quizás estoy siendo realmente injusta al hablar de la movida nacional cuando yo misma no la conozco del todo. Sé que actualmente hay una ebullición de bandas y un renacer del rock criollo que no es nada despreciable, no es lo mío, de verdad que no, pero no por ello es malo. Y bueno, a La Vida Bohème los medio conocía de haber leído una que otra cosa por allí.

¿Cómo llegué a La Vida Bohème? Es mentira que me desperté un día pensando "Voy a bajar X cosa de Z banda nacional". Simplemente se trató de una serie de casualidades: alguien en mi Twitter compartió el link oficial de descarga de su disco, por no dejar hice click, me llamó la atención el arte de la página, bajé como quien no quiere la cosa y a los pocos minutos le di play a mi reproductor. Al empezar a sonar Radio Capital, tema de apertura del disco me quedé literalmente en shock.

Si algo me atrapó de La Vida Bohème es su sonido retro, quizás ochentero, pero no los 80 superficiales, sino los más oscuros, los más densos, en la estela de Sentimiento Muerto quizás, mas sin imitarlos. De hecho, cada vez que escucho Nuestra me parece que La Vida Bohème, más de veinte años después, son los herederos naturales de la que considero es LA gran banda de rock de Venezuela (insisto, sé poco de la movida actual del rock nacional, capaz y estoy rebuznando de manera bárbara). Adoro el eclecticismo de estos panas, suenan rockeros, electrónicos, poperos, alternativos, vintage, modernos y pare usted de contar (ellos mismos se definen como post punk en su Myspace).

Me gusta la manera en que La Vida Bohème (integrados por Henry D´Arthenay , guitarra y voz; Daniel de Sousa, guitarra; Sebastián Ayala, batería; y Rafael Pérez Medina, bajo) crearon temas potencialmente comerciales y absolutamente independientes a la vez. Si uno no presta demasiada atención a las letras sino que se limita a lo musical, es posible disfrutar sin demasiada complicación, e incluso moverse un poco al ritmo de los temas. Pero hay un algo que lo hace a uno detenerse: en medio de esa simpleza hay un dejo melancólico, un algo oscuro que genera un interés en atender más a fondo a lo que se escucha. Pasamos entonces a las letras, y vemos un mucho de poesía, un tanto de parodia metatextual, bastante de retratos de época y una buena dosis de desencanto político. Nada más alejado de la radio fórmula ¿no les parece?

Mi canción favorita está entre Nicaragua (visión desencantada de los movimientos revolucionarios de izquierda que en los 80 ya eran anacrónicos), Danz! (es demasiado exageradamente fina xD ), Calle Barcelona ("Pa, pa, para lavar la historia, como Sodoma y Gomorra./ Pa, pa, para crear historias de ángeles caídos"), y Cigarro, con una letra lo mar de intensa (justo lo que odio de muchos grupos criollos) pero que por algún motivo me resulta brillante. No se trata de una simple aglomeración de imágenes dizque experimentales, sino de un auténtico manejo poético del lenguaje. Curioso, un tema que le gusta a mucha gente es El Sentimiento ha muerto, y es de los que menos me llama. Es que es bastante electrónico y a mi eso no me llega.

Entre Echoes en el campo del rock/metal progresivo y La Vida Bohème en el rock en español considero que ya he cumplido con la patria. Y nadie me ha obligado a ello ¡eh! De verdad que he disfrutado muchísimo con ambos. 8,5/10 para ellos.

Myspace de la banda y el link de descarga oficial de Nuestra.

Tracklist

1- Radio Capital.
2. Cigarro.
3- Buen salvaje.
4- Flamingo.
5- El zar.
6- Danz!
7- Calle Barcelona.
8- Huxley.
9-I.P.O.S.T.E.L.
10-El sentimiento ha muerto.
11- Nicaragua.
12- Nuestra.

Christopher Lee empuña la espada: Charlemagne-By the sword and the Cross (2010)

2010-03-31T21:44:00.009-04:30

Si hay un actor que me cae bien es Christopher Lee. Ya sea participando en la saga de Star Wars o Lord of the Ring, actuando junto a Vincent Price o John Carradine, luciendo elegantísimo como Dracula o saliendo en películas de Jess Franco, Lee es un tipo genial. Por otro lado me agrada mucho, muchísimo la historia medieval, y Carlomagno siempre me ha parecido un personaje enorme en la historia de la humanidad y en la conformación política, estatal, religiosa y cultural europea. De paso vengo y me entero que Christopher Lee es (o dice ser) descendiente directo por vía materna del gran emperador, conocido tradicionalmente como "el padre de Europa" (según el Colegio Heráldico de Roma, los ancestros maternos de Lee son los Carandini, en cuyo escudo de armas aparecen símbolos propios del Sacro Imperio Romano). Resumiendo, Christopher Lee es lo máximo.

Y si aún quedan dudas de que este señor es, como dicen los españoles "el puto amo", pues resulta que a sus ochenta y tantos ha decidido incursionar en el mundo del Metal. Y es esta incursión la que le ha ganado una mención en este el Soundtrack: su debut como solista en el proyecto de metal sinfónico Charlemagne, con su disco conceptual By the sword and the Cross.

Hay que mencionar que Lee ya había tenido sus pinitos metaleros hace unos pocos años, cuando colaboró con Rhapsody of Fire en el 2003, en el disco Symphony Of Enchanted Lands II-The Dark Secret, así que no es ningún tonto. Si bien Rhapsody no es lo mío (hace años luz lo fue), caramba, no todas las personas mayores de 80 se alían con unos metaleros, canta con ellos y de paso se siente tan motivado por la experiencia que siete años después saca su propio disco.

Ya en materia, By the sword and the Cross debería ser materia obligatoria entre los alumnos de habla inglesa que estén estudiando historia europea, pues a lo largo de sus catorce temas es narrada con bastante rigor histórico la vida de Carlomagno, caracterizado por Sir Christopher Lee, quien hace gala de un impresionante registro de bajo profundo, imprimiéndole dramatismo a la historia de su tatara tatara tatara tatara tatara x 100 abuelo. Lee es un actorazo ¡tamaña perogrullada la mía! Por supuesto que para él ha de ser pan comido imprimirle drama a algo, Pero es que canta bien, muy bien. Declama a veces más de lo que canta, pero es comprensible en un álbum donde inclusive las canciones son precedidas por una narración de distintos episodios de la vida del emperador.

Musicalmente el disco está muy bien logrado, cuenta con excelentes colaboradores y muy buenas interpretaciones. Quizás es algo lento a ratos, pero en líneas generales es bastante bueno, y sin las florituras (y ridiculeces, me disculpan) en las que a veces cae Rhapsody. Un metal sinfónico muy muy sobrio, casi señorial, pero muy elegante y bien logrado.

Mi canción favorita, sin lugar a dudas, es The Bloody Verdict Of Verden, la más "cantable" de todo el cd, en la cual se narra el episodio de la Masacre de Verden (año 782), en la cual Carlomagno ordenó que en Verden, Baja Sajonia, se decapitara a 4.500 paganos (un duro, vaya que lo era). En esta canción es excelente el contrapunto entre el joven Carlomagno y el fantasma del emperador interpretado por nuestro Christopher.

Los personajes que conforman la obra y sus intérpretes son los siguientes:

Christopher Lee: Fantasma de Carlomagno.
Christina Lee: Narradora.
Phil SP: Pipino el Breve (padre de Carlomagno).
Mauro Conti: Adriano I, Papa.
Vincent Ricciardi: Joven Carlomagno
Lydia Salnikova: Hildegard.
Christi Ebenhoch: Narrador cantante.

No es un disco para escuchar a cada rato, o para pegarse con él, o para cantarlo, pero es realmente interesante, y genera un buen ambiente. Un 7,5/10 para Charlomagne, y un 10/10 para Lee porque se me antoja. Myspace de Sir Lee y compañía acá.

Tracklist

1. Overture.
2. Act I: Intro.
3. Act I: King Of The Franks.
4. Act II: Intro.
5. Act II: The Iron Crown Of Lombardy.
6. Act III: Intro.
7. Act III: The Bloody Verdict Of Verden.
8. Act IV: Intro.
9. Act IV: The Age Of Oneness Out Of Diversity.
10. Act V: Intro.
11. Act V: Starlight.
12. Finale.
13. Iberia.
14. The Bloody Verdict Of Verden (Instrumental).

Existencia natural: Echoes-Nature|Existence (2010)

2010-03-31T18:56:00.007-04:30

Una de las mayores sorpresas musicales que he tenido este año me llena de orgullo además. Soy todo menos patriota o regionalista, y no porque algo sea hecho en mi país me parece bueno apriorísticamente. Pero en este caso concreto no soy yo sola quien dice que la banda de la que hablaremos en este segundo post del día es genial y prometedora, cuentan además con el aval (¡Y vaya aval!) del mismísimo Bruce Dickinson, quien en su programa de radio de la BBC, Friday Rock Show, declaró lo siguiente al presentar una de las canciones del grupo:

"Algo de un clima mas exótico, un poco más progresivo. Desde Venezuela, una banda que se llama Echoes, nombre bastante prog (tararea el riff de bajo de One of these days de Pink Floyd). El nombre de la canción es bastante progresivo también "Leaf Motif", que no tiene ninguna relación con Leif el vikingo. Su primer disco acaba de salir y se llama Nature|Existence. En este tema suenan a una mezcla de Porcupine Tree con Dream Theater, con un poquito de Metallica por encima y creo que sabrán cuál es el pedazo que suena a Metallica apenas lo escuchen...créanme. Echoes es el nombre de la banda y Leaf Motif es el nombre del tema".
(Fuente de la cita acá).

Sin más dilaciones, y cargándome de humildad tras las palabras de uno de los dioses del Heavy Metal, pasaré a hablarles de mis compatriotas, Echoes, con su disco Nature|Existence.

Echoes es una banda de rock progresivo, con ciertos elementos de metal progresivo y del rock psicodélico de los 70, quienes consideran como influencias a gente como Porcupine Tree, Genesis, Opeth, Pain of Salvation y Pink Floyd. Están conformados por Javier Landaeta, Antonio Silva y Rafael Sequera en las guitarras, Jorge Rojas en el bajo (creo que es mi miembro favorito), Alfredo Ovalles en los teclados, y Miguel Ángel Molina en la batería.

La mayoría de sus piezas son instrumentales, y son mis favoritas por el virtuosismo del que hacen gala los miembros del grupo, pero los temas cantados no son simples porcatas, pues cuentan con invitados de la talla de Carl Webb (Oceanwerks), Nick Storr (The Third Ending), Tobias Jansson (Silent Scythe, The Law) y, por Venezuela, Pedro Castillo (Témpano y Aditus). Además tienen la colaboración en el saxofón de Dave Duffus.

Una de las cosas que más llama la atención de este disco es su excelente producción musical. El sonido es limpio y claro, y se siente todo en su lugar, sin que ningún instrumento rompa el equilibrio del otro. Pero no soy ingeniero de sonido ni sé de tecnicismos. Simplemente “noto” que la producción es uno de los puntos fuertes del disco. Si alguien más avezado que yo en estos temas puede ampliar más al respecto, está invitado a comentar. Pero lo importante, lo verdaderamente importante, es la calidad, originalidad, virtuosismo y valentía de cada uno de los temas que componen a Nature|Existence. De verdad se agradece escuchar a una banda progresiva que no sean unos Dream Theater o Porcupine Tree wannabe, y que además se sienta un sonido propio, distintivo, y que te haga pensar no “se parecen a…” sino simple y llanamente “qué buenos son”.

Como mencioné líneas arriba, adoro la línea del bajo en todas las canciones. Yo soy medio sordita y a veces me cuesta identificar los bajos, y si acá lo escucho clarito es porque el intérprete es un crack. Pero no es él el único virtuoso, los tres guitarristas (idea genial esa de tener tres intérpretes de este instrumento, pensando en conservar la amplitud de sonido en los conciertos) son excelentes, muy técnicos y a la vez fluidos, sin caer en lucimientos sin sentido sino jugando con los cambios de melodía y los ritmos trabados, siguiéndole el juego a la batería, muy a lo Portnoy, la verdad, pero sin que se sienta como una copia (Seamos sinceros ¿qué baterista en su sano juicio no quisiera sonar como Mike?). Y es espléndida la línea melódica impuesta por los teclados. De verdad que los seis miembros suenan magistralmente bien ensamblados.

Escoger unos pocos temas favoritos es tarea tacaña y mezquina cuando todas las canciones me parecen obras de arte; obvio que Leaf Motif es increíble, ya o dijo Dickinson, pero junto a ella tenemos joyas como Despair (mejor que mucho de los actual de Dream Theater, en serio), Lullaby (cuya fuerza increíble me parece que no haría que nadie se quedara dormido) y Farewell, por ser una pieza acústica de belleza insuperable. Me agrada además la originalidad de los títulos de las canciones que abren y cierran el disco (además son realmente buenas): Epilogue (… is where we start) y Prologue (…where we end).

Me siento generosa… bah, qué generosidad ni qué cuernos, los de Echoes con su Nature| Existence se lo ganaron a pulso: 10/10. Y para los curiosos, su Myspace.

Tracklist

1. Epilogue (…is where we start).
2. Rude awakening.
3. Leaf motif.
4. Lullaby.
5. Bonfires.
6. Unfair.
7. Seasons came to pass.
8. Far from coincidence.
9. Despair.
10. Winds of dread.
11. Farewell .
12. Prologue (… where we end).

Combo francés: Alcest-Écailles de Lune / Les Discrets-Septembre et ses dernières penseés (2010)

2010-03-31T13:49:00.010-04:30

Aprovechando el tiempo libre que me ha regalado la Semana Santa trataré de ponerme al día con el soundtrack. Ha habido mucha música que he escuchado y no he reseñado, y es mentira que lograré hacerlo en los escasos 5 días que me quedan de vacaciones, pero haré lo que se pueda, con un poquito de trampa. En vista de que de por sí los franceses de Alcest y Les Discrets lanzaron el año pasado un split, que sus lanzamientos del 2010 fueron lanzados al público casi de manera paralela y que además cultivan un mismo estilo (post rock y/o shoegaze, que aún no sé bien cuáles son los rasgos distintivos de ambos géneros), es como si me estuvieran dando carta blanca para lanzar un combo, o una promoción gala de 2 por 1.

No nos detendremos más, pasaremos a analizar de manera muy breve este par de delicias musicales traídas directamente de las Galias.

Alcest-Écailes de Lune

Con una onda muy parecida a lo que ya habían hecho en el 2007 con Souvenirs d'un autre monde, y dejando ligeramente a un lado la agresividad black metal que está presente en el disco debut de Amesoeurs (2009), Alcest nos presenta una pequeña gema post rock, literalmente pequeña, pues son sólo seis los temas que conforman al disco.

De verdad que de Alcest me asombra y fascina la cualidad etérea de su música, sin complicaciones, y al mismo tiempo sin simplezas sin sentido. Me encanta la manera en que los teclados y las guitarras ofrecen una melodía relajada y tranquila pero en el fondo la batería pareciera querer romper con esa atmósfera pacífica que impregna cada tema. Lo mismo siento con la voz de Neige, a quien estoy empezando a considerar como uno de los grandes músicos europeos actuales (eso de ser responsable de la voz, la guitarra, los bajos y los sintetizadores de Alcest es así como Ariel, el que pinta, diseña y hasta le baila ballet).

Temas favoritos serían Écailes de lune (part 2), bastante afín a Amesoeurs a decir verdad, Perceés de Lumiére, cuya música es hermosísima y contrastante con Neige en los vocales, y Sur l'Océan Couleor de Fer, suave y melancólica, excelente manera de terminar el disco.

Sigo sin entender ni poder definir el post rock y el shoegaze, pero no soy sorda y sé cuando algo es bueno o no, y esto es más que bueno. 10/10 para Alcest (y Neige), y su Myspace por acá.

Tracklist

1. Écailles De Lune (part I).
2. Écailles De Lune (part II).
3. Percées de Lumière.
4. Abysses.
5. Solar Song.
6. Sur L'Océan Couleur de Fer.

Les Discrets-Septembre et ses dernières penseés

Si bien con Alcest sabía a qué atener,e y más o menos qué música escucharía, con Les Discrets sólo supuse que sería una música afín. Nunca antes los había escuchado, y admito que por desidia nunca me bajé el split del 2009. Pero asumí de una que malos no iban a ser, y bueno, malos no resultaron. Pero así como yo hago trampa con ustedes, estimados lectores (o amigos invisibles como diría Arturo Uslar Pietri) estos franceses también la hacen conmigo y con todos nosotros: Si Amesoeurs es un proyecto de Neige aparte de Alcest, Les Discrets es a su vez un proyecto aparte de Fursy Teyssier (guitarra, bajo, voces y dirección artística) y Winterhalter (batería), miembros ambos de, adivinen quién... ¡Amesoeurs! En fin, que esta gente se paga y se da el vuelto.

(Por cierto, leyendo con calma el Myspace de Les Discrets, pues ellos son del 2003, así que la trampa, la auténtica trampa es Amesoeurs, quienes debutaron el año pasado... da igual, las fechas simplemente nos ubican en una cronología, pero nada dicen de la calidad musical de los tres proyectos, y hay que ver a cuál mejor, sí que sí).

La parte vocal de Les Discrets sí es un debut, A. Hadorn, quien posee un registro ronco pero perfectamente atinado y melódico, mucho menos fuerte que Neige, pero quizás más emotivo. Y bueno, quizás como el plato fuerte del grupo son miembros de Amesoeurs el sonido es mucho más parecido, al menos en lo que a la línea melódica respecta, en la parte vocal no demasiado: faltarían las voces femeninas y los gritos de Neige, quien en esta banda se puso locato locato.

Un tema absolutamente hermoso es Song for mountains, y uno curioso por sonar étnico y experimental a la vez es el que le sigue, Sur les Quais, en el cual los teclados son los verdaderos protagonistas. Es realmente una preciosidad de canción,

Un 10/10 es más que evidente tras las perlas que acabo de lanzarles a los compañeros de Les Discrets. Su Myspace por estos lares.

Tracklist

1. L’ Envol des Corbeaux
2. L’ Échappée
3. Les feuilles de l’ olivier
4. Song for Mountains
5. Sur les Quais
6. Effet de Nuit
7. Septembre et ses dernières Pensées
8. Chanson d’Automne
9. Svipdagr & Freyja
10. Une Matinée d’ Hiver

Por cierto, quiero agradecer al equipo de Frecuencias en el Espacio, pues gracias a ellos conocí a este trío de bandas que me hacen considerar que los franceses se la están comiendo en el panorama del post rock mundial. Los invito a pasar por allá.

PD: Ahora que veo, a Amesoeurs en su momento les di 7,5. Vaya tacañería la mía. Menos mal que resarcí mi error incluyéndolos en mi Top lo que sea. Admito que me gustan más ahora que cuando los escuché por vez primera.

PD2: Antes de que me arranquen la cabeza, y haciendo justicia a quien se la merece, olvidé por completo que si bien descubrí a Amesoeurs en el blog ya citado, conocí a Alcest por recomendación de Apocalypsofacto. Luego fue un ir y venir de links, descargas, conversaciones y post, de los cuales olvidé el orden cronológico. Así que ¡my bad, Apocalypso! xD

¿El mito de Opeth?: Stone Circle-Myth (2010)

2010-02-20T07:58:00.005-04:30

Uno de los primeros discos que escuché en este año fue la pequeña maravilla de 7 temas que es Myth, el más reciente disco de los ingleses de Stone Circle, maravilla muy controvertida por lo que tengo entendido, pues ha sido comparada con Opeth, e incluso se ha dicho que copian su sonido por entero... ahora que lo pienso pues sí, sí que tienen un aire, pero no veo el pecado en ello. No es por nada, pero en el panorama musical actual hay mil y un grupos que suenan igualito o que imitan a bandas de tres por medio; que un grupo suene como una banda consagrada y que de paso suene bien y que no se sienta como una fotocopia se agradece, y mucho. ¡Bah! Además yo nunca he seguido de manera sistemática la carrera de Opeth (mala mía, lo sé), así que no me afecta el parecido.

Ahora en materia, Myth es un gran exponente del progressive death metal, pleno de momentos instrumentales magistrales, solos de guitarra estupendos como en The greatest lie, tercer tema del disco, guturales que abarcan registros agresivos (A missing star) y depresivos (Tempest), momentos acústicos, voces melódicas melancólicas, y lo mejor, la combinación de todos estos elementos en una misma canción. Una muestra de ello es la ya citada A missing star, que en casi 9 minutos conjuga todos los elementos mencionados.

Para mi gusto personal, Stone Circle destaca en estos temas más pesados y agresivos que en los oscuros y densos temas melancólicos del estilo de Closed eyes, que sin ser malo (de hecho, en su estilo me parece genial), me termina cansando, pero ya es una peculiaridad mía. De por sí es ese ambiente "corta venas" el que no me permite engancharme aún con Opeth, Anathema e inclusive Porcupine Tree (Inserte su insulto, gracias). Eso sí, hacia el minuto 3 de Closed eyes hay un cambio de melodía y se introducen de manera sutil elementos casi jazzísticos a cargo de la guitarra de Josh Ashwin, estupendo vocalista, huelga admitirlo. Hacia el minuto 7 la canción es más "a lo Beatriz", se torna más agresiva e introduce unos discretos grunts. No puede negarse que es un temazo, excelentemente estructurado.

Me parece que los integrantes de Stone Circle no son ningunos tontos y saben bien lo que hicieron en este disco. En serio, dudo mucho que simplemente se hayan propuesto crear un disco "a lo Opeth", porque no les hubiera salido tan bien como salió. De paso es realmente valioso que esta joven banda se haya atrevido a producir un disco de tan alto nivel careciendo de un sello discográfico que los soporte. Para mi se merecen un 9/10, ojalá todas las agrupaciones musicales emergentes tuvieran los testículos (u ovarios, nunca se sabe) tan bien puestos para hacer discos como este.

Myspace de la banda.

Tracklist:

1. The Puzzle.
2. Tempest.
3. The Greatest Lie.
4. A Missing Star.
5. The Sky Has Spoken.
6. Closed Eyes.
7. Grief.

Hacia la nada: A Sorrowful Dream-Toward Nothingness (2009)

2010-02-11T18:11:00.005-04:30

El disco que hoy nos ocupa ha resultado para mi toda una cajita de sorpresas, incluso al momento de escribir esta reseña. Cuando hace un par de semanas escuché a A Sorrowful Dream no los conocía de nada, y honestamente no busqué información sobre ellos sino que me dediqué a disfrutar de un disco que me parece magistral de principio a fin. Quizás cuando uno escucha a bandas tipo "beauty and beast", en la que se combina la voz femenina con una contrapartida masculina haciendo grunts suele pensarse que se trata de una banda europea, norteamericana en su defecto. A lo mejor pequé de prejuiciosa, y por ello mi asombro al enterarme de la nacionalidad del grupo, vecinos amazónicos, brasileños como la feijoada y Edson Arantes do Nascimento.

Creo que una de las cosas que más me llamó y me llama la atención de Toward Nothingness, segundo lanzamiento tras The River that Carries my Loss (2008), es el parecido de la voz de Éder con la de Morten Veland, ex Tristania y fundador de Sirenia, para mi uno de los mejores exponentes del grunt en el metal gótico, junto a Mark Jansen de Epica (pero lo prefería en After Forever, por cierto). De hecho, A Sorrowful Dream me recuerdan muchísimo a los noruegos de Tristania en su época de Widow's Weed (1998) y Beyond the veil (2000). Es más, me resultan tan afines que la cuarta canción del disco, The Bringer of Light, me trae a la memoria el recuerdo de My Lost Lenore, una de las mejores canciones de Tristania, incluida en su disco de 1998.

La afinidad, a mi juicio, viene dada no sólo por la voz de Éder sino principalmente por la línea melódica protagonizada por los violines de Lucas Vargas y los teclados de Mariana Vieira da Costa, lo cual resulta más evidente en el tema ya citado. Pero sería injusto pensar que son una copia, o unos "Tristania wannabe", porque si bien la atmósfera general es afín ofrecen al escucha estructuras melódicas de una complejidad casi progresiva; sirvan de ejemplo canciones como Tree of Lies y Empire of Fire, esta última en la cual además Joseane Fonseca Demeneghi hace gala de una voz hermosa y potente a un mismo tiempo. Josie, como se hace llamar, tiene una voz hermosísima, versátil, capaz de explorar registros muy agresivos y otros muy líricos como en Timeless.

Otro tema destacable es Harpies (for the love of the God), dramática, grandilocuente, casi escalofriante cuando a Josie se le quiebra la voz hacía el minuto 1'22'', y con una agresividad de Éder que en este caso me recuerda a Fernando Ribeiro, de Moonspell. Genial

Si tuviera que señalar un defecto de Toward Nothingness es su año de lanzamiento; de haber sido del 2010 seguro hubieran entrado en mi Top Lo que Sea, es una pena haberlos descubierto tan tardíamente. 10/10 para estos vecinos, quienes dada la cercanía, ojalá algún día llegaran a hacer un concierto en Venezuela... ¡Soñar es gratis!

Myspace

Tracklist:

1. Last Whisper From a Winter Gale.
2. The River That Carries My Loss.
3. Body, Mercy and Madness.
4. The Bringer of Light.
5. Empire on Fire.
6. Timeless.
7. Tree of Lies.
8. Harpies (for the love of the God).
9. A Sorrowful Dream (Bonus Track).

El guerrero de la luz: Orphaned Land-The Never Ending Way Of ORwarriOR (2010)

2010-02-04T17:56:00.001-04:30

"Ya empezó a desaparecer", dirán ustedes, pero creo yo que esta vez no me tardé tanto tantísimo entre el último post y el que hoy nos ocupa. Este empleo mío no me deja demasiado tiempo libre, y si lo tengo estoy tan embotada que no podría escribir una reseña decente de disco alguno. Sin embargo, decidí hacer de tripas corazón para reseñar uno de los lanzamientos del 2010 que más me ha gustado (ya he conseguido al menos unos cinco discos geniales que merecen ser reseñados y que espero que lo sean: In Vain, Ihsahn, Stone Circle , A Sorrowful Dream y algunos otros por allí). Vayamos al grano y hablemos de The never ending way of OrwarriOr, lanzamiento de los israelíes de Orphaned Land tras la maravilla que fue Mabool: The story of the three Sons of Seven, lanzado seis años atrás (2004).

Como la misma banda lo explica en su Myspace, en ORwarriOr (pasaremos a designar así al cd en vista de lo largo del título) nos topamos con una enorme obra conceptual concebida de una manera muy inteligente: o bien podemos inmiscuirnos en la historia que unifica las canciones o si no es posible disfrutar las canciones de manera individual, dejándonos envolver por la música.

ORwarriOr es una obra épica y grandilocuente, lo cual es evidente en la cantidad de horas y músicos que participaron en la producción del cd: 600 horas de estudio, colaboración de la Arabic Orchestra of Nazareth y la presencia de Steven Wilson (Porcupine Tree) en la mezcla de sonido hablan muy bien de lo que encontraremos a lo largo de las quince piezas étnicas y a un mismo tiempo progresivas que conforman esta señora obra de arte, donde los grunts se combinan con cantos autóctonos hebreos en perfecta armonía.

Creo que una de las cosas que más me gustan de ORwarriOR es su versatilidad y heterogeneidad musical, las cuales impiden que el oyente se aburra o canse a pesar de tratarse de un disco de duración más que considerable. Junto a las clásicas guitarras eléctricas virtuosas, al bajo demencial y a la batería ágil y marcadora de ritmos trancadísimos tenemos una buena dosis de elementos folklóricos del oriente medio exquisitamente integrados y sin caer en las ingenuidades sonoras de gran parte de las bandas de folkmetal nórdicas. Hay que tener en cuenta además que la música y los instrumentos son casi un personaje más, o un ambiente psicológico que encuadra a la historia épica de ORwarriOR, caballero de luz traduciendo de manera aproximada el nombre del personaje ("Or" es "luz" en hebreo, si no mienten las internetes).

Hablar tema por tema es largo, muy largo, pero creo que una canción conjuga todo lo bueno de ORwarriOR: The Path Part 2 – The Pilgrimage to Or Shalem, pues en ella se cumple en el terreno de lo musical lo que los miembros de Orphaned Land aspiran en una perspectiva moral y religiosa, la unidad. Me parece que en algunas canciones lo oriental prevalece sobre lo progresivo y en otras esto sobre lo death, siempre de manera sutil, eso sí. Sin embargo, The Path Part 2 – The Pilgrimage to Or Shalem lo tiene absolutamente todo: virtuosismo técnico e interpretativo, una composición compleja propia del metal progresivo más académico, y al mismo tiempo la suficiente fortaleza y dureza de un death metal salvaje, cuyos grunts ceden paso a voces melódicas orientales, interpretadas no ya por la maravillosa Shlomit Levi sino por el propio Kobi Farhi. Un tema magistral, perfecto, sublime... el punch comercial lo tiene Sapari, pero este tema para mi es la esencia no ya de todo ORwarriOR, sino del sonido y planteamiento estético de Orphaned Land.

Una real maravilla, y un placer otorgarle un 10/10 a mi primera reseña de un disco del año 2010.

Myspace por acá

Tracklist

[Part I: Godfrey's Cordial - An ORphan's Life]
01. Sapari
02. From Broken Vessels
03. Bereft in the Abyss
04. The Path Part 1 – Treading Through Darkness
05. The Path Part 2 – The Pilgrimage to Or Shalem
06. Olat Ha'tamid

[Part II: Lips Acquire Stains - The WarriOR Awakens]
07. The Warrior
08. His Leaf Shall Not Wither
09. Disciples of the Sacred Oath II
10. New Jerusalem
11. Vayehi Or
12. M I ?

[Part III: Barakah - Enlightening The Cimmerian]
13. Barakah
14. Codeword: Uprising
15. In Thy Never Ending Way (Epilogue)

Top lo que sea 2009 de Beatrix's Soundtrack

2010-01-10T19:11:00.003-04:30

Un poco más tarde de lo deseado, pero a poco tiempo de haber estrenado un nuevo año, les presento lo que decidí llamar el Top lo que sea 2009, nombre dado por mi indecisión sobre de cuántos discos conformarían mi conteo anual. Suponiendo (y esperando) que haya un Top lo que sea 2010, seguirá llevando este nombre porque no garantizo que pueda decidirme por un número fijo de artistas. De hecho, mi top inicial es de 16, pero dado que hay una artista que repite, y cuyos álbumes me parecen igual de buenos, los uní para llegar a un número redondito.

Sé que me falta mucho por incluir, que hubo mucho del año pasado que no escuché o que escuché tarde (el genial shred de The Sean Baker Orchestra, el hard rock de toda la vida de Los Bastardos Finlandeses y el Crack the Skye de Mastodon lo escuché la semana pasada apenas… puede insultarme si gusta), así como hubo discos espléndidos que no reseñé (tal es el caso del Hydralchemy de Vanguard y los discos debut de Animals as Leaders y And so I watch you from affar), y otros que fueron decepciones absolutas o simplemente no me satisficieron lo suficiente, tal es el caso del The resistance de Muse y el Black Clouds and silver lightnings de Dream Theater. Pero no perdamos tiempo en lo que pudo haber sido y no fue y entremos en materia. Preparen los bombos y platillos, que se viene el famoso Top lo que sea 2009 de Beatrix’s Soundrack.

15. Amesoeurs-Amesoeurs

No conocía muy bien el género del post rock, y me alegra haberme iniciado con estos franceses, ex Alcest, quienes crearon un disco que está a dos aguas entre lo alegre y lo agresivo. Hermoso contraste de voces femeninas y grunts.

14.My Dying Bride-For lies I sire

Un growing, como dicen. Este disco me pareció simplemente bueno cuando lo escuché por primera vez, pero a casi un año de hacerme con él puedo decir sin temor a equivocarme que nos encontramos con lo mejor de la época reciente de los británicos de My Dying Bride. Volvieron los violines ¿Hay quejas posibles?

13. Stream of Passion-The flame within

Liderados por Marcela Bovio, se nota que no les afectó la partida de Arjen Lucassen en lo absoluto. Un disco de lujo, mucho mejor que el Embrace the storm con que debutaron en el 2006. 13 canciones patea traseros, sí que sí

12. Panzerballet-Hart genossen von Abba bis Zappa

Avant garde, fusion, experimentalismo y covers demenciales. O dicho en otras palabras, el día en que Frank Zappa conoció a Rammstein y se fueron todos a tomar un té junto a los miembros de Rammstein. De lo más original y virtuoso que he escuchado.

11. Leave’s Eyes-Njord

Gran retorno de una de las mejores voces del metal gótico, o para ser justos, la madre del género. Liv Kristine y Alexander Krull hicieron un disco magistral, con temas épicos, mucho, muchísimo mejor que todo lo que pueda hacer la actual alineación de Theatre of Tragedy,

10. Skeletonbreath- Eagle’s nest, Devil’s cave

Violines, violines y más violines, creando una obra de arte experimental y ecléctica, con detalles musicales típicos de Europa oriental, atendiendo al carácter transilvano del cual se vanaglorian los integrantes del grupo.

9. Isis-Wavering Radiant

Otro debut para mi, y me contenta que sea con el que está considerado el mejor, o uno de los mejores discos de la carrera de Isis. Denso y melódico sin ser incompatible. Altamente recomendable.

8. Katatonia-Night is the new day

Doom metal del bueno, melancólico, triste y bien interpretado. Sigue la estela de A great cold distance pero no lo supera. Tampoco es peor, se nota casi como una continuación de su predecesor. Maravilloso como todo lo que estos suecos hacen.

7. Rodrigo y Gabriela- 11:11

No todo tiene que ser metal en mi vida, pero sí que me gusta una buena dosis de virtuosismo. De Ciudad de México este par de jojotos guitarristas clásicos que ya se atreven a compartir tablas con Al di Meola.

6. Kalisia-Cybion

Ópera progresiva y death metalera, conceptual, grandilocuente y virtuosa. Un álbum-concepto indisoluble y sólido, con participaciones especiales brillantes como las de Angela Gossow y Arjen Lucassen, y valentía al versionar a monstruos como Dream Theater, Cynic y Emperor.

5. Anneke van Giersbergen-Pure Air / Agua de Annique-In your room

Anneke van Gierbergen me hace “heterolesbiana” xD Bromas aparte, cómo no admirar el talento de una mujer que en un año saca dos discos muy distintos entre sí e igual de buenos, tanto como el disco debut del proyecto solista de Anneke tras su partida de The Gathering.

El primero es un disco acústico, melancólico y delicado; el segundo es alegre, dinámico y divertido. Ambos tienen en común la maravillosa voz de la Giersbergen.

4. Paradise Lost-Faith divides us. Death unites us

No es necesario haber escuchado mucho este disco para darse cuenta de que es una joya, sobre todo en estos tiempos en que el auténtico metal gótico parece estar en un bajón. A pesar de haber estado sacado discos sin interrupción, para mi este es el retorno del año, en el sentido de que Paradise Lost regresó al sonido que los hizo grandes.

3. Diablo Swing Orchestra-Sing along songs for the damned and delirious

Una pequeña joya de poco menos de 50 minutos, en donde escuchamos a unos suecos volverse locos mezclando voces de soprano, música popular norteamericana de las primeras décadas del siglo XX, ambiente circense, parodia e ironía. Diablo Swing Orchestra superó con creces su disco debut The butchers ballroom, así que esperaré ansiosa su tercer lanzamiento.

2. Indukti-Idmen

Otro growing. Recuerdo no haber estado conforme con los vocalistas escogidos para interpreter los tres temas cantados del cd, pero al sol de hoy me parecen geniales… bueno, el Camilo Sesto borracho me sigue pareciendo que suena igual xD pero he de admitir que es una pieza genial. Un disco absolutamente impecable, experimental, virtuoso, pesado, a quien considero les di muy poca puntuación y merecen un 10, así de sencillo.

1. Riverside-Anno Domini High Definition

Difícil fue escoger entre Indukti y Riverside; ambos polacos, ambos progresivos, y en ambos es posible escuchar a Mariusz Duda, pero como Duda no canta en Idmen sino en S.U.S.A.R (disco debut de Indukti) mi voto va para Riverside… bueno, no sólo por eso, sino por ser un disco que no ha tenido bajones desde que lo conseguí, que no he borrado de mi disco duro y que no pienso borrar jamás; es más, mataría por tenerlo original. Es a mi juicio lo mejor en la discografía de Riverside, y me encantaría verlos en concierto otra vez. A mi juicio son dioses. Ya que Dream Theater la embarró con su disco nuevo, le cedo el testigo a estos polacos en lo que a mi trono personal del progresivo respecta.

De jardines mortuorios: K3-Garden of death (2009)

2010-01-04T08:47:00.006-04:30

Una de las cosas que más rabia me da en Lastfm.com son los nombres erróneos de los artistas, o peor aún, cuando confunden a un artista por otro. Y de verdad no exagero al decir que me exaspera que yo, amante del metal progresivo instrumental, del metal gótico, del doom y del heavy metal de toda la vida, entre otros, aparezca en Lastfm como una gafa seguidora de un trío belga de pop por el simple hecho de que no existe un perfil propio para la banda que acá presentaremos, los húngaros de K3, geniales exponentes del metal instrumental progresivo, quienes cerraron el año 2009 con su segundo disco oficial, Garden of death.

Por cierto, hablando de las extrañas y a veces injustas coincidencias de la vida, no sólo los húngaros comparten nombre con las belgas, sino que también se trata de un trío. Pero por favor, vayamos a las fotos. No existe comparación ni paralelismo alguno entre estas tres pánfilas y estos tres maestros. János Kállai en la guitarra, Péter Szuna en el bajo y Gábor Nagygyörgy en la batería. K3, por el simple hecho de haber nacido como grupo en 1995 bajo la premisa de realizar covers de Joe Satriani se merecen mis respetos; eso demuestra tanto la calidad de las influencias musicales del grupo como la valentía de sus miembros al atreverse a interpretar piezas de un monstruo sagrado como lo es Satriani.

Ya para entrar en materia, Garden of death es un álbum conformado por ocho espléndidos temas, bautizado cada uno de ellos con números romanos, marcando de esta manera una diferencia conceptual bastante clara en comparación con Under a spell, primer larga duración de la banda, publicado en el 2007. A mi juicio es evidente la madurez y el crecimiento musical de los miembros de K3 en esos dos años que separan a sus dos lanzamientos; si bien Under a spell es un disco maravilloso, se les nota ligeramente lo novatos, no en lo que a calidad de interpretación o virtuosismo respecta sino en materia de calidad de producción: Garden of death tiene una calidad de edición impecable, lo cual en un género como el metal progresivo instrumental me parece indispensable, para poder apreciar así cada pequeño matiz, cada genialidad que los músicos puedan ofrecernos. en cada nota.

Me agrada de Garden of death su virtuosismo carente de pomposidades y grandilocuencias, su sobriedad que no resulta incompatible con los muchos medios expresivos alcanzados gracias a los tres instrumentos protagonistas (el bajo de Péter Szuna tiene bastante más protagonismo que en el disco anterior a mi parecer). No se siente un duelo de egos por demostrar quién de los tres es el mejor músico, por el contrario, se nota una simbiosis perfecta que busca crear piezas integrales donde ningún elemento sobre o falte.

Mis piezas favoritas son la primera y la última, las más agresivas del disco, pero en general las canciones tienen un mismo espírutu y estilo: son ágiles, dinámicas, pesadas a ratos, experimentales sin llegar a excentricidad alguna. Un disco muy fácil de escuchar y digerir que puede ser del agrado tanto de personas "especializadas" en esto del progresivo como por otras que pudieran iniciarse en estas aguas.

Para los húngaros (no para las belgas) un 9/10 en el ranking del soundtrack. Myspace del artista por acá y tracklist del disco a continuación:

Tracklist

1- I.
2- II.
3- III.
4- IV.
5- V.
6- VI.
7- VII.
8- VIII.

La gran historia. Coronatus-Fabula magna (2009)

2010-01-03T16:37:00.004-04:30

Bienvenidos al primer post del año 2010. Espero que en estos tres primeros días del año hayan descansado lo suficiente, que al año nuevo ahora es que le queda. Ojalá sea bueno para todos ustedes. Y ojalá nos traiga buena música, y con ella empezaremos el trabajo de este año; si bien el disco que nos ocupará a lo largo de estas líneas es de finales del 2009 no es sino hasta ahora que tuvimos tiempo de mencionarlo en el soundtrack ¿Y cómo dejarlo pasar? Estamos hablando de uno de los géneros que más disfruto, el metal gótico. Así que sin muchos preámbulos (que ando corta de musa) les presentaré a los señores de Coronatus y su tercer disco de larga duración, Fabula magna, lanzado al público el 18 de diciembre del pasado año.

Coronatus es una banda alemana, de Stuttgard específicamente, fundada en el año 2002. Sus miembros son Carmen R. Lorch y Lisa Lasch (vocalistas, soprano y "voz rockera" respectivamente), Jo Lang (guitarra), Chriz DiAnno (bajo), Mats Kurth (batería) y Fabian Merkt (teclados). Leyendo por acá y acullá me enteré que Lisa Lasch es una reciente incorporación a a banda, honestamente no lo había notado pues su voz me resulta muy similar a la de su predecesora en el gran disco de 2008 que es Porta obscura Como sea, el grupo conserva el mismo sonido de sus discos anteriores, Lux noctis (2007) y Porta obscura... cosa que ya he mencionado anteriormente, por cierto, la mala maña (o buena dependiendo de cómo se mire) de no evolucionar demasiado los sonidos.

En el caso de Fabula magna, para ser justa, no me parece tan grave; de hecho a mi juicio han incorporado elementos célticos y folklóricos en sus canciones (especialmente en Der letzte tanz, una de mis favoritas), los cuales no estaban presentes en sus placas anteriores. ¿Dónde radica el problema entonces? Pues en que Coronatus ha venido editando discos ininterrumpidamente desde el 2007, sin darle tiempo a uno como aficionado la oportunidad de asimilar y digerir el estilo del grupo, y sin darse a sí mismos el chance de innovar o experimentar demasiado; ok, incluyeron elementos nuevos, pero no como para marcar una diferencia notoria.

Salvando esta incomodidad que me genera el hecho de que en tres años tengan tres discos, Fabula magna me parece el mejor de sus álbumes, precisamente por esas ligeras innovaciones, en especial el predominio dado a nuevos instrumentos, como violines, percusiones autóctonas y guitarras clásicas. Pero a mi parecer lo mejor de Coronatus, quienes han llegado a compartir tablas con gente como Within Temptation, radica en el aspecto vocal. Me parece que Carmen R. Lorch tiene una de las mejores voces de soprano del género, con un registro amplísimo que me recuerda un poco a Tarja Turunen, pero más dramática, con un gran dominio de los tonos graves. Y lo mejor, lo mejor y a mi juicio más original, es el contrapunteo que hace con Lisa Lasch. Creo que eso fue lo que me atrapó de Coronatus al escucharlos por primera vez: normalmente las bandas de metal gótico cuentan con una vocalista femenina, entrenada o no en canto lírico, quien tiene todo el protagonismo o contrapuntea con un vocalista masculino, especializado generalmente en grunts. No sé si Coronatus sea la única banda que combina a una soprano con una rockera, pero al menos es la única que conozco, y me encanta.

Ya para cerrar, destacan como los mejores de los catorce temas que conforman Fabula magna los siguientes: Wolfstanz, tema que me recuerda a Mein herz, una de mis favoritas de Porta obscura; Flying by (alone), con un precioso comienzo de piano y lucimiento mutuo de Lisa y Carmen, además de elementos étnicos brillantes; Kristallklares Wasser, con uno de los mejores contrapunteos de todo el disco, un fraseo espléndido por parte de Carmen y una música casi que balcánica a ratos, la ya citada Der letzte tanz, y Blind, lo más parecido a una balada y cuyo solo de guitarra inicial basta para atrapar a cualquiera.

Es chévere empezar el año dando buena puntuación. 8,5/10. Si gustan, pásense por su Myspace. Para cerrar, como es costumbre, les dejo el tracklist del disco reseñado.

Tracklist:

1- Intro.
2- Geisterkirche.
3- Tantalos.
4- Wolfstanz.
5- Der Fluch.
6- Flying by (Alone).
7- Kristallklares wasser.
8- How far.
9- Der letzte tanz.
10- Est Carmen...
11- Blind.
12- Josy.
13- Scream of the butterfly (Special Acoustic Version).
14- Hot & gold (Rework 2009).

Y se nos fue el año...

2009-12-31T17:15:00.005-04:30

Olvídense de un post emotivo, sentimental, lloroso y pleno de lugares comunes. No he sido así nunca, no lo voy a ser ahora :P . Pero bueno, tampoco soy tan mala gente, y aunque no me ponga cursi sí que espero que el 2010 sea para cada uno de ustedes el peor año de su vida futura, dicho en otras palabras, por si sonó feo, que el 2010 sea el inicio de la mejor etapa de sus vidas (más cursi y me mato a patadas).

Gocen, disfruten, escuchen buena música, vayan a conciertos, hagan todo lo que les plazca. Yo por mi parte espero que el 2010 me traiga un empleo nuevo, varias carreras de 10 km, discos nuevos de Emilie Autumn y Within Temptation, una entrada para ver a Metallica en marzo, y un montón de cosas que deseo pero que no les pienso decir ;)

Y bueno, este post es un pretexto para llegar al número 40 de este año, que es bonito cerrar el 2009 con un número redondo, jajaja. No prometo no volver a desaparecer, pero sí que trataré en lo posible que eso no ocurra.

Ah, y para los venezolanos que me lean, coño, que viva Magallanes, el Caracas FC y que salga el que les conté.

Retrocríticas 2009, o de cómo recuperar el tiempo perdido. Quinta y última parte

2009-12-31T09:13:00.011-04:30

Bueno señores, se me vino encima el fin de año y este pechito no tuvo a tiempo las dos retrocríticas que le hacían falta antes de hacer su Top lo que sea del año 2009, en cual evidentemente será realizado en los primeros días de enero del 2010. Es una pena, quedará un poco anacrónico, pero tampoco es que la publicaré en marzo del año entrante, así que calma pueblo, que la lista viene. Mientras tanto, tocará ser más escueta aún que en retrocríticas pasadas y dedicarles unas pocas pero bien merecidas líneas a los últimos 7 discos escuchados durante la última mitad del 2009. Algunos discos, como los ya citados en otro post (K3 y Coronatus) merecerán reseñas aparte por haberlos escuchado hace dos semanas, cuidado si menos. Con ustedes, las reseñas:

Darzamat-Solfernus’ path

Si tuviera que escoger el país con los mejores lanzamientos musicales a lo largo del 2009 tendría que mudar mi corazón de Holanda o Finlandia, donde normalmente habita, al pleno centro de Polonia: dos bandas polacas estarán en mi Top lo que sea (Indukti y Riverside) y la que hoy nos ocupa pudiera merecer una especial mención en la dichosa lista. Con Solfernus ‘ path tenemos un gran disco de black metal sinfónico, con contrapuntos salvajes entre grunts y voces femeninas melódicas que corren a cuenta de Flauros y Nera respectivamente, y con una grandilocuencia que, por suerte, no cae en lo pomposo ni lo exagerado. 8/10 para Darzamat y Myspace.

Disarmonia Mundi-The isolation game

Esta banda de death metal melódico proveniente de Turin, Italia, me llamó la atención, he de admitirlo, por motivos extra musicales; la portada de The isolation game me parece genial. Y una vez que me adentré en la música de Disarmonia Mundi puedo decir que la música que ofrecen es tan buena como la portada, aún cuando no sea 100% lo mío (a pesar de mi debilidad metalera, tengo límites, y el death metal a veces me agobia por pesado… sí, soy una jeva). Lo más destacable de Disarmonia Mundi es la instrumentación, que por entero corre a cargo de Ettore Rigotti, un hombre orquesta en todo el sentido de la expresión y que además hace las voces “limpias” de la banda. Por su parte, los grunts son realizados por Claudio Ravinale, compositor de las canciones. Sólo siento que sobran unos toques electrónicos que aparecen de tanto en tanto. 7,5/10 y Myspace.

Eternal Tears of Sorrow-Children of the dark waters

Apenas escuchar la introducción sinfónica del primer tema de este álbum supe que era lo mío. Ok, es contradictorio que líneas arriba diga que el death metal no es lo que más me agrade en el amplio espectro del metal, pero cuando el death se combina con lo sinfónico es, para mi, una fórmula ganadora. Sí, quizás aún necesito que me suavicen el género, como quien toma whisky con mucha soda. En fin, que el Children of the dark waters me parece un señor discazo. No es que el de Disarmonia Mundi no lo sea, pero como ya dije, a mi whisky que le pongan soda xD. Gran trabajo vocal el que hacen Antti Veteläinen (bajo y grunts) y Jarmo Kilmänen (voces melódicas), y excelente el piano interpretado por Janne Tolsa. Finlandeses tenían que ser, jejeje. 8/10 y Myspace.

From Exile-Monolith

Un buen disco de metal progresivo instrumental siempre es bienvenido en el Soundtrack, y creo que desde Counter World Experience no mencionaba una banda de este tenor. Se agradece que From Exile, nativos de Atlanta, Estados Unidos, y conformados por Eric Guenther y Ben Wetzelberger, haya llenado ese vacío, y que además lo haya hecho tan bien. Monolith es un álbum compuesto por ocho temas donde destaca un tecnicismo que dista mucho de ser vacuo, y una pesadez que no resulta incompatible con la agilidad presente en cada uno de los temas. Destacan además las voces programadas en varios de sus temas. Juéguense en la lotería el número 810, porque les saldrá: 8/10 y Myspace.

Thy Catafalque-Róka Hasa Rádió

He escuchado muy poco este disco, pues no hace casi nada de tiempo que lo conseguí, pero leyendo en otros blogs vi que está considerado como uno de los mejores lanzamientos del año. Admito que debo prestarle más atención para poder hacer un juicio justo sobre Róka Hasa Rádió, pero no soy sorda, es evidente que el de los húngaros de Thy Catafalque es un álbum magistral de no sé qué género considerarlo; bueno, si nos vamos por la vía fácil (y la más lógica) de ver cómo se autodefine la banda, estaríamos hablando de death metal ambiental y experimental, o algo por el estilo. Suena rara la mezcla, pero es absolutamente cierta esa taxonomía. Sus canciones a ratos suenan al Alcest más ambiental, y en cuestión de segundos escuchamos grunts death metaleros puros y duros, pero tanto uno como otro estilo están unidos por unos experimentos musicales que rayan casi en lo avant garde. 9/10 para este señor disco. Myspace acá.

Katatonia-Night is the new day

De los últimos escuchados por esta administradora/escritora/todera del Soundtrack, tampoco puedo dar una crítica muy completa sobre Night is the new day, pero de Katatonia siempre se esperan grandes cosas, y lo mejor es que siempre cumplen. De lo mejor que ha parido Suecia es esta excelente banda de doom metal, oscura, pesada, densa, onírica, depresiva. Todos estos adjetivos son aplicables a Night is the new day, cuyo mayor “defecto” es no haber superado a la gran obra de arte que es A great cold distance, disco que para mi fue de lo mejor del año 2006. No es que este disco sea peor, porque para nada lo es, pero suena bastante similar a su predecesor, o bueno, no suena parecido, sería una falacia decir eso, pero sí que sigue por la misma tónica. No me quejo, Night is the new day es una maravilla de principio a fin. 9/10 y Myspace.

Paradise Lost-Faith divides us. Death unites us

Con uno de los mejores títulos de discos de todos los reseñados cerramos esta última entrega de las retrocríticas. Y he de decir que tras varios lanzamientos sosos y edulcorados de los padres, padrinos, padrastros y abuelos del metal gótico, Paradise Lost se han redimido y encontraron nuevamente su camino con un disco absolutamente magistral como lo es esta poesía sonora de Faith divides us. Death unites us. Este disco es auténticamente gótico, cosa que se agradece cuando la mayoría de las bandas del estilo han mudado al rock sinfónico, que no es que esté mal, pero habían dejado un vacío en este género que tanto me gusta. 10/10 y Myspace de estos británicos, quienes al parecer han encontrado de nuevo el camino de vuelta a ese paraíso gótico que habían perdido con el pasar de los años.

Bonus

Antes de cerrar con el post, quisiera si no hacer reseña, sí mencionar a un par de discos que me gustaron bastante y que a pesar de no ser bandas que yo acostumbre a escuchar con frecuencia publicaron sendos discos muy buenos y que no merecen pasar por debajo de la mesa. Estamos hablando de In the black, de Kittie, y Lullabies for the dormant mind, de The Agonist.

Ambas tienen en común contar con vocalistas femeninas que alternan lo melódico con los grunts; The Agonist es más bien death metal melódico, mientras Kittie podría catalogarse como nu metal. Como les dije, no soy demasiado afecta a estas bandas, pero en el caso de Kittie para mi gusto mejoraron mucho en comparación con lanzamientos anteriores donde Morgan Lander usaba siempre su voz melódica; con In the black recuperaron el sonido ya explorado en Orakle. A The Agonist no los conocía de nada, pero fue una buena sorpresa descubrirlos, y descubrir la excelente voz de Alissa White-Gluz, grandiosa en grunts y voces melódicas a un mismo tiempo.

Retrocríticas 2009, o de cómo recuperar el tiempo perdido. Parte 4

2009-12-26T10:19:00.008-04:30

Es genial esto de las retrocríticas. Contando este cuarto post llevo reseñados ya 16 discos. Pero no, prometo que para el 2010 trataré de no desaparecer y de hacer mis usuales (e interminablemente largos) análisis de discos. Pero de momento, vamos por los cuatro de hoy, que el año se acaba y debo aprovechar el tiempo.

(Por cierto, hay unos cuantos discos por allí que no he reseñado, por ejemplo lo nuevo de K3 y de Coronatus. Pero en vista de que los escuché hace una, máximo dos semanas, no considero que deban mencionarse en las críticas de los discos de mi desaparición sino que merecen una reseña unitaria como Dios manda. Esperen por ellas)

Diablo Swing Orchestra-Sing along songs for the damned and delirious

Si Squirrell Nut Zippers perdieran la cordura un poco más de lo que ya la extraviaron, incluyeran unas cuantas guitarras eléctricas y contrataran a una soprano lírica con un registro amplísimo y una versatilidad insuperable, tendríamos a unos segundos Diablo Swing Orchestra. Para mi este es otro de los grandes lanzamiento del año, cuyo único defecto es ser un larga duración de corta duración… menos de 50 minutos de esta maravillosa música lo que hace es que uno quede picado y queriendo escuchar más. Si ya con The butcher’s ballroom, su disco debut del 2006, había adorado a estos suecos, con Sing along songs for the damned and delirious me termino de declarar fan de ellos. Amo, de verdad deliro (adecuado verbo en este caso) por el ambiente de locura circense que transmiten en todas sus canciones… circense, otra buena palabra, me parece que gran parte de las melodías evocan al mundo del circo, o más bien una reinterpretación macabra del mismo. Pero lo macabro es tal que en canciones como Lucy fears the morning star me recordaron al comienzo a Sopor Aeternus and the Enssemble os Shadows.

El tono paródico y sarcástico del grupo está manejado de manera inteligentísima, basta nada más ver esa portada tan “bonita” para un disco que de bonito nada. ¿Canciones destacables? Todas, pero la ya citada Lucy fear the morning star es la que combina más estilos musicales en pocos minutos de duración, pues hasta con unas trompetas tropicales cuenta. Genial es también su reinterpretación de la música popular norteamericana de los años 30 y 40, cosa que ya venían explorando en The butcher’s ballroom; prueba de ello es el tema de apertura, A tap dancer’s dilemma. Debo seguir evaluando mi top “lo que sea” del 2009, pero este disco bien pudiera estar incluido en él. 10/10 para estos locatos suecos, y si quieren, échense una pasadita por su Myspace.

Wendigo-Audio Leash

Este grupo estaba destinado a gustarme nada más por su nombre; en la época en que lo escuché por primera vez había visto una película de serie B que me hizo reír muchísimo y que me parece genial en su estilo: Frostbiter. Wrath of the Wendigo. Fue enterarme que existía una banda llamada así y decidirme a darles una escucha, for the lulz quizás. Pero no, no fue lulz, sino toda una experiencia musical placentera y con potencial de headbanging. Catalogados como metal progresivo, estos húngaros decidieron darse un tiempo tras la publicación gratuita de Audio Leash en su página web, o mejor dicho, se separaron y, según ellos, en agradecimiento a sus fans decidieron editar el que consideran su mejor trabajo en estudio. No conozco sus discos anteriores pero este es genial, me parecen unos Pain of Salvation, pero mucho mejores, en serio. Adoro la voz de Zoltán Bátky-Valentin, y bueno, los demás miembros de la banda (Tamás Kozó, József Takács, Róbert Csörnyi y Attila Varjú) realizan un trabajo sólido y muy bien ensamblado. De verdad un disco excelente y muy agradable de escuchar. Temas destacados serían Heroes, Condemned (excelente y poderosa balada) y Left. 8/10 y Myspace.

Elis-Catharsis

No quisiera ser injusta con Elis y caer en el juicio común en el que se cae cuando una banda cambia de vocalista, y mucho menos dadas las circunstancias del cambio de cantante (la trágica muerte de Sabine Dünser en el año 2006), pero tampoco puedo mentir y decir que Catharsis es un gran disco de metal gótico, porque no lo es, y no considero que la culpa sea de Sandra Schleret todo lo contrario, me parece lo mejor del cd. Cuenta con una voz expresiva, emotiva y muy bella, y se la nota a gusto con el repertorio que los miembros de Elis compusieron para ella. Su intro en Core of life es realmente bueno. Díganme contradictoria si les place, pero a Elis les critico justo lo que me hubiera gustado ver en Rammstein y Epica: un cambio de sonido. Lo que pasa es que a Elis se le pasó la mano y ya no suenan para nada como ellos. Rara vez me gusta el gótico con toques electrónicos, pero Elis era uno de los pocos grupos que adoraba precisamente por ese sonido, y en Catharsis no hay nada de ello. Rainbow es una de las pocas canciones que suenan al Elis de Sabine, una balada conmovedora y delicadísima.

Un disco discreto el Catharsis de Elis. 6/10 y Myspace por estos lados.

Ram-Zet-Neutralized

Cerraremos la serie de retrocríticas de hoy con una muy breve, pues han sido pocas las escuchas que le he dado al cd de Ram-Zet, uno de los últimos que conseguí (hará cosa de menos de un mes, tres semanas quizás). Presentaciones primero. Para los que no los conozcan (yo no los conocía de nada) Ram-Zet es una banda noruega de metal progresivo y avant-garde metal cuyos orígenes se remontan a 1998. En Neutralized lo primero que asombra es la velocidad con que inicia una canción como Infamia, en la cual hay cambios de ritmo y de estilo vertiginosos y casi incompatibles, pero tan bien ensamblados que resulta magistral, la manera en que se pasa de la agresividad de los growls de Zet, líder fundador y guitarrista, al lucimiento vocal de Sfinx, contraparte femenina de Zet, quien, por cierto, me parece maravilloso y lo amo :P .

Como les dije, no es demasiado lo que puedo mencionar de Ram-Zet, porque a pesar de lo excelentes que son los he escuchado muy poco, pero las veces que lo hago me asombran cada vez más. A veces suenan incluso desagradables, como en I am dirt, una de mis favoritas por lo heterogénea que resulta, pero esa es parte de la magia que le encuentro a este grupo, que se les nota que no tienen temor alguno de innovar y componer piezas originales y vanguardistas, sin por ello dejar de ser una banda de metal progresivo de toda la vida. Sobre esto de la innovación y experimentalidad, leí por allí que gran parte de las letras del grupo están inspiradas en la esquizofrenia y otras enfermedades mentales. Ya me dirán si exageraba o no.

Lástima haberlos escuchado poco, pero ahorita que tengo puesto el disco mientras escribo estoy que no me creo lo buenos que son. 9/10 y su Myspace acá.

Antes de cerrar, como el tiempo apremia y hay tantas bandas que en serio quisiera reseñar pero no me será posible por cuestiones de tiempo, les dejaré enlaces a un par de grandes reseñas realizadas por Apocalypso Facto sobre dos de los mejores lanzamientos del año, escuchados por mi en el segundo semestre del 2009:

Animals as Leaders-Animals as Leaders.

And so I watch you from afar-And so I watch you from afar.

Retrocríticas 2009, o de cómo recuperar el tiempo perdido. Parte 3

2009-12-25T12:33:00.008-04:30

¡Buenos días por la mañana! Y bueno, supongo que por ser 25 de diciembre he de desearles una feliz Navidad. No soy muy afecta a estas fiestas pero hasta yo me impregno de deseos de buena voluntad, así sea un poquito, y quería hacerlos partícipes de mi buen humor en la mañana de Navidad. Pero como mi buen humor es directamente proporcional a mi pereza post trasnocho, entraré de lleno en materia: Otras cuatro mini reseñas retrospectivas de los discos que debí haber reseñado y no lo hice. Empezamos en 5, 4, 3, 2, 1…

Taipuva Luotisuora-IV

De haberme atenido a cuestiones estilísticas la reseña de una banda como los finlandeses (¡Oh Finlandia!) de Taipuva Luotisuora debió haber estado junto a Skeletonbreath y Panzerballet, pero bueno, culpemos a mi pobre memoria que me hizo acordarme de este grupo cuando ya había publicado el anterior post. A primera vista, y sin entrar en lo musical, resulta curioso el nombre del disco, IV, sobre todo si tenemos en cuenta que los discos que lo preceden también están bautizados con números romanos: I es su lanzamiento debut, II el siguiente álbum… y IV es el tercer disco. Excentricidades por parte de la banda supongo. Catalogados como progresivos, psicodélicos e incluso space rock (que no sé con qué se come eso), los miembros de Taipuva Luitisuora ofrecen un disco altamente experimental e ingenioso, donde a mi juicio el protagonista es el teclado de Esko Grundström. Quizás por ello lo psicodélico, por lo altamente setentoso de muchas de las piezas del álbum, rasgo más que evidente en la maravillosa pieza The army of Isopods, donde la programación juega un papel fundamental. Capricious bonfire me encanta con esa intro de guitarras, pero igual es el teclado el que marca la pauta. Un muy buen disco, muy intelectual y al mismo tiempo escuchable. 8/10 y Myspace aquica.

Por cierto, un disco que escuché más o menos en marzo o abril fue el de otros finlandeses, Alamaailman Vasarat, quienes con Huuro Kolkko crearon uno de los grandes discos del año. No los pude reseñar en ese entonces, pero les dejo un enlace al blog de Marcel para que tengan una idea de ellos. No es que se parezcan demasiado a Taipuva Luotisuora, pero bueno, los asocié por cuestiones de nacionalidad

Rodrigo y Gabriela- 11:11

Podrá sonar un poco enfermo esto, pero hay veces en las que uno debe agradecer de rodillas por vivir en una época con Internet. En mi caso agradezco a diario en lo que a música respecta, porque si no fuera por este medio no tendría acceso a tanta y tan buena música que no es conocida por medios oficiales en mi país. ¿A qué viene toda esta perorata? Pues a que no tenía conocimiento alguno sobre unos MONSTRUOS en la guitarra como lo son los mexicanos de Rodrigo y Gabriela, unos absolutos virtuosos que merecen estar en lo más alto de la popularidad como mínimo en todos los países de habla hispana. Podrá sonar superlativo, pero siento que me quedo corta, en serio. Gabriela Quintero y Rodrigo Sánchez son un par de guitarristas clásicos quienes se conocieron mientras cursaban estudios en la Casa de la Cultura de Ciudad de México. Destacan por su virtuosismo y rapidez, y por saber crear un sentido de percusión absolutamente bárbaro. Con 11:11 tenemos un disco absolutamente soberbio y ecléctico, lleno de influencias (por ellos mismos confesadas) de grandes genios del jazz y la guitarra de todos los tiempos, como lo son Al di Meola, Paco de Lucía, Michel Camillo, Carlos Santana, Jimi hendrix, DImebag Darrell (sí, el mismo que viste y calza, en el tema Atman) e inclusive uno de los grandes del tango, don Astor Piazzola. ¿Temas favoritos? Absolutamente todos, es un disco redondo, aunque Chac Mool, Savitri, Master Maqui, Hanuman y Hora zero son obras maestras, en serio. De una lo digo, este disco estará incluido en mi conteo de final de año. 10/10 para los mexicas y un pase VIP a su Mypace.

Rammstein-Liebe ist für alle da

Rammstein… ¿qué puede decirse de ellos a estas alturas de la vida? Creo que es más fácil empezar diciendo que dentro de mi conteo de bandas favoritas de todos los tiempos están estos locuaces jovenzuelos teutones. Mi relación con el rock industrial sin ser mala no es óptima, o pudiera ser mejor; conozco pocas bandas del género y no las escucho con demasiada frecuencia, aun cuando me encantan. Sin embargo Rammstein ha logrado romper esa desidia injusta que siento por el industrial y es una de mis bandas imprescindibles y omnipresentes, antes más que ahora, siendo sincera. Parte de lo que ha hecho que a pesar de considerarme una gran seguidora del grupo no los siga con el mismo furor que antes es que de un tiempo para acá es poco lo que han innovado en su sonido. Más o menos desde Reise Reise están sonando igual, cosa que en su caso no es una tara demasiado grave, pues es un sonido que en lo personal me fascina. Lo que lamento de ello es que pareciera que Rammstein consiguió la fórmula para el éxito, con la cual mantuvieron a sus viejos fans y ganaron a otros nuevos, pero allí se quedaron, conformes. Es una pena, porque de unos monstruos como ellos se pueden esperar grandísimas cosas (y no es que las actuales no lo sean).

Todo lo dicho se relaciona directamente con mi juicio sobre Liebe ist für alle da, un excelente disco, genial… al igual que Reise Reise y su antecesor Rösenrot. No noto evolución alguna en esos discos, ni nada que los diferencie demasiado, cosa que sí pasaba al comienzo de su carrera (No es lo mismo escuchar Herzeleid que Sehnsucht o Mutter). Pero, como me gustan tanto los discos arriba citados, no es algo que me quite el sueño, la verdad. El sencillo promocional, Pussy, me parece un tema que sin ser la gran cosa (quizás en alemán hubiera sonado mejor) tiene ese toque tan típico de Rammstein que es un win absoluto, y si a su calidad intrínseca se le suma el factor escándalo, cosa que el grupo sabe manejar de una forma inteligentísima para su propio provecho, tenemos un tema que seguro se convertirá en un clásico (el polémico video de Pussy por acá). En lo personal disfruto mucho de temas como Rammleid, Waidmanns hell, B******** o Liebe ist fur alle da. Un 7,5 para los amigos de Rammstein, y pido a los cielos que me den la oportunidad de llegar a verlos en concierto. Myspace del grupo a la vuelta.

Epica-Design your universe

Con este disco seré breve, porque muchos de los juicios al respecto se parecen bastante a lo que dije de Rammstein. Con Design your universe tenemos otro disco más de Epica que suena igualito, pero la diferencia es que Epica suena igual desde su primer álbum. Muy bien, porque no es una mala banda, pero ante la proliferación de grupos góticos liderados por una cantante de voz operística que contrapuntea con un vocalista encargado de hacer grunts, Epica se me hacen cansinos y del montón, y eso que la voz de Simone Simons es increíblemente hermosa y Mark Jansen sea uno de mis vocalistas favoritos en su estilo (de hecho, para mi hay un antes y un después en la historia de After Forever, marcado por la salida de él del grupo). Creo que lo que me cansa de Epica entre otras cosas es esa manía de Mark de crear obras conceptuales que hay que seguir a lo largo de la discografía del grupo: primero fue con la saga de The embrace that smothers, cuyo inicio se encuentra en Prison of desire, álbum debut de After Forever y que puede rastrearse incluso en discos de Epica; ahora se trata de A new age dawns, de la cual Resign to surrender (A new age dawns-Part IV) es una de las mejores canciones de Design your universe.

Es injusto decir que es un mal disco, pero tengo un grave problema con Epica, y es que nunca logré sentirme atrapada por ellos. Simone es una de las mejores cantantes del género (aunque no me gusta mucho como suena en concierto, o al menos me decepcionó con The classical conspiracy) y la concepción musical de Mark Jansen es de lo más lúcido que conozco, pero a veces son tan pomposos y artificiosos que se me caen. Sus coros y orquestaciones son sublimes, pero me pregunto cómo será ver un concierto de ellos en donde evidentemente no contarían con un coro o una orquesta. Para ver un enlatado mejor me quedo en mi casa escuchando el cd, digo yo. 6 para Epica y acá el Myspace.

Retrocríticas 2009, o de cómo recuperar el tiempo perdido. Parte 2

2009-12-21T11:25:00.004-04:30

Sorprendentemente con solo un par de días de separación publico nuevamente en el blog, para continuar con la tanda de retrocrítcas del segundo semestre del 2009. Me estoy dando cuenta de lo útil de esto en vías de crear un post de fin de año donde esté incluido mi top 10, 15 o el número que decida. Sin más preámbulo, que para eso tuve bastante tiempo en la entrada anterior, con ustedes un nuevo lote de reseñas de lo escuchado durante estos meses de ausencia.

Mika-The boy who knew too much

Como había pasado vergüenza con mi post sobre mi scrobbling 45 mil en Lastfm, da igual que se enteren que el segundo disco del cantante inglés Mika fue uno de mis favoritos (y lo sigue siendo) en mis meses de desconexión. Precedido por un disco en concierto (Live aux Parc des Princes) y un EP (Songs of sorrow), Mika nos presenta en The boy who knew too much temas muy alegres, simpáticos y dinámicos. Yo no sé bailar, pero con este disco me provoca hacerlo, en serio. No sólo de metal vive el hombre, y no por ser pop tiene que ser sinónimo de caca. El pop de Mika es muy inteligente, original, novedoso y, por sobre todas las cosas, muy fresco. Nada de baladitas estúpidas o ritmitos pegajosos de discoteca. Incluso tiene muy buenas letras, otras muy tontas, es verdad, pero como dije antes, muy relajante y fresco para pasar un buen rato (si eres mujer, dudo mucho que a un macho vernáculo de pelo en pecho le agrade Mika, y si lo hace no creo que lo admita en público :P ).

Mis canciones favoritas son Toy Boy, Blue eyes (ambas contenidas en el EP), Rain (extremadamente “de ambiente” pero muy buena a nivel vocal) y We are golden, extrañamente parecida, demasiado parecida, a Heaven is a place on earth, de Belinda Carlysle. Lástima que en el disco no se incluyeran canciones como Lonely alcoholic y Lady Jane, de las mejores del EP Song of Sorrow. Un 9/10 para Mika, y su Myspace por acá.

Isis-Wavering radiant

No recuerdo cómo llegué a este disco, pero como la sinceridad define a este blog he de admitir que antes nunca había escuchado a esta banda. Los conocía de nombre pero nunca me senté a escucharlos, y agradezco que mi debut con Isis haya sido con Wavering Radiant, pues por lo que llegué a leer cuando salió y lo que me comentaron algunas personas, se trata del mejor disco en la carrera de estos señores de Los Angeles, California. Admito que no he escuchado más nada de Isis, en parte por desconocimiento de su discografía, así que si alguno de ustedes, lectores, es fanático de Isis y me recomienda algún otro álbum de ellos se los agradeceré en el alma.

Entrando en el tema, Wavering Radiant es un oscurísimo y denso disco de siete canciones, de las cuales la más corta (Wavering Radiant) dura 1:48 minutos y la más larga (Hand of the host) 10:43 minutos. Cada pieza es una pequeña obra de arte que ofrece al oyente matices y detalles nuevos cada vez que se emprende una nueva escucha… de hecho, acabo de poner el cd mientras escribo y noto que son “canciones distintas” a las que escuché por vez primera meses atrás. Lo melódico se conjuga de manera perfecta con lo denso y pesado de las voces. No sé si sea un rasgo distintivo del estilo de Isis (sepan perdonar mi ignorancia) pero es algo que me parece alucinante. Uno de mis temas favoritos es el ya mencionado Hand of the host, pero no se quedan atrás otros como Hall of the dead, 20 minutes/40 years o Ghost key. 9/10 y Myspace.

Panzerballet-Hart genossen von Abba bis Zappa

El avant garde y la fusión es algo que al parecer se les da muy bien a los alemanes, pero eso de reunir, no digo ya en un mismo disco sino en el propio título que lo bautiza, a Frank Zappa y a Abba es indicativo de que lo que escucharemos será algo tan híbrido y ecléctico que debe ser escuchado con una sonrisa de admiración. Ya lo dijeron los propios Panzerballet, nativos de Münich, hablando de sí mismos, que eran "faster than Metallica, more powerful than Motörhead, and funnier than Rammstein". Pues bien Hart genossen von Abba bis Zappa es, sin temor a exagerar, uno de los discos más originales que he escuchado en mi vida, cosa irónica cuando una buena parte del disco son covers. Pero ¡vaya covers! Versiones del tema principal de Los Simpson, Mein teil de Rammstein y Gimme, gimme, gimme de Abba, presentadas de una manera tan innovadora que se sienten casi como nuevas canciones, en especial en el caso de Abba. De verdad, si estos señores lograron hacer que una canción de los sosos cansinos de Abba sonara bien, y no bien, genial, es porque son unos músicos magistrales. Por su parte Mein teil, interpretada por una cantante femenina es casi irreconocible hasta llegar al estribillo. Es una suerte de jazz con bossa nova, sublime.

En cuanto a los temas originales mis favoritos son The mediterranean breeze y las dos piezas homenaje a Zappa: Zappa medley from Hell, partes 1 y 2. Son dignos merecedores de un 10/10 en el sundtrack. Su Myspace al fondo y a la derecha (Por cierto, leyendo el Myspace casi muero de risa con sus supuestas influencias: “Celine Dion, Slipknot, David Hasselhoff, Slayer, Wham!, Pantera”)

Skeletonbreath- Eagle’s nest, Devil’s cave

Con estos neoyorquinos de Brooklyn cerraremos la segunda entrega de los resúmenes de discos no reseñados durante el segundo semestre de 2009. Podrán darse cuenta de que tuve mi momento experimental de jazz fusión en ese tiempo, pues casi paralelamente escuché a Panzerballet, Skeletonbreath y miRthkon (a estos últimos fue a los primeros que escuché, creo que incluso antes de mi desaparición. Por tal motivo no los reseñaré, pero les dejaré un excelente post que les dedicó el colega Marcel). En lo que respecta a Skeletonbreath son tan locatos como los de Panzerballet; se autodefinen como "Transylvanian Surf Rock" y "Halloween party music”. Lo que más me gusta de Skeletonbreath es precisamente lo transilvanos que son; tienen unos elementos que suenan a música propia de la Europa oriental, creo que los violines son los que le dan ese toque exótico a la banda, quien además hace galas de virtuosismo técnico al presentar temas con ritmos trabados a más no poder.

Dylan Fisher es una canción increíble, al igual que Dick Tracy, la que abre el disco. Taxidermist convention es toda una locura de principio a fin, y Llarimo es una muestra absoluta del virtuosismo de Robert Pyncior en los violines. Un maestro con todas las letras. Es más que obvio que se merecen un 10 ¿no creen? Myspace de la banda por estos lares.

Retrocríticas 2009, o de cómo recuperar el tiempo perdido. Parte 1

2009-12-19T08:45:00.007-04:30

Estimados, estimadísimos señoras y señoritas lectores de este blog (si es que me quedan lectores tras tantos meses de ausencia), aunque no lo crean, aunque les parezca un sueño, alucinación o fantasía, sí, he vuelto, aunque en realidad nunca me he ido 100% ¿Por qué digo esto? Porque este blog es una completa tortura. Me explico: por causa de mi nuevo empleo mi tiempo creativo se ha visto reducido de forma dramática, mis fines de semana se han convertido en fines de trabajo y bueno, en circunstancias tales admito que no puedo dedicarme al ocio tanto como quisiera (aunque lo hago, no con la misma perfección y el mismo dolce far niente de otrora, pero lo intentamos). ¿Por qué hablo del blog como tortura? Pues porque en medio de mi abandono siempre pensaba de manera cursi si aún me leerían, si este fin de semana me debería sentar a postear, cómo haré para reseñar tantos discos que he escuchado en tantos meses, etc, etc, etc.

En fin, tendré aproximadamente unas 3 semanas libres, las cuales pienso aprovechar a tope en las internetes, blogcito incluido. Pero en vista de que sólo 2 semanas le quedan al año para ponerme al día con todo lo que debí haber reseñado en su momento, haré una suerte de “muchos en 1”; la siguiente reseña será un listado-resumen de algunos de los lanzamientos que más me han impactado, positiva o negativamente en el último semestre de este 2009 que se nos va. Los discos que mencionaré no están en orden de lanzamiento sino en el orden en que mi pobre memoria los recuerda. Por razones de comodidad (y para permitirme investigar un poco) publicaré una serie de post continuados que incluirán varios de los discos del 2009 que me han gustado más. Así que el presente será la primera edición de mis post retrospectivos.

Kalisia-Cybion

Me da dolor tener que dedicarle una mini reseña al que me parece uno de los mejores discos del 2009, y una joya del metal progresivo, al cual llegué gracias a Johann Sebastian, lector del soundtrack. Cybion es una extensa obra conceptual con la que los franceses de Kalisia exploran todos los registros posibles del metal progresivo y el death melódico. Es un disco épico, grandilocuente, perfectamente bien ejecutado, cuyo único “defecto” es estar tan bien ensambladas las canciones como parte de un todo que es difícil recordar temas específicos sino que por el contrario se piensa siempre en una unidad de más de una hora. Virtuosismo instrumental, agresividad vocal por parte de Bret Caldas-Lima, y delicadeza por parte de las voz de Elodie Buchounnet, un disco absolutamente magistral. Especial mención para los covers incluidos en la edición especial de Cybion: How could I, de Cynic; A fortune in lies, de Dream Theater (brutal les quedó); I am the black wizards, de Emperor (hasta mejor que el cover de Dream Theater) y This dazzling abbys, de Loudblast. Un 10 de 10 para estos franceses, y un enlace a su Myspace acá.

Megadeth-Endgame

Uno de los discos más esperados por mi este año, y sin llegar a ser una decepción, porque no lo fue, esperaba algo muchísimo mejor tras la maravilla que fue el United Abominations del 2007. Digamos que con Endgame me siento víctima de una estafa… sí, sí, como lo oyen. Es que Headcrusher es una canción tan thrashera, veloz y patea culos que pensé que el disco sería por completo así, por el contrario tiene hasta temas lentos como The Hardest Part of Letting Go... Sealed With a Kiss, que sin ser malo no me parece que sea lo mejor de Megadeth. Si algo me gusta de Mustaine y compañía (una de mis bandas favoritas de todos los tiempos, desde aquel lejano 1992 cuando le robaba a mi hermano su cd de Countdown to extintion porque adoraba la portada) es la agresividad de sus letras y riff, una simbiosis casi perfecta entre música y contenido, y como Mustaine siempre parece estar amargado y de mal humor, pues su música siempre me transmite ganas de entrarme a patadas contra la humanidad xD Endgame sigue transmitiendo esa “mala vibra”, con sus letras políticas y los berridos destemplados del amigo David, pero me parece un poco flojo en comparación con United Abominations. Ojo, me parece que Endgame es un señor discazo, thrashero y agresivo, pero pudo haberlo sido más. Sus mejores temas, además de Headcrusher, serían 1.320, 44 minutes y Bite the hand. Un 7,5 para Megadeth y su Myspace, si placen, por aquí.

Agua de Annique-In your room

Para mi Anneke van Giersbergen es perfecta, punto. He leído críticas muy negativas sobre este álbum, que es popero, que es comercial, que es “alegre” (como que si ser alegre, triste, melancólico, entusiasta o equis emoción fuera una característica positiva o negativa para juzgar un disco), que es simple y llanamente malo. Pues no señores, ni es malo ni me parece que el hecho de ser alegre signifique un demérito. Que Air es un disco mucho más introspectivo y melancólico es verdad, y que In your room transmita simpatía y ganas de saltar mientras se escucha también es cierto, pero ¿por qué rayos Agua de Annique tendría que sonar siempre igual? Si así fuera les aseguro que perderían todo interés para mí. Temas destacables son Hey Okay!, Phisycal, Adore (el que la gente ama más por sonar más parecido a Air), y bueno, todos prácticamente son estupendos. Para variar un 10 de 10 para Agua de Annique. Myspace de la banda por acá, gracias.

Brave-Lost in retrospect

Un disco de lo más normal dentro del género, sin piezas particularmente especiales, pero que lo engancha a uno gracias a la sorprendente belleza de la voz de Michelle Loose. Lost in retrospect es un disco que llegó a mi de casualidad, y que si bien no es una obra maestra, ha sobrevivido en mi disco duro desde que lo descargué hace ya más de 4 meses, así que malo no debe ser. Para los que no conocen a la banda (admito que para mi eran unos totales desconocidos), Brave es un grupo de rock progresivo sinfónico con orígenes en el año 1997, y que cuenta con la presencia de una cantante como Michelle Loose, quien a mi juicio marca la diferencia en el grupo y hace que de ser normales pasen a ser realmente buenos. Something to this me parece un tema espectacular (o más bien, uno en el que Michelle suena espectacular), Hold on es bastante dinámico, con unos cambios de ritmo interesantes, y donde en algunos momentos Michelle recuerda a Tori Amos, y en fin, son temas muy similares entre sí. Un 6,5 y un pase de acceso a su Myspace.

Con esta mini reseña damos por terminada la primera entrega de nuestra serie de post-resúmenes del 2009, que no sé de cuántas partes estará conformada pero que espero no dejar abandonada. ¡Salud!

¡Mi scrobbling 45 mil en Last.fm!

2009-09-05T12:45:00.010-04:30

Sé que he tenido abandonado el blog, razón por la cual aprovecho esta entrada para excusarme por mi ausencia: cuestiones de trabajo me han tenido con la musa adormecida, y eso que tengo varios discos pendientes por reseñar (al menos 3). Y bueno, ando en una suerte de down creativo que espero que se me pase apenas me desocupe de las cosas pendientes que tengo.

Y bueno, como sigo full y mi inspiración sigue en estado vegetal, este post no presenta nada de ingenio, sino que busca enseñarles a los lectores del blog cuan enferma puedo llegar a ser: En poco más de un año he alcanzado 45 mil canciones escuchadas, cuyo registro en scrobblings está en mi perfil de Last.fm.

Digo que soy una enferma porque conozco en Last.fm gente que está registrada desde el 2005 y que tienen 50 mil scrobblings, o incluso personas que tienen muchas menos escuchas que yo. Esto es una muestra de que en serio la música para mi es indispensable, que sólo dejo de oírla cuando me alejo del cuarto para ir al baño, y que mis gustos musicales son de lo más variopinto que puede haber: si pensaron que mi scrobbling 45 mil sería alguna obra maestra del metal progresivo, o una joya del metal gótico, o quizás alguna pieza de doom metal o inclusive algo de ópera o música clásica, pues no, lamento decirles que no:

Señoras y señores, sí, es cierto: Escucho Mika, amo a Mika, deliro por Mika, es uno de mis mayores guilty pleasures musicales. Si hasta ahora usted me tenía respeto y siente que no puede seguir leyéndome, hágalo. xD De verdad, no me explico cómo después de Iced Earth y Metallica suena el cover de Just can't get enough de Depeche Mode hecho por Mika y me parace una cosa de lo más natural. :P

Para que me terminen de odiar, o para completar lo lulz del post, he acá el video de Mika versionando Just can't get enough en su concierto en Parc des Princes, Paris, editado en un DVD del año 2008 (no conseguí el video del DVD en Youtube).

Para no perder la costumbre, Myspace de Mika.

45 mil scrobblings B-) Ya me veré cuando llegue a los 100 mil.

Deidades nórdicas-Leaves' Eyes-Njord (2009)

2009-08-22T08:20:00.006-04:30

La reseña que hoy nos ocupa seguramente sea más breve de lo normal (conociéndome, es una falacia xD ), en vista de que hace muy poco tiempo ya tuve oportunidad de explicarles mis apreciaciones acerca de Leaves' Eyes y doña Liv Kristine, y fueron testigos de mi heterolesbianismo musical con esta señora. Además, muchas de las canciones que conforman el EP My Destiny están incluidas en Njord, así que sería redundante hablar de ellas de nuevo.

Njord, tercer álbum en estudio de Leaves' Eyes ha superado mis expectativas con creces. Tras un flojito Vinland Saga han logrado editar un disco que es igual de bueno, casi mejor, que su debut con Lovelorn. De hecho, creo que la Kristine explora un registro vocal elevadísimo que no utiliza en ningún tema de su disco del 2004. Los tonos que alcanza en el puto temazo que es Njord son magistrales. De verdad nunca me cansaré de decir que admiro el dominio vocal de Liv Kristine, creo que nunca la escucharé dando un gallo. :P De por sí Njord es con diferencia una de mis canciones no ya del álbum sino de toda la discografía del grupo. La combinación de los coros, los grunts de Alexander Krull y la voz de Liv, junto a una melodía muy dinámica y plena de elementos étnicos hacen de esta canción una absoluta maravilla... y la voz, la voz de la Kristine, esas notas altas que parecen imposibles. Yo me hice pipí encima al escuchar Njord por primera vez.

Sería latoso explicar tema por tema qué me gusta de cada uno de ellos, pero no puedo dejar de mencionar a una preciosidad como lo es Emerald island, otra de mis canciones favoritas del disco. Acá me sorprenden no ya las notas altas sino los tonos graves que utiliza Liv al comienzo, no recuerdo habérselos oído antes, pero le quedan de lujo. Through our veins es otro tema que me encanta. Tiene punch comercial y calidad musical a un mismo tiempo, me sorprendería que no la escogieran como single, pues es una canción que seguro disfrutarían desde fanáticos duros del metal gótico hasta neófitos "emtiviseros". Muy bonita canción.

Con Irish rain nos topamos con el primer tema lento del disco, y acá es donde la magia se "acaba". No me malentiendan, que esta canción, como otras canciones lentas del disco, es buenísima (de hecho, tiene unos elementos tradicionales nórdicos que son sublimes), pero a partir de ella la intensidad (que no la calidad) decae, en el sentido de que contamos con temas rápidos y dinámicos en la primera mitad del disco, y con canciones suaves y lentas hacia el final, así que el efecto apoteósico que genera que el álbum abra con una canción como Njord se va perdiendo de manera paulatina. Quizás con un tracklist distribuido de otra manera el disco se notaría menos desbalanceado. Como dije, todos los temas son de altísima calidad, no puedo quejarme de ninguno de ellos de manera individual, mi "problema" (que no es tal) es con el conjunto... eso sí, Ragnarok está por la onda de Njord, vaya tema para dinámico, amé a Krull en él (decir que amo a Liv es redundante). La tríada final Morgenland, The holy bond y Froya's theme es estupenda (en la última noto ciertas reminiscencias musicales con Into your eyes.

A Njord, Dios de la tierra fértil y de la costa marina (si no me mienten las internetes) nos encomendamos para darle un 8/10 a Leaves' Eyes.

Para cerrar, algo extra musical. Las fotos promocionales de Njord me parecen geniales, pero hay una en particular que me perturbó un poquito. Es bellísima, pero muy parecida a una foto promocional de Within Temptation, de la época de Mother Earth. Casualidades del mundo de la música supongo. ;)

Myspace de Leaves' Eyes.

Tracklist

1. Njord.
2. My destiny.
3. Emerald island.
4. Take the devil in me.
5. Scarborough fair.
6. Through our veins.
7. Irish rain.
8. Northbound.
9. Ragnarok.
10. Morgenland.
11. The holy bond.
12. Froya's theme.

Mi debut "post": Amesoeurs-Amesoeurs (2009)

2009-08-16T13:03:00.008-04:30

Yo no estoy muy habituada a los movimientos o géneros "post". Lo post-rock, post-punk, post death o lo que sea, conceptualmente hablando no me resulta del todo claro, quizás porque es poco lo que he escuchado. Sin embargo, siempre he defendido la teoría de que si la música es buena da igual la etiqueta con que se la pretenda describir, y habría de darle mayor importancia al placer que pueda obtenerse en el momento de sentarse y escuchar equis disco de equis artista. Toda esta cháchara es para justificarme o excusarme en caso de decir una brutalidad o de no ser extremadamente rigurosa con el disco debut de la banda francesa Amesoeurs, a quienes conocí gracias a un mensaje en mi pizarra de Lastfm y que están catalogados como black metal, post-punk y shoegaze... debo, debo investigar sobre ello, que me quedé en Babia.

Amesoeurs es un grupo creado en el año 2004 cuyos integrantes son Audrey Sylvain (voces y piano), Fursy Teyssiers (guitarra y bajo), Winterhalter (batería) y Neige (voces, guitarra y bajo), quien pudiera ser conocido por los entendidos en post rock por ser un ex miembro de la banda Alcest, también del país galo.

Confieso que tampoco conocía a Alcest, razón por la cual me bajé junto a Amesoeurs, disco homónimo, Souvenirs d'un autre monde, lanzamiento de Alcest del 2007. Tras escuchar ambos discos pude sentir que si bien en Amesouers hay una herencia clara del sonido de Alcest, el tono general de los primeros es mucho más duro, oscuro y melancólico que la delicadeza y dulzura de los segundos.

Como anuncié al empezar la reseña, no puedo ser "rigurosa" (en realidad nunca lo soy) con una banda que cultiva un género que no conozco; sin embargo, sí que puedo asegurar sin temor a equivocarme que nos encontramos con un gran disco, cargado de una atmósfera tranquila a pesar de la densidad de la música, tranquilidad brindada por la dulce voz de Audrey, quien en temas como Faux semblant engancha al oyente y lo hace sumergirse en una música cuyo ritmo y agilidad va in crescendo hasta la calma de los últimos segundos.

Una de las piezas que más disfruté de Amesoeurs es Heurt, a la que considero un absoluto temazo, ágil y pleno de cambios de ritmo, con una participación acertadísima de Audrey. Otra gran canción es Recueillement, con Neige en las voces, brindándole fuerza, y agresividad al tema a pesar de su tono melancólico. Más agresivo resulta el séptimo corte del disco, el más pesado del disco y con un nombre dificilísimo (I XIII V XIX XV V XXI XVIII XIX - IX XIX - IV V I IV), en el cual Neige recurre a un registro black metal puro y duro, con una programación más que interesante que hasta industrial me resulta a ratos. Resulta genial la elección de una canción como Video girl tras ésta, pues es todo lo contrario, una canción más afín quizás con Alcest, muy alegre, con un sonido relajante a más no poder. La canción que da nombre al disco es espléndida también, con una Audrey más dinámica que en anteriores temas compartiendo escena con Neige, maravillosos ambos.

Amesoeurs (y junto a ellos Alcest) ha sido un descubrimiento muy agradable en los últimos días en los que me he dedicado a renovar mi musiteca personal. 7,5/10 para esta naciente banda.

Myspace de Amesoeurs.

Tracklist

1. Gas in Veins.
2. Les Ruches Malades.
3. Heurt.
4. Recueillement.
5. Faux Semblants.
6. Trouble (Éveils Infâmes).
7. I XIII V XIX XV V XXI XVIII XIX – IX XIX – IV V I IV.
8. Video Girl.
9. La Reine Trayeuse.
10. Amesoeurs.
11. Au Crépuscule de Nos Rêves.

Sin escape: Vic Anselmo-Trapped on a dream (2009)

2009-08-12T18:00:00.007-04:30

Si al sol de hoy me preguntan si me gusta Vic Anselmo mi respuesta sería "No sé". Ahora dirán ¿Si no te gusta una artista o no estás segura de que te guste por qué la reseñas? La respuesta les puede sonar absurda, pero a mi me parece de lo más lógica: no sé si me gusta porque cuando la escuché la primera vez me pareció tan detestable que no quise ni hacerme con su música, y tras armarme de valor y librarme de prejuicios me bajé su Trapped in a dream, lanzamiento del 2009, y para mi sorpresa ni me sangraron los oídos ni se me reventó un aneurisma, es más, hasta hay canciones que me parecen una belleza y cada día me agrada un poquito más. Pero ¿gustarme Vic Anselmo? Aún no lo sé, de verdad. Pero va en vías de que así sea.

Ahora las presentaciones, por si para ustedes la Anselmo es tan desconocida como lo era para mi. Se trata de una cantante y compositora nacida en Riga, Letonia, en 1985 cuyo "apellido" artístico fue idea de un amigo, quien la rebautizó así por su afición/adicción a Pantera. Esta señorita hecha la tonta a pesar de contar en su haber con un sólo disco en estudio, Trapped in a dream ya ha compartido escena con grandes como Danny Cavanagh de Anathema (supongo que como telonera).

Ya en materia, Trapped in a dream es un disco de 10 canciones que tienen en común una atmósfera melancólica y una música bastante original, sin caer en los lugares comunes de la mayoría de las female fronted band góticas. No es la suya una voz operística acompañada por un cantante masculino encargado de hacer grunts, ni hay tendencia a lo sinfónico. Por el contrario, explora (y explota) sonidos electrónicos, detalle quizás que no sea demasiado de mi agrado, pero que no por ello hace que la calidad del álbum desluzca. En cuanto a la voz de Vic, confieso que algo que me hizo resistirme a escucharla es que se me hacía parecida a la de Amy Lee, vocalista de Evanescence. Tras escuchar el disco me di cuenta de que mi apreciación era parcialmente errada: me sigue pareciendo que en las notas graves se asemeja a la norteamericana, pero ya quisieta la Lee tener el control vocal de Vic y poder dar las notas altas con tanta delicadeza y control como Vic, es más, ya quisiera Amy Lee poder dar verdaderas notas altas, cosa que a la Anselmo se le da a las mil maravillas. Ejemplo de ello es el tema que abre el cd, Who?, en el cual Vic Anselmo mantiene un tono altísimo durante los poco más de 3 minutos de duración.

Uno de mis temas favoritos es Put your spell on me, quizás por la fuerza de las guitarras y por presentar menos elementos electrónicos que en el resto del disco. Before I could breathe es muy buena también, es más agresiva que otras canciones y tiene una interesante presencia de la batería, pero Vic, salvo en el estribillo y en las notas altas del final, suena quizás un poco plana.

Mención especial para mi son las canciones I cried (Tribute to Dimebag Darrell) y Deadman walks. La primera es una preciosa, delicada, conmovedora y melancólica balada en la que Vic Anselmo acompañada solamente por un piano rinde homenaje al gran guitarrista de Pantera... eso sí, rendir homenaje a Dimebag con una balada me resulta raro, muy raro. :P Pero la voz de Vic es absolutamente hermosa en ella, es imposible no amarla. En cuanto a Deadman walks adoro su fuerza y crudeza. Es quizás el tema más crudo y a la vez experimental, y alejado de lo electrónico, en el cual Vic hace gala de registros graves, medios y agudos con un dominio pleno. Creo que es mi canción favorita de Trapped in a dream.

Darle una puntuación a este cd es injusto. Para mi es un 7/10 (siendo objetiva y entendiendo que porque no me guste lo electrónico no significa que la música sea mala), pero como hace unos meses no podía ni imaginarme escuchando a Vic Anselmo, hace unos días me parecía normalita y hoy me está gustando un poco más, capaz y en unas semanas este disco me parezca una joya, no pude escapar del sueño de Vic. Como sea, actualmente estoy disfrutando bastante de Trapped on a dream, ya eso debería bastarme. =)

Y como es costumbre, Myspace de Vic Anselmo.

Tracklist

1. Who?
2. Beverly.
3. The flight.
4. World from here.
5. Put your spell on me.
6. Underwater.
7. Before I could breathe.
8. I cried (Tribute to Dimebag Darrell).
9. Deadman walks
10. Bus stop.

Precisa fusión: Counter World Experience-Metronomicon (2009)

2009-08-11T23:36:00.009-04:30

Tras aburrirme horrores con la música en mi pc (no porque me haya dejado de gustar sino porque necesitaba una renovación absoluta), me he dedicado desde el viernes a adquirir de una forma u otra mucha musiquita nueva: algunos muy muy buenos, otros normalitos, otros realmente aburridos, y muchos dignos de al menos una pequeña reseña. Uno de estos últimos son los alemanes de Counter World Experience, metal progresivo instrumental, con toques de fusión y una buena dosis de experimentalismo... ¡lo que no me gusta pues! :-P

Tuve que ilustrarme para esta reseña, porque no conocía de nada a esta banda. Se trata de un trío alemán fundado en Hannover en el año 2002, cuyos miembros son Benjamin Schwenen (guitarra, sintetizadores y programación), H.D. Lorenz (bajo y bajo guitarra) y Thorsten Harnitz (batería y percusión). En su haber cuentan ya con cuatro discos (¡Prolíficos los muchachos!): Always Home, Fraktal (2004), Leaving Lotus (2007) y Metronomicon (2009). Debo ver cómo conseguir sus discos viejos, porque lo que soy yo adoro Metronomicon.

De toda la vida me ha gustado mucho el jazz, siendo uno de sus motivos lo permeable que es y lo bien que se presta a las fusiones con otros géneros. Por otro lado el rock o el metal progresivo me gustan precisamente porque, más allá del virtuosismo de los intérpretes, tiene una tendencia más que evidente a expandir su espectro y extenderse y abarcar otros géneros. Si en un mismo disco o un mismo artista puedo conseguir jazz y progresivo, es un ganador absoluto.

Y es que en Metronomicon la fusión es tal que en temas como Fuego Barbárico encontramos una interpretación bárbara de ritmos latinos tropicales, con timbales incluidos. Esto es Santana progresivo y alemán, en serio, una cosa de otro mundo.... bueno, teniendo en cuenta que son europeos y todo eso. :P Altamente jazzistico y experimental es un tema como Quintus, de mis favoritos.

Deep waters es un interesante y denso tema, donde el predominio lo tienen los teclados de Benjamin Schwenen, y en cuyos minutos finales adquiere un ritmo ágil gracias a la magistral interpretación del propio Schwenen de la guitarra. Y si tuviera que escoger una canción como la más jazzística de Metronomicon, quizás se trate de Digital Dust. No soy para nada buena con los detalles técnicos musicales, pero estoy segura que alguien con conocimientos en este tema puede explicar lo que es más que evidente en esta pieza: cambios de ritmo como decimos en Venezuela para expresar abundancia, "a tres por locha y uno de ñapa". Es jazz moderno puro y duro, y altamente experimental. Por otra parte, hablando de experimentalismos, Youth con sus toques electrónicos le gana en este terreno a Digital Dust.

Pudiera extenderme, lo sé, pero es tarde, babeo el teclado de sueño y no quisiera serles cansona. Cerraré la reseña recomendándoles con los ojos cerrados este disco. Si disfrutan del buen progresivo y el jazz, van a adorar a Counter World Experience, quienes se han ganado un 8,5/10 en mi musiteca.

Myspace de Counter World Experience.

Tracklist

1- Deus es Machina.
2- Metronomicon.
3- Fuego Barbárico.
4- Metris.
5- Quintus.
6- Deep Waters.
7- Digital Dust.
8- Youth.
9- End of the Path.

Los destinos de Liv: Leaves' Eyes- My Destiny (EP)

2009-08-05T07:39:00.005-04:30

Así sin ambages, anestesia ni disimulos, lo diré de una sola vez: Ni Sharon den Adel, ni Tarja Turunen, ni Floor Jansen, ni Vibeke Stene, ni Simone Simons ni nadie, la más grande diva gótica, o mejor dicho, LA diva gótica por excelencia, es y será la señora Liv Kristine Espenae Krull. Punto (bueno, en lo que a metal se refiere, porque si a ver vamos la más grande sería Siouxsie Sioux). Puede que mi favorita absoluta sea Sharon, que las de mayores registros sean Floor o Vibeke, que la más bella Simone, y la más exquisita y elegante Tarja, pero la madre de todas ellas es Liv Kristine, cuando por allá por 1993 se embarcó en un proyecto musical del cual beberían la mayoría de las bandas de metal gótico hasta el sol de hoy, Theatre of Tragedy. Liv sin Theatre of Tragedy, ellos sin Liv, más allá del cotilleo del "Tú te fuiste, engreída, no, ustedes me sacaron, patanes", eso significó el nacimiento de una de las bandas "jóvenes" de metal gótico que más me gustan actualmente, Leaves Eyes, con la Kristine a la cabeza.

Si bien he estado pendiente del lanzamiento este año del tercer álbum en estudio de Leaves' Eyes, Njord, ni idea tenía que el 24 de junio lanzarían un EP titulado My Destiny, el cual nos ocupa en la reseña de hoy. A estas alturas no es demasiado lo que uno pueda decir acerca de Liv Kristine. Tendría que embarrarla horriblemente para poder decir algo novedoso, pero como supondrán no sólo no lo hace, sino que sigue haciendo gala de una de las mejores voces del género, con una concepción magistral de sus propias limitaciones y una explotación consciente y precisa de sus virtudes. Porque la de Liv no es una gran voz, ni tiene un registro ni un rango operístico como el de gran parte de las cantantes de metal gótico, pero creo que nadie puede afinar como ella, nadie llevar su propia voz hasta sus últimos límites con un perfecto dominio. Además, es la voz más dulce dentro del metal gótico, a mi juicio personal sólo superada en expresividad por Sharon den Adel.

My Destiny nos muestra, pues, a la Liv de toda la vida, o mejor dicho, la Liv del 2004 para acá. Me gusta muchísimo Leaves' Eyes, pero siento que les falta la oscuridad y fuerza de los primeros discos de Theatre of Tragedy, en especial del sublime Velvet darkness they fear. Este EP de Leaves' Eyes me suena más cercano a Lovelorn (2004) que a Vinland saga (2006), lo cual agradezco, pues si bien este cd me gusta, me parece bastante flojo comparado con el disco debut del grupo. Esperemos que Njord siga por este sendero, o que incluso lo supere.

Irónicamente el tema que menos me gusta es el que bautiza al EP. Tiene un riff bastante de radio fórmula, y los grunts de Alexander Krull no son tales, suena casi como si rapeara O_O Igual, es un tema pegajoso, con un evidente punch comercial que puede brindarle bastante éxito al grupo entre oyentes no conocedores. Confieso que me aterré con esa canción, pero cuando tras ella escuché la maravilla que es The battle of Maldon supe que podía mantener la calma. El tema abre con un delicado solo de piano que compite en dulzura con nuestra Liv, entrando luego las guitarras y al rato, Alexander Krull con unos grunts estupendos y, junto a él, un coro que compite con la dureza de Krull y la belleza de Liv. No me atrevería a decir que es un tema digno de los viejos de Theatre of Tragedy, pero sí que le patea el trasero a los nuevos lanzamientos de la banda. Absolutamente sublime.

Otro tema precioso es Scarborough Fair, con una Liv delicada hasta las últimas consecuencias y toques étnicos nórdicos realmente atinados, una belleza de tema acústico. Northbound no me gusta tanto como las dos canciones que la preceden, pero sí mucho más que My Destiny. La Kristine borda el tema como le da la gana. Hacia el minuto 2:40 el tema va ganando en fuerza y potencia, y pasando el minuto 3 entra un coro, apoteosis total. Para cerrar tenemos Nine wave maidens, una preciosidad de canción, quizás más afín al sonido de Midnattsol (banda noruega cuya vocalista es Carmen Elisa Espenae, hermana de Liv) y un remix de My Destiny.

Un 9/10 para My Destiny, puntuación que espero se repita o incluso sea superada cuando al fin escuche Njord.

Y para los curiosos, Myspace de Leaves' Eyes.

Tracklist

1- My Destiny.
2- The battle of Maldon.
3- Scarborough fair.
4- Northbound.
5- Nine wave maidens.
6- My Destiny (remix).

Progresivo con goulash: Indukti-Idmen (2009)

2009-07-25T08:52:00.014-04:30

Siguiendo las recomendaciones de colegas y amigos, en este caso de don Apocalypso Facto, le dedico la siguiente reseña a una banda polaca de metal progresivo que, como en el caso de los noruegos de Leprous, no conocía de absolutamente nada, pero quienes despertaron tal curiosidad en mi que me bajé toda su discografía... compuesta por un par de álbumes. :P El que hoy nos ocupa es Idmen, continuación del estupendo S.U.S.A.R. con el cual debutaron en el año 2004.

Indukti es una banda de metal progresivo procedente de Varsovia, integrada por cinco miembros, pero no cinco músicos cualquiera sino un Top 5 de cuartos bates: Wawrzyniec Dramowicz (fundador del grupo y baterista del mismo, graduado de Música en la Universidad McGill de Montreal y miembro de la Sinfónica de Varsovia, la Polish Philharmonic Orchestra y ex integrante de la Montreal Symphony Orchestra), Ewa Jablonska (violinista clásica), Piotr Kocimski (guitarrista y psicólogo... sí, así sale en la página oficial de la banda), Maciej Jaskiewicz (guitarrista e ingeniero... de pana no puedo con esos perfiles), y Andrzej Kaczynski (bajista). Todos ellos son miembros y ex integrantes de numerosos proyectos musicales (desconocidos para mi por desgracia) tales como Kokszoman, Robot, Halucyna, Vein, Klinika Psychiatryczna, Bajkonur y Namaste. Viendo el calibre de los músicos que conforman a Indukti, se imaginarán el tipo de metal progresivo que interpretan.

Irónicamente en Idmen no, no predomina el virtuosismo, o bien, claro que sí, pero el tono general de la banda es tan oscuro, tan pesado, que uno no sabe si prestar más atención al lucimiento de las baterías, a los atmosféricos violines o a las guitarras y el bajo creando riff demenciales, o por el contrario dejarse envolver por una atmósfera densa, cargada de experimentalismo. En mi caso procuro no pensar ni en lo uno ni en lo otro sino simplemente disfrutar de la descarga de buena música que ofrecen estos polacos.

Algo que me hace no disfrutar a plenitud de Idmen es la elección de los vocalistas. Lo que para mi hubiera sido un disco soñado se me cae horriblemente por la voz de N. Frykdahl, a quien no conozco de nada pero en Tusan homichi tuvota, segundo tema del disco, parece Camilo Sesto drogado... o al menos así me suena. Esta canción está precedida por Sansara, una de las piezas instrumentales más demenciales que he escuchado recientemente en lo que a metal progresivo respecta (ya que Dream Theater parece haberse olvidado de componer temas de este tenor). Por suerte, M. Taff, nuevo colaborador, utiliza un registro totalmente distinto en ...And who's the God now?, donde lo experimental de las voces se mantiene, pero combinado con unos gritos y una fuerza de lo más pesadito del disco. Creo que ésta es con diferencia mi canción favorita. Es que lo tiene todo: es ecléctica, experimental, virtuosa, étnica a ratos, progresiva en otros, una joya de poco más de 10 minutos que creo es incapaz de dejar indiferente a nadie.

Indukted es otro de los temas grandes del cd. El comienzo es magistral con el duelo de riff de los guitarristas, y luego con los ritmos trabados, los cambios de melodía, la velocidad impresionante de las baterías... luego la calma hacia el último minuto. Una pieza instrumental maravillosa cuyo final tranquilo sirve de "colchón" antes de saltar a la experimentalidad de Aemaet. No puede negarse que supieron armar perfectamente el tracklist. El último tema con vocalista es Nemesis voices, que cuenta con la participación de M. Luginbuehl... un tercer cantante desconocido para mi. Me gusta más que Tusan homichi tuvota pero bastante menos que ...And who's the God now? Eso sí, el final del tema es alucinante.

No puedo evitar pensar a estas alturas en Mariusz Duda, vocalista de Riverside quien colaboró en S.U.S.A.R. No sé si se deba a que Duda me parezca un cantante soberbio, pero a pesar de lo mucho que me ha gustado Idmen no me parece tan bueno como el cd de 2004 de Indukti. Quizás se trata del mayor predominio de los violines en S.U.S.A.R., o que en serio no me termina de cuadrar el o los vocalistas de Idmen, pero pareciéndome una joya como me lo parece este disco del 2009, desluce en comparación con el del 2004. Menos mal que son mayoría los temas instrumentales, jejeje.

Antes de escribir la reseña había pensado en darle 7 al cd. Pero reescuchándolo me parece una tacañería darle esa puntuación. 8/10 para Idmen.

Tracklist

1. Sansara.
2. Tusan homichi tuvota.
3. Sunken Bell.
4. ... And who's the God now?
5. Indukted.
6. Aemaet.
7. Nemesis voices.
8. Ninth wave.

Y para los curiosos, Myspace de Indukti.

Síndrome noruego: Leprous-Tall Poppy Syndrome (2009)

2009-07-24T13:20:00.009-04:30

Por primera vez en cierto tiempo lograré redactar una reseña a escasos días (digamos un par de semanas) de haber escuchado un cd por vez primera. Y este honor se lo merecen los noruegos de Leprous, una banda con un feo nombre deathmetalero pero que hacen un interesante metal progresivo, aderezado con toques power. Descubrimiento musical gracias a Marcel, a quien irónicamente no le gustaron tanto como a mi.

No es demasiado lo que puedo decir de Leprous, pues hasta hace muy poco ni idea tenía de su existencia. Se trata de una joven banda noruega fundada en el año 2001, que antes del lanzamiento de su primer disco había publicado los demos Silent Waters (2004) y Aeolia (2006). Con edades comprendidas entre los 18 y 21 años, sus miembros son Einar Solberg (teclado y voz principal), Tor Oddmund Suhrke (guitarra y voz), Halvor Strand (bajo), Øystein Landsverk (guitarra) y Tor Stian Borhaug (batería).

Lo más destacable de Tall Poppy Syndrome es a mi juicio la creación de un sonido claramente progresivo sin caer en tecnicismos vacuos, y sin tener demasiadas pretensiones crean un disco que cualquier amante del progresivo como del power metal pudieran apreciar, porque sí, no sé si se deba a una predisposición nórdica por este género pero las trazas del power metal son más que evidentes en canciones como Dare you, en la que a ratos noto un cierto parecido entre la voz del vocalista noruego y la del cantante principal de la banda francesa de deathprog, Adagio.

Quizás este nado entre dos aguas pudiera considerarse como un punto negativo, pues le resta un poco de homogeneidad a esta placa. Por ejemplo, Fate pudiera sonar como una power ballad que no congenia demasiado con el resto de Tall Poppy Syndrome; a pesar de ello es una canción muy buena, bastante densa a pesar de su lentitud, y con una fuerza en las guitarras que hacen de este tema uno de mis favoritos.

He will kill again pudiera considerarse el tema de mayor virtuosismo y, en consecuencia, el más "progresivo" (odio a muerte usar géneros como etiquetas, pero es una manera de simplificar la descripción). La voz de Einar Solberg suena muy power metal, pero a la vez sus solos de teclado son bastante técnicos y experimentales. Hacia la mitad del tema hay un momento instrumental genial a cargo de los guitarristas. De verdad tremendo tema. Not even a name sirve también para el lucimiento de Solberg en los teclados.

Un disco sustancioso y con carnita (teniendo en cuenta el nombre del grupo es un símil bastante asqueroso). 7,5/10 para el álbum debut de estos muchachos, de quien espero tengan un gran futuro en sus carreras, por mi propio beneficio y el de los amantes del metal progresivo y el power metal.

Y si les llamó la atención y como yo no conocían de nada a Leprous, he acá su Myspace.

Tracklist

1- Passing.
2- Phantom pain.
3-Dare you.
4- Fate.
5- He will kill again.
6- Not even a name.
7- Tall poppy syndrome.
8- White.

Nube más que negra gris: Dream Theater- Black Clouds & Silver Lightnings (2009)

2009-07-13T08:07:00.019-04:30

Si bien hace dos meses o más que ya había escuchado el nuevo lanzamiento de Dream Theater, Black Clouds & Silver Lightnings, no es sino al sol de hoy que me dedico a escribir mis impresiones sobre este CD, por un lado esperando a que saliera la versión de tres discos (BC & SL en sí, un cd de covers y uno de versiones instrumentales de las piezas del nuevo disco), por el otro temerosa de escribir un artículo que posiblemente me inunde de hate comments y amenacen con acabar mi vida. La siguiente reseña se limitará al disco propiamente hablando, no a las versiones, que si bien me gustan mucho en su mayoría desconozco las piezas originales (la sinceridad ante todo) y no podría dar una opinión válida.

No es secreto para nadie que Dream Theater es una de mis bandas favoritas, favoritísimas. Puedo decir con orgullo que los he visto tres veces en concierto, y con fanatismo enfermizo que otras tres veces o más los vería de nuevo. Discos como Images and Words, Scenes from a Memory, Six Degrees of inner Turbulence o Train of Thougts me parecen sin exagerar obras de arte absolutas, lo mejor de lo mejor dentro del metal progresivo... pero qué pasa, pues que de gente capaz de hacer álbumes magistrales como esos siempre espero lo mejor. Octavarium en contra de la opinión de muchos me parece un muy buen disco, con un par de temas aburridos (I walk besides you, The answer lies within y quizás una parte del comienzo de Sacrificed sons), y Systemathic chaos sin ser un disco épico me resulta dinámico, entretenido, muy muy bueno aún sin llegar al listón de Scenes from a Memory. Pero definitivamente Black Clouds & Silver Lighnings a mi juicio ni es un gran regreso de la banda, ni me parece un disco para el recuerdo.

En primer lugar no, no se trata de un disco malo, porque con el corazón en la mano digo que no lo es, gente como Dream Theater son incapaces de hacer algo que atente contra el buen gusto musical :P De tratarse de cualquier otro grupo me parecería quizás una obra de arte sublime, pero tratándose de quienes se trata, me parece un disco flojo, poco innovador y falto de creatividad. Siguiendo la opinión del colega Apocalypso Facto, de verdad pareciera que la única manera de evitar que Dream Theater se estanque sea recurriendo a un productor externo, pues pareciera que Portnoy y Petrucci se están quedando sin muchas ideas. [Inserte su insulto acá].

Musicalmente el disco es soberbio, las interpretaciones de estos monstruos que son Petrucci, Portnoy y Rudess son magistrales (y no menciono a Myung porque me parece que no tiene casi protagonismo en los seis temas que conforman BC & SL), y por su parte La Brie está cantando como nunca. Al César lo que es del César, grandes músicos lo serán siempre, pero el disco en sí no ofrece a mi juicio nada nuevo. Es 100% válido que un artista quiera crear un álbum con referencias a composiciones anteriores, crear una red de metatextualidades y jugar con el conocimiento y la curiosidad del escucha, pero cuando la metatextualidad, las autorreferencias dejan de ser sutiles y se notan las costuras de la criatura, ese mismo disco pasa a convertirse simple y llanamente en un pastiche, un popurrí que no emociona ni innova.

Como el disco consta de sólo seis temas, haré un breve (y siempre subjetivo) análisis de cada uno de ellos:

1- A nigthmare to remember: Quizás el tema más pesado del disco y uno de mis favoritos. La primera vez que lo escuché el comienzo me recordó un poco al de In the name of God, pero se deslastra de esta canción para crear a mi juicio la más original del cd (original en cuanto a no parecerse a composiciones anteriores de la banda, al igual que The best of times). La Brie fenomenal, Portnoy enloquecido, Petrucci agilísimo y Rudess atinadísimo. De Myung poco puedo decir la verdad. Eso sí, los grunts o lo que sea que sea de Portnoy son casi tan divertidos como los coritos de The test that stumped them all (vaya temazo este por cierto, con todo y los geniales y simpáticos coros :D ).

2- A rite of passages: Un muy buen tema, a pesar de sonar desconcertantemente parecida a Home, mi tema favorito de Dream Theater con diferencia. Esto le resta puntos, porque ni por asomo es tan buena como Home y no es lo suficientemente distinto el comienzo como para que uno evite las siempre odiosas comparaciones. No es mi culpa, es demasiado evidente como para no mencionarlo. Sin embargo es también uno de mis temas favoritos de BC & SL.

3- Wither: De por sí tengo problemas personales con los temas lentos de Dream Theater,(en realidad con los temas lentos en general), es algo muy mío, pero no por ello considero malas las baladas del grupo ¿Cómo hacerlo? The spirits carries on, por ejemplo es una joya (aunque es un mal ejemplo porque esa canción la amo con locura). Pero Wither es tan, tan sosa. Bonita, pero gafa, una versión edulcorada de Hollow years. Lo mejor el mini solo de Petrucci, pero es muy "mini" y muy "hollowyearsado". Pesa de nuevo el factor "esto lo hicieron ya antes... y mejor".

4- The shattered fortress: Oh ¿Cómo entrarle a este tema? Mejor sin anestesia: De no existir toda la suite del alcoholismo de Portnoy este sería uno de los mejores temas en la carrera de la banda, existiendo, lo que pudo ser la gran culminación de la misma se volvió en un copia y pega descarado que, como el monstruo de Mary Shelley, está lleno de cicatrices y costuras. La interpretación es genial, La Brie canta increíblemente bien y fue estupenda la manera que encontraron de unir temas como The glass prison, This dying soul y The root of all evil, pero no ofrecen nada nuevo. No se siente como un tema original con flashes de otros sino como uno de sus usuales medleys de los conciertos.

5- The best of times: "The best of solos" la llamaría yo. No es un tema que me mate ni que me enloquezca, se me hace un poco cansona la línea vocal de La Brie, pero el solo de Petrucci es realmente de lo mejor en todo el disco. Tras un Systematic Chaos sin solos de guitarra, éste se agradece, y mucho.

6- The count of Tuscany: Un gran cierre, un tema realmente bueno. Va in crescendo tras un inicio lento donde Petrucci es el protagonista y cede el testigo a un cada vez más grande Rudess. Genial, absolutamente maravillosa... hasta el minuto 14, donde se vuelve lenta, muy lenta, y a mi juicio muy parecida a Octavarium, último tema del disco homónimo. Luego de ese minuto y tras un lindo momento acústico, el cierre de la canción es excelente. ¡Caramba! ¿Por qué The count of Tuscany tiene que parecerse a Octavarium en la mitad? No es que este tema no me guste, sino que no quiero más parecidos sospechosos tras 5 canciones plagadas de ellos (o 4, no me parece que The best of times tenga demasiado parecido con algo anterior).

En fin, Black Clouds & Silver Lightnings es una de mis mayores decepciones musicales del año; esperaba algo muchísimo mejor. Sin ser malo, porque no lo es para nada, no es lo suficientemente bueno como esperaba de uno de mis grupos favoritos. Un 6/10 para Dream Theater, con la esperanza de que el próximo lanzamiento sea dentro de muchísimos años si hace falta para que creen un disco con la calidad de Train of Thougts o Scenes from a Memory.

Myspace de Dream Theater.

A 20 años de la muerte de Alfredo Sadel

2009-06-28T17:35:00.015-04:30

"En el teatro suizo de San Gall (notable por su construcción
moderna y no obstante, acogedora)

nos llama la atención la voz deslumbrante
de un tenor venezolano: Alfredo Sánchez Luna"
Kurt Pahlen, Grandes cantantes de nuestro tiempo.

Ante estas palabras de uno de los grandes musicólogos del siglo XX ¿qué puede decir una como simple aficionada, además de expresar su más profunda admiración por uno de los mejores cantantes líricos que ha dado Venezuela? Hoy contamos con la espléndida voz de Aquiles Machado, pero hasta hace veinte años nuestro tenor, en mayúsculas era Alfredo Sánchez Luna, el gran y controvertido Alfredo Sadel. Este artículo espera ser un pequeño homenaje al cumplirse veinte años de su fallecimiento.

A mi juicio la importancia de un personaje como Sadel fue haber sublimado canciones populares del acervo musical latinoamericano y venezolano, a la vez de haberse erigido como una de las grandes voces de la zarzuela y, quizás en menor medida, de la ópera, todo ello sin dejar de lado su interés como promotor cultural en instaurar en nuestro país una auténtica tradición lírica. Fue además una de las primeras figuras internacionales venezolanas en destacarse en el mundo del cine... indistintamente de su calidad actoral, es una delicia ver sus películas tan sólo por escucharlo cantar, con ese porte soberbio del que hacía gala.

Nacido en Caracas, el 22 de febrero de 1930, sus inicios musicales fueron bastante accidentados: en 1946 , y tras tres meses de estudios musicales, debutó como cantante en Radio Caracas, pero fue rechazado poco después. Al año siguiente creó el apellido artístico Sadel, mezclando su apellido con el de Carlos Gardel, y participó en Caravana Camel, programa emitido por radiodifusora Venezuela. A partir de ese momento el naciente cantante cosechó un éxito tras otro, en especial al componer y grabar el pasodoble Diamante negro, dedicado al torero venezolano Luis Sánchez.

Su salto a la fama internacional se dio en 1951 cuando rodó la película Flor de campo y al año siguiente debutó en Estados Unidos, en los teatros Colgate Comedy Hour y San Juan, en Nueva York, compartiendo escenario junto a La Faraona Lola Flores.

El resto de su vida es una sucesión de éxitos, honras, polémicas, rumores... Como cantante popular es uno de los más grandes de su época, destacando como bolerista de altísimo calibre y un actor-cantante al estilo de Mario Lanza... a quien extrañamente no emuló al rechazar un contrato de la MGM. Sadel alcanzó un logro del cual pocos pueden jactarse: participó en el show de Ed Sullivan y tuvo una exitosa carrera en los Estados Unidos.

Su paso a la ópera es lo que más me agrada de la carrera de Sadel. Si bien me gustan muchísimo los boleros y la música popular latinoamericana de las décadas de 1940 a 1960, la ópera y la zarzuela son unas de mis más grandes pasiones musicales, y la dulcísima voz de Sadel, con ese dominio de los pianissimi y la media voz, y esos agudos que hacen de él un tenor lírico genial. Eso sí, para mi nadie como él para cantar temas de Agustín Lara, o clásicos como Júrame, María La O, Desesperanza, Perfidia, El guarapo, Escríbeme, Amapola o Perfidia. Cantó también música venezolana como nadie, siendo preciosa su interpretación de Alma llanera (ojo, tal cual la zarzuela de Rafael Bolívar Coronado y Pedro Elías Gutiérrez, no las múltiples versiones que se han hecho después).

Su debut en 1961 en la zarzuela Los Gavilanes marcó el inicio del Sadel lírico que tanto me gusta, ese que empezó estudios de canto serios al año siguiente en Austria e Italia. Quizás por esos estudios en Salzburgo es tan buen intérprete de los lieds alemanes, ¡wow! Los cantaba de una manera realmente sublime. La Adelaide de Beethoven es una pieza delicadísima y sutil en su voz, que irónicamente le fue reprobada en su examen final del Mozarteum de Salzburgo. Su repertorio operístico abarcó obras como Rigoletto, El Barbero de Sevilla, Carmen, Lucía Di Lamermoor, Tosca, La Boheme y Don Pasquale, entre otras. En las décadas de 1970 y 1980 participó activamente en temporadas de zarzuela y ópera nacional e internacionalmente, llegando a correrse el rumor de que Sadel había organizado el secuestro del tenor español Pedro La Virgen, quien se presentaría en Venezuela... según mis papás, eso hasta salió en la prensa. yo no he conseguido referencias al respecto.

Recuerdo que una vez de niña, o empezando la adolescencia, le dije a mi papá que Sadel era el Elvis Presley venezolano, por haber iniciado su carrera muy flaquito y haberla terminado muy gordo. De milagro no me gané un bofetón, y con razón. Años después supe que había coincidido con su enfermedad, un cáncer, y hoy al redactar esta reseña me he enterado que se trató de cáncer de huesos.

Muy enfermo ya, cantó en mayo de 1989 en el Teatro Teresa Carreño, y el 28 de junio del mismo año falleció. Dejó como legado unos 200 discos, más de 2.000 canciones grabadas, varias películas y grandes, maravillosos recuerdos para las personas que tuvieron la dicha de verlo en concierto; mis padres la tienen, y muero de envidia por ello.

Para cerrar, la voz de Alfredo Sadel:

Fuentes:

http://www.venezuelatuya.com/biografias/alfredo_sadel.htm

http://www.mipunto.com/temas/2do_trimestre04/sadel.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Alfredo_Sadel

Murphy se ensaña

2009-06-22T18:25:00.008-04:30

Este es un pequeño anuncio. Por los momentos y por razones ajenas a la voluntad de este prestigioso blog (¡Cuánta pomposidad eh!) no podré actualizar hasta nuevo aviso.

No señores, no me he enfermado, ni pretendo huir a otro país como prófuga de la justicia. No me ha vencido la pereza y la desidia, ni me he quedado sin ideas, no me han lobotomizado, abducido, lavado el cerebro ni de la noche a la mañana me he vuelto amante de la bachata, el huayno o el reaggetton. No. Es mucho más sencillo, y no por ello menos doloroso. Me he quedado sin internet hasta nuevo aviso.

Estoy pasando por un síndrome de abstinencia como si yo fuera adicta a la heroína. Me aburro horrores en casa, pienso en todas las cosas que pudiera hacer y no hago por culpa de la porquería de servicio de Movistar.

En los actuales momentos estoy en un cyber, obsesionada pensando quién rayos habrá estado antes de mi en esta pc, y con la idea fija de que si me llevo las manos a la boca me dará salmonela. De hecho, tengo el ojo izquierdo colorado, y creo que es por habérmelo rascado en una de estas tardes de cyber que me retrotraen a mis años universitarios.

Así que de momento el soundtrack está en pausa, mas no en stop. Una vez solucione mi problema con los degenerados de Movistar regresaré al ruedo con más ánimos que antes, claro, si no me he suicidado antes.

Beatriz, Murphy, µTorrent y Rockbox

2009-06-06T08:07:00.008-04:30

El siguiente será un artículo breve y dolorido. Aún no he asimilado la idea y no sé si algún día lo haga, sólo sé que la Ley de Murphy parece haber sido escrita pensando en mi.

Hará unos meses descubrí Rockbox, excelente tracker para descargar rock y metal en N cantidad de géneros. Una joya absoluta. Allí he conseguido discografías enteras, me he nutrido de más rock progresivo del que imaginaron mis oídos, he engordado mi disco duro con cd's y cd's de metal gótico, he hallado videos geniales de heavy metal clásico de toda la vida... Vamos, la caja de Pandora.

En fin, cuál no es mi sorpresa cuando yo, ingenua y confiadamente, intenté descargar un torrent con la discografía de Elis (Para quien no los conozca, Myspace acá) y me encuentro con este anuncio que me tumbó el alma al piso:

Sin dar demasiados detalles, mi conexión a internet debe ser la peor de toda Venezuela, otros usuarios de modems inalámbricos de Movistar me darán la razón en esto. El hecho es que es tan inoperante (no puedo dar datos técnicos pues no entiendo demasiado de ello) que mi µTorrent no sólo descarga a velocidades espantosamente lentas (creo que mi tope de descarga ha sido 50 kbs y he tenido la paciencia de descargar películas enteras a 0,1 kbs durante aproximadamente un par de semanas o más) sino que no seedea prácticamente nada, lo cual me impide poder estar en trackers privados si no quiero ser baneada. Si bien no me banearon de Rockbox, con ese detallazo de no poder bajar torrents es como si lo hubieran hecho.

¿Dónde entra Murphy en esta historia? Pues acá:

Tengo un ratio impecable y un comportamiento ejemplar (ratio, he de admitir, que he "comprado" con mis bonus seeds, obtenidos por los días y días que dejo los torrents seedeando), he sido ascendida del escalafón más bajo de usuarios al que le sigue ¡Y no puedo descargar torrent alguno! Si el Pato Lucas hubiera conocido internet seguro le pasaba lo mismo.

Desde entonces no he bajado más música, el dolor por la pérdida es demasiado grande y siento que Demonoid se ha quedado pequeño para mis aspiraciones. Sin Rockbox y sin esperanzas de que Kerrazy Torrents regrese, sin poder bajar por descarga directa (cosa que mi conexión a Movistar también me impide)... creo que mejor me echo un trago de arsénico y acabamos con mi penar.

(Mientras encuentro el arsénico, recurriré a la siempre fiel Scrapetorrent y me meteré el orgullo en el bolsillo y retornaré al demonio verde).

Noche de tormenta: Tarja Turunen en Caracas 20/05/2009

2009-06-01T12:52:00.008-04:30

Quería escribir esta reseña mucho antes, pero por una cosa u otra lo fui dejando pasar, y creo que a estas alturas nada novedoso podré escribir acerca de uno de los conciertos que más esperaba y he esperado en los últimos meses: la señorita Tarja Turunen, quien al parecer deberá venirse a vivir al país para que vuelvan las lluvias, porque en todo el mes de mayo creo que el día de su concierto fue el único en que diluvió, bastante curioso teniendo en cuenta que presentaba su tour Storm Returns to the America’s.

En primer lugar lo negativo del show puede resumirse en tres aspectos: Locación-Retraso-Sonido. Paso a desarrollar cada uno brevemente. Como Venezuela es el país de lo imposible, sólo aquí a alguien se le pudo ocurrir presentar a Tarja Turunen en un centro comercial. en un auditorio abierto, con riesgo de lluvia dada la época del año del espectáculo. Era una ecuación para el desastre. Sé que en el país Tarja no es una artista como para llenar un estadio, pero bien pudieron haber intentado realizar el concierto en el teatro del colegio Emil Friedman (como en Symphony X) o en el del Santa Rosa de Lima (como en Apocalyptica) .

Pero lo peor no es eso, lo peor es que ni siquiera escogieron el anfiteatro como tal sino una suerte de galpón donde metieron a los asistentes al concierto. Pésima idea meter a mil almas en un espacio cerrado, con mala ventilación y muchísima humedad. No sé si la escogencia de esa "terraza cubierta" como pomposamente la llaman haya sido la primera opción de los organizadores, o si fue una decisión de último minuto a causa de la inclemencia de la lluvia. De ser lo segundo, sólo así se justificaría el retraso de casi dos horas del espectáculo. Y si en efecto esto fue lo que pasó, eso explica las deficiencias del sonido en los primeros temas. Me sabe que venga alguien a insultarme o a decirme que yo estoy sorda, que el concierto fue perfecto, que Tarja es Dios encarnado, etc, etc, etc. El sonido al comienzo fue malo. La guitarra no sonaba casi y Tarja se oía bajita. Por suerte duró poco el desbarajuste, y luego pude disfrutar de un concierto de alto, altísimo calibre.

Describir mis emociones durante este espectáculo es tarea harto difícil. Yo nunca fui una fan de Nightwish de las que se cortaban las venas por ellos, ni pensaba que Tarja es la mejor voz de la escena del metal. Aún hoy no lo pienso, y no, no es que no me gusten ni la una ni los otros, es que hay muchas otras grandes intérpretes y Tarja no es la única en su género. Eso sí, de que es de las mejores es de las mejores ¡Vaya voz que se gasta en concierto! Es realmente sublime, logró emocionarme, conmoverme, envolverme con esa potencia y esa fuerza escénica. Creo que eso fue lo que más me sorprendió. Siempre vi a Tarja Turunen como una cantante excelsa, pero fría en su interpretación, elegante aunque estática en su puesta en escena. Obviamente que fue, es y será una gran cantante, pero nunca pensé que en escena fuera una gran intérprete capaz de interactuar con el público, ser simpática, graciosa y además realmente dinámica... yo salí enamorada, de verdad.

A riesgo de seguir cosechando odios, amé con locura que Tarja haya incluído en su concierto viejos temas de Nightwish, justo mis canciones favoritas de la banda, pero no diré lo que le escuché decir a mucha gente al finalizar el espectáculo; no, no fue mejor que escucharlas con Nightwish. Ojo, mejor que con Annete Olson es evidente, pero no podemos negar que Wishmaster con Marco Hietala en los coros, o Nemo con Tuomas Holopainen al teclado hubiera sido realmente magistral. Como sea, fue realmente asombroso escuchar She is my sin, tema que creo que hacía mucho tiempo Nightwish no interpretaba.

Temiendo sonar cursi, lo más bonito del espectáculo fue ver cómo el público fue a ver a Tarja, no a la ex cantante de Nightwish. Me explico: la gente cantaba con igual fuerza las canciones de Nighwish como los temas propios de Tarja, y creo que ella pudo darse cuenta de ello y conmoverse con la actitud de un público entregado a más no poder... yo me incluyo, que me sabía todos y cada uno de los temas B-) Creo que uno de los momentos más emotivos fue en medio de I walk alone, y uno de los más entretenidos Poison, cover de Alice Cooper. Yo en particular disfruté con todas y cada una de las canciones, siento que el setlist fue inmejorable. Y ese cierre con Wishmaster, ufff. La única manera de que hubiera sido mejor el concierto era si Tarja interpretaba Ever Dream, allí no hubiera escrito reseña alguna, porque me hubiera muerto.

Para cerrar, unas cuantas ideas:

Grande Max Lija, gracias a este concierto ya puedo decir que he visto a todos los miembros de Apocalyptica, Antero Maninen incluido.
La entrevista que le hicieron a Tarja en Globovisión, en Buenas Noches, fue vergonzosa. Puede que no sepas de un artista, pero como periodista es tu trabajo documentarte para pasar por una persona medianamente culta y no limitarte a decir "Tenemos a una vampiiiiira". Me cago en la madre de Kico Bautista, Carla Angola y Ronald Carreño.
La reseña en Oídossucios es una muestra de lo explicado en el punto anterior. Documéntate, luego escribe. Tarja no "inicia" su carrera.
Al igual que cuando vi a Within Temptation, fue realmente divertido intentar cantar a la misma altura de Tarja, y escuchar a los demás hacer lo propio. Parecía un coro de viejas de iglesia.
Al final del concierto fui a primera fila a ver si conseguía el setlist, pero un condenado le ofreció 50 mil bolívares a uno de lso de seguridad por él. Si por casualidad me lees, te odio, te odio mucho, odio que sólo cesará si escaneas el setlist y lo publicas. Gracias.
La compañía con quien conté en el concierto fue inmejorable, mis mismos colegas en el concierto de Iron Maiden, saben bien que sin ustedes no hubiera sido lo mismo, es más, sin el apoyo de ustedes quizás no hubiera podido ir.

Un 9/10 para esta tormenta de buena música. Si así llueve que no escampe.

Setlist

1. Lost northern star
2. My little phoenix
3. She is my sin
4. Damned & divine
5. Sleeping sun
6. I walk alone
7. Ciaran's well
8. Sing for me
9. Nemo
10. Poison
11. Wisdom of the wind
12. Minor heaven
13. The reign
14. Die alive
15. The seer
16. Kinslayer
17. Enough
18. Oasis
19. Wishmaster

PD: Todas las fotos fueron tomadas por mi compinche LordCerberus, a quien debo agradecer su estatura. Si no hubiera sido por él ninguno de nosotros (los que fuimos juntos al show) tuviera fotos que valieran la pena.

Una nube nórdica: Amberian Dawn-The Clouds of Northland Thunder (2009)

2009-05-23T17:51:00.006-04:30

Esta joven female fronted band finlandesa hace ya varias semanas sacó su segundo disco en estudio, The Clouds of Northland Thunder, tan solo un año después de River of Tuoni, un precioso álbum de metal sinfónico (quizás con algo de power... me niego a darle la etiqueta de gótico a todo lo que tenga vocalista femenina con voz operística) que había escuchado un poco, gracias a Last.fm.

Admito que me dio algo de mala espina que Amberian Dawn sacara disco tan seguido, y no esperaba encontrarme con el gran mega disco del año. Y no, no es el gran mega disco del año, pero es un gran, gran disco, muchísimo mejor de lo que me imaginaba, el cual puede meterse en la pelea por mi lista de discos del 2009 al final del año ¿Es que en Finlandia no hay músicos malos? :P

Creo que sin tener una propuesta musical demasiado innovadora los chicos de Amberian Dawn saben sacar el máximo provecho a un género tan explotado últimamente; la asombrosa, bellísima, absolutamente hipnotizante voz de Heidi Parviainen creo que es la que marca la diferencia. Los 12 temas que conforman The Clouds of Northland Thunder son hermosos, algunos casi místicos como Willows of tears, otros épicos como He sleeps in a grove o Incubus y otros absolutamente power como Lionheart o Shallow waters, mi favorito de todos; es que lo tiene todo, una letra de corte mitológico (como el que impera en todo el disco según mi inglés me permite entender), un ritmo ágil que me provoca saltar en mi cuarto mientras lo escucho, un solo de guitarra genial y un registro vocal imposible interpretado a la perfección por la señorita Heidi. Me encantaría escuchar versiones en vivo de Amberian Dawn, si Heidi suena tan bien como lo hace en disco le auguro un gran futuro a esta banda.

Me siento como un flan dando buen puntaje a todo lo que escucho ¿Que nadie me va a decepcionar aún? :P 8/10 para The Clouds of Northland Thunder.

Tracklist

1. He sleeps in a grove.
2. Incubus.
3. Kokko - Eagle of fire
4. Willow of Tears.

5. Shallow waters.
6. Lost soul.
7. Sons of Seven Stars .
8. Saga.
9. Snowmaiden.
10. Lionheart.
11. Morning star.

12. Birth of the Harp.

Y acá el Myspace de Amberian Dawn.

El año del Señor: Riverside-Anno Domini High Definition (2009)

2009-05-23T17:06:00.008-04:30

A pesar de lo mucho muchísimo que me gustan los polacos de Riverside, debo admitir que es poco lo que he escuchado de ellos, y en consecuencia poco lo que sé. De hecho, yo no sabía de su existencia hasta el año 2007, cuando los vi de teloneros de Dream Theater (vaya espectáculo ese). En ese entonces quedé sorprendida de lo buenos músicos que eran sus miembros y de la empatía entre el público asistente a ese concierto en Granada y ellos. Entendidos en esto del metal progresivo, supongo. Yo en ese entonces estaba dando mis primeros pinitos y creo que me limitaba a Dream Theater y alguno que otro más.

Por una cosa u otra no me enganché con Riverside hasta bien pasado el año 2008, cuando descargué Rapid Eye Movement, un disco inigualable al que en el 2007 dejé pasar (¡Oh, pecadora de mi!) y Reality dreams, álbum en concierto que me hizo recordar lo mucho que me gustó Riverside en ese show a casi 40 grados de temperatura. Así que desde hace unos cuantos meses los polacos se han vuelto una suerte de músicos de cabecera, razón por la cual apenas me enteré de que tenían disco nuevo estuve cazándolo hasta que me hice con él.

Anno Domini Hight Definition es un disco de apenas 5 canciones, pero del cual la más corta, Hyperactive, dura casi 6 minutos. En comparación con su predecesor (Rapid Eye Movement) este es un disco bastante más pesado a mi juicio, con un sonido muy denso que no disminuye ni empalidece el virtuosismo que caracteriza al sonido de Riverside. Mi tema favorito sin lugar a dudas es Egoist Hedonist, con su pesado riff combinado con un teclado prodigioso y la excelente voz de Mariusz Duda, uno de mis cantantes favoritos dentro del género, no es tan "chillón" como los vocalistas de la vieja escuela progresiva, es expresivo como pocos y lo suficientemente bien afinado como para no lacerarme los oídos. De este tema me encantan además las trompetas, muy curiosas, quizás poco "metaleras", pero es que es eso lo que amo de este tema, lo tremendamente ecléctico que resulta ¿Progresivo? ¿Metalero? ¿Experimental? No lo sé, pero me fascina.

El resto de canciones van más o menos por la misma tónica, pero me parece que este es el que mejor combina diversos elementos. Para quienes sean más "duros" puede que prefieran Hybrid times, un poco más alejado del sonido progresivo, quizás... tampoco soy una enciclopedia, y es un juicio 100% subjetivo de mi parte. Como sea, es un condenado temazo.

De ya digo que Anno Domini High Definition es uno de mis discos del año, tanto que creo que me gusta más que el Black clouds & silver lighting de Dream Theater, el cual debo escuchar bastante más para poder forjarme una opinión justa del mismo. Sírvanle a Riverside un 10/10 acompañado de un rico goulash.

Tracklist

1- Hyperactive.

2- Driven to destruction.

3- Egoist hedonist.

4- Left out.

5- Hybrid times.

Myspace de Riverside acá.

El Soundtrack en concierto

2009-05-20T11:19:00.010-04:30

Este más que un post es una especie de recordatorio. He pensado desde hace semanas hacer "retrocríticas" de los conciertos a los que he ido, pero por X o por Y lo he ido dejando pasar. Como estoy en la oficina, no tengo mucho tiempo, me duele la cabeza y de verdad estoy ocupada (aunque no lo parezca :P ), les (me) ofrezco una lista de los conciertos a los que he asistido hasta la fecha. Todo ello porque hoy en la noche sumaré otro a mi historial: ¡Tarja Turunen en Caracas!

No recuerdo las fechas exactas, así que los ubicaré por años y meses según mi pobre memoria. Algún día espero poder llevar a cabo por completo y desarrollar, con todo y fotos, mis "retrocríticas".

1996, abril. Café Tacvba. Estacionamiento del Centro Médico Docente La Trinidad. Caracas.
1997. Tang Festival. La Carlota. Caracas (Ni recuerdo quiénes tocaron. Recuerdo a DEsorden Público y Pato Banton. Y tengo no sé por que la idea de que estuvo Nacho Cano presentando El lado femenino, capaz y estoy alucinando).
2000. June Anderson. Teatro Teresa Carreño, Caracas.
2000. Dolora Sajick. Teatro Teresa Carreño, Caracas.
2000. Aquiles Machado. Teatro Teresa Carreño, Caracas.
2001, octubre. Eric Clapton. Poliedro de Caracas.
2005, octubre. Apocalyptica. Auditorio del colegio Santa Rosa de Lima. Caracas.
2005, noviembre. The Rasmus-Incubus. Caracas Pop Festival, estadio olímpico UCV. (No me enorgullezco de este, me regalaron la entrada y fui a acompañar a alguien. Odio con mi alma a ambas bandas).
2005, diciembre. Dream Theater. Poliedro de Caracas.
2006, noviembre. Evanescence. Sala La Riviera, Madrid (otro del que no me enorgullezco, pero admito que fui movida por la curiosidad y por asistir a mi primer concierto fuera del país).
2006, diciembre. Entwine. Sala Caracol, Madrid.
2007, marzo. Within Temptation. Sala La Riviera, Madrid.
2007, junio. Riverside/Dream Theater. Coliseo de Atarfe, Granada.
2007, noviembre. Soda Stereo. Hipódromo La Rinconada. Caracas.
2008, marzo. Deep Purple. Anfiteatro del Sambil. Caracas.
2008, marzo. Dream Theater. Forum de Valencia.
2008, abril. Mago de Oz. Forum de Valencia.
2008, mayo. Testament-Megadeth. Gillmanfest. Polideportivo Misael Delgado. Valencia.
2008, octubre. Symphony X. Auditorio del colegio Emil Friedman. Caracas.
2009, marzo. Iron Maiden. Estacionamiento del Poliedro de Caracas.

¡Anda! Nada mal, ahora que veo, creo que lo de las retrocríticas, si lo hago, me tomará un buen tiempo. Qué lindo se verá "2009, mayo. Tarja Turunen. Anfiteatro del Sambil. Caracas" :D

Actualización

2009, mayo. Tarja Turunen. Anfiteatro del Sambil. Caracas. :D

Divagaciones oníricas: Jordan Rudess-Notes on a Dream (2009)

2009-05-17T09:29:00.008-04:30

¿Qué podría decirse acerca de Jordan Rudess, tecladista de Dream Theater desde 1999, que pudiera enriquecer esta pequeña reseña de su más reciente disco, Notes on a Dream? Me encuentro en un dilema: o los ahogo con datos biográficos, discografía, historia (hablaría de la academia Juilliard, de su paso por The Dixie Dregs, su dupla con Rod Morgenstein, su colaboración con Liquid Tension Experiment y su entrada a Dream Theater en Metropolis, Pt. 2: Scenes From a Memory, suplantando a Derek Sherinian) o me limito a hablar del disco y ya. De lo primero se generaría una reseña interminable, de lo segundo una que no le haga justicia. Pero en fin, mi conciencia queda libre al haber dado entre paréntesis y como de paso pastillas biográficas de Rudess. Ni tan calvo ni con dos pelucas, como quien dice.

Hasta hace un par de días no tenía ni idea de que Jordan Rudess fuera a sacar disco solista en el año 2009, en especial porque se espera, ojalá más pronto que tarde, un nuevo lanzamiento de Dream Theater, Black clouds & silver lightings. Por ello, la sorpresa fue gratísima al enterarme del lanzamiento del mismo, y más cuando supe que eran versiones instrumentales de temas emblemáticos de Dream Theater. Nada podía salir mal.

Bueno, casi nada. Ya a título muy personal tengo serios problemas con The answer lies within, canción incluída en el cd de 2005 de Dream Theater, Octavarium, odiado por miles, amado por otros tantos, y si bien me cuento entre estos últimos, esa canción y I walk besides you, y quizás también el comienzo de Sacrificed sons, me resultan de lo más aburrido y soso dentro de la discografía de la banda. Y bueno, que a mi juicio este tema es un lunar en el disco. Ahora bien, apartando ello, Notes on a Dream es una pequeña joya. Pensé que el disco sería a punta de teclados eléctricos al estilo de los lanzamientos anteriores de Rudess, así que se imaginarán mi sorpresa al escuchar Through her eyes y caer en cuenta de que se trataba de un disco acústico, donde Jordan y sólo Jordan es el absoluto amo y señor.

Evidentemente las interpretaciones son magistrales, el virtuosismo de Rudess destila de principio a fin, y es más que obvio que los temas son buenos, porque ¡Carajo! Dream Theater es Dream Theater. Puede que a alguien le llegue a aburrir escuchar una interpretación clásica de temas de la banda, así que si no son amantes de versiones acústicas puede que Notes on a Dream no sea lo suyo.

Creo que Notes on a Dream es un disco que enganchará a los incondicionales de la banda que, como yo, admiren y se corten las venas por Jordan Rudess. Y supongo que habrá fans acérrimos del grupo a quienes les parezca aburrido y sin gracia si no está Petruci y Portnoy, quizás Myung, y de repente La Brie.

Para mi un disco hermoso (las versiones de Hollow years, Another day y The spirit carries on son lo mejor de lo mejor). 8/10 para el amigo Jordan.

Por cierto ¿Sería correcto etiquetar a este disco como progresivo?

Tracklist

1. Through her eyes.
2. Lifting shadows off a dream.
3. Perpetuum mobile.
4. The silent man.
5. Another day.
6. Hollow years .
7. The grand escapement.
8. The Spirit carries on.
9. Speak to me.
10. The answer lies within.
11. Collision point.
12. Vacant.

Myspace del señor Rudess.

La llama interna de Stream of Passion: The flame wthin (2009)

2009-05-10T10:05:00.007-04:30

Soy una indolente, algo floja, a veces inconstante y en extremo ladillada ¿A qué viene este mea culpa repentino? No, no me volví emo, ni soy suicida, ni estoy expiando mis culpas al borde de una enfermedad terminal. Simplemente admito que me he tardado demasiado en hacer la reseña de un disco que ya tiene casi un mes sonando en mi computadora, de hecho, un disco que por bueno no deja de sonar desde que me hice con él y del cual anuncio ya que será mi disco del año (o uno de ellos), aún cuando falten 7 meses para despedir al 2009. No me siento muy poética ni metafórica, así que sin más preámbulos, el disco en cuestión es el segundo trabajo de Stream of Passion, The flame within (without Arjen Lucassen).

Recuerdo que por aquel lejano año 2006 mis amigos españoles (ese Comando Forero), muy pegados en la onda de las Female fronted bands me recomendaron a este proyecto de Arjen Lucassen, quien había contactado a Marcela Bovio, vocalista de la banda mexicana Elfonía... sentí que me hablaban en mandarín antiguo, pues en ese entonces ni idea tenía de Lucassen y menos de Elfonía (nota al margen, al sol de hoy Arjen Anthony es mi gurú musical, o al menos uno de ellos). Me llamó la atención el hecho de que la banda fue hecha a distancia, casi como un curso de cocina por correspondencia: al estar desperdigados los miembros de la misma en dos continentes los temas de Embrace the storm fueron compuestos, transmitidos, compartidos y no sé qué más por vía de Internet.

Pues bien, ese mismo Embrace the storm es ahora un disco clásico en mi "musiteca" personal, pero al que me costó mucho entrarle en su momento. Adoraba Out in the real world, pero se me hacía algo pesado de escuchar, en especial por la voz de Marcela. Aún hoy mantengo mi opinión de que la de ella es una voz extraña, muy particular, pero brillante, afinada como pocas, expresiva como casi ninguna. En fin, que mi primera impresión de Stream of Passion sin ser mala fue un tanto indiferente, pero fue darle un poco de tiempo y unas cuantas escuchas para caer rendida. Desde ese entonces no los he dejado de escuchar, amo con frenesí el dvd Live in the real world y "lloré" como niña cuando Lori Linstruth, Arjen Lucassen (guitarras) y Alejandro Millán (piano) dejaron la banda. Pensé que era el fin de Stream of Passion y dudé mucho que el disco nuevo fuera tan bueno. Y es verdad, no es tan bueno, es muchísimo mejor.

Usualmente mis post sobre discos tienen una estructura similar, y este sería el momento de comentar cuáles temas en particular me gustaron más y cuáles no tanto. En el caso en cuestión es imposible. De los trece temas que componen The flame within no hay ni uno que me desagrade o me deje indiferente. Ok, tratando de seleccionar algunos pudiera mencionar la bella y poderosa balada Run away, la melancólica When you hurt me the most o el fantástico inicio que es The art of loss. Ah, y la potencial "headbanging" que es Games we play. Marcela Bovio suena sublime, más afinada que nunca, pone los pelos de punta escucharla, en serio. Como dirían los españoles "se borda" todos los temas. Es de verdad perfecta. Y la odio por ello, por ahora hacerme sentir que debo ver a Stream of passion en directo a como dé lugar.

De verdad no hay palabras suficientes para alabar este disco, esta "llama interna" que para mi ha elevado a Stream of Passion a lo más alto, o al menos, para no ser tan hiperbólica, a demostrar que son capaces no sólo de mantener el nivel, sino de superarse cuando ya eran suficientemente buenos. ¡Caramba! Que no tienen a Arjen Lucassen, y suenan mejor que cuando él estaba. Pocas bandas pueden decir algo similar (y esto es precisamente lo que critiqué de April rain de Delain).

A estas alturas ya supondrán que 10/10 es la calificación que a mi juicio merece este discazo, e incluso siento que me quedo corta ¡Coño! Es tan perfecto que hasta los voice overs suenan bien. Haré lo posible por conseguirlo original, siento que se lo merece (y me lo merezco :P ).

Tracklist

1. The art of loss.
2. In the end.

3. Now or never.
4. When you hurt me the most.
5. Run away.
6. Games we play.
7. The endless night.
8. My leader.
9. Burn my pain.
10. Let me in.
11. Street Spirit.
12. A part of you.
13. All I know.

Y para quien esté interesado, Myspace de Stream of Passion.

Temblor de Miranda 4/5/2009: Anécdota musical

2009-05-04T13:48:00.015-04:30

... Y no, no soy tan evidente como para mencionar a Soda Stereo justo en las circunstancias del temblor que hoy en la madrugada puso a gran parte del país en vilo. Originalmente la idea de este blog es hablar de música de una manera muy ligera, pero me parece útil por un lado mantener informada a la comarca que lea este humilde blogcito, y por otro compartir con ustedes una mini anécdota sísmico-musical que no pudo menos que impresionarme.

Para la información del sismo de 5,4 en la escala de Richter que a las 4:45 de la madrugada se produjo en el país, con epicentro a 17 km al sur de Los Teques, capital del estado Miranda, pueden revisar aquí y acá. En cuanto a la anécdota, pues que soy una melómana a niveles enfermizos, y siempre dejo abierto mi Foobar reproduciendo en shuffle. Me cuesta horrores dormirme si no hay música sonando, y si por desgracia me despierto en la noche me cuesta conciliar el sueño si reina un silencio absoluto. Así que el Foobar queda prendido, engordando mi perfil de Last.fm, y aguardando a alguna eventualidad... que se dio esta madrugada.

Confundida por el sopor del sueño, el vaivén de mi cama, el batirse de las puertas y, hay que admitirlo, un poco de temor (que con los minutos se vio acrecentado porque entró una mariposa negra de esas que miden como medio metro y que a mi me dan verdadero pavor), logré salir del cuarto al de mis papás y ver qué haríamos. Al regresar a mi habitación fui corriendo a mi pc, siempre fiel, a buscar información vía Google o Plurk (increíble que en Plurk había información y que la página de Funvisis estuviera caída), y presté atención a la música que sonaba, y que es la que me gustaría compartir con ustedes: En medio de un temblor, donde de ser más fuerte capaz y una viga me despanzurra la cocorota y no lo cuento ¡Sonaba Six feet down below de Entwine!

Me parece más que pavoso que en medio de una situación de riesgo suene una canción cuyo título sea el equivalente a la expresión en español "tres metros bajo tierra". Claro, en el momento no me di cuenta y ni caso le hice. Fue acá en mi oficina donde curioseando mi perfil de Last.fm me di cuenta de que esa fue la última canción escuchada.

Me gusta muchísimo Entwine, adoro esa canción, pero no quisiera escucharla en un buen rato... bueno, no tanto. Acá comparto el temita en cuestión... menos mal que hace tiempo quemé mi música de Soda Stereo, que si sonaba Cuando pase el temblor me iba a cagar en mi y en todos mis muertos. :P

Un fuera de época: Alessandro Moreschi, el último castrado

2009-04-30T23:57:00.008-04:30

En una interesante conversación de fin de semana, si mal no recuerdo mientras veía la Fórmula 1, conocí a la simpática y nefasta soprano norteamericana Florence Jenkins (la Del Pino y Lamas del mundo de la ópera... si no sacaba ese comentario intenso y letrado no sería yo, por cierto :P ). Por alguna extraña asociación mental, al escuchar sus berridos destemplados recordé la voz de un pobre hombre quien ha pasado a la historia de la música como el último superviviente de un timbre vocal hoy extinto: el castrado, voz "artificial" lograda al extirpar los testículos de los niños aún no desarrollados, a fin de conservar su voz aguda y aumentar su potencia y registro de acuerdo a las características físicas de la caja torácica masculina.

Alessandro Moreschi fue un cantante italiano nacido en Roma en 1858. Para esa época la Iglesia Católica, en un acto de humanidad que bien puede catalogarse hipócrita (pues fue la misma Iglesia quien "creó" el monstruo del cantante castrado al considerar pecaminosa la voz femenina y promover estas operaciones quirúrgicas a los niños impúberes, generalmente de los más bajos estratos sociales), había prohibido las castraciones. O mejor dicho, fue una especie de concesión al poder civil impuesto en Italia hacia 1870. Sin embargo, por un juego del destino, Alessandro Moreschi tuvo que ser sometido a la extirpación de sus testículos en 1865, para curarlo de una hernia inguinal según la costumbre de la época. Digamos que Moreschi pasó a la historia por culpa de cinco años de adelanto al decreto de prohibición. Un fuera de época literalmente.

Como su familia era muy pobre y numerosa, Alessandro Moreschi siguió el destino de todo niño italiano del siglo XIX, pasar a la tutela de un maestro de música, en este caso Gaetano Capocci, organista y compositor de música de iglesia. Era el año 1871... tarde, muy tarde para obtener una óptima formación musical acorde con su tipo de voz. Los maestros de canto especializados en la técnica vocal de los castrados habían desaparecido junto a la práctica de esta operación. Además el último castrado famoso, apellidado Velutti, había abandonado las tablas treinta años atrás, y poco se conservaba teórica y prácticamente de la técnica de estos fenómenos (quirúrgicos) de la naturaleza. En consecuencia, de nuevo Moreschi llegó tarde...

¿Cómo Alessandro Moreschi ingresó en 1883 al coro de la Capilla Sixtina estando prohibido el uso de cantantes castrados? Sencillo. Logró encontrar un "vacío legal" pues su operación fue antes del decreto. Fuera de época, pero con suerte. La misma suerte que le permitió registrar su voz en 1902 en una grabación sonora, rarísima, de una calidad muy pobre pero indispensable para todo el amante del canto lírico. Honestamente, no poseía una voz agradable ni hermosa. Y siendo más sincera todavía, oírlo me causó una desagradable sensación.

A veces soy muy impresionable, y tras haber leído mucho sobre la vida de estos cantantes, amar con locura la película Farinelli, y obsesionarme con la idea de cómo sonarían sus voces de verdad (siendo lo más cercano a ese registro los contratenores actuales), escuchar la casi fantasmagórica voz de castrado soprano de Moreschi me puso los pelos de punta. Siendo justa, puede culparse por un lado a la precaria calidad de audio de la grabación, a la pobre formación musical con que contó Alessandro y al repertorio religioso que interpretaba (la voz de castrado era ideal para el repertorio barroco, por su agilidad, extensión y florituras)... sí, repertorio que muestra una vez más como este hombre estuvo siempre un paso atrás en el tiempo... o adelante... ya ni sé.

Me había prometido una reseña muy corta, y vean lo que me ha salido. Sin más, una pequeña muestra del arte de Alessandro Moreschi:

Y como comentario al margen, qué maravilloso trabajo de musicología e ingeniería de sonido hicieron para recrear de manera artificial la voz de los castrados en Farinelli:

Fuentes:

http://kishimotoandres.blogspot.com/2005/12/alessandro-moreschi-el-ltimo.html

http://www.filomusica.com/filo23/jenri.html

http://www.lamaquinadeltiempo.com/algode/castrati.htm

Un nuevo polo: The Gathering-The West Pole (2009)

2009-04-26T15:31:00.007-04:30

Tras haber adorado con pasión Air y Pure Air, de Agua de Annike y Anneke van Gierbergen respectivamente, pocas ganas tenía de escuchar el lanzamiento del 2009 de The Gathering, banda a la que llegué de manera tardía y de la que me lamento no haberle hecho un seguimiento desde muchos años atrás. Aunque no lo crean, nunca escuché Home, por lo que tengo entendido se trata de un disco bastante decepcionante para los seguidores más fieles de la banda. Mi razonamiento con The West Pole, pues, fue bastante básico: si el último disco de The Gathering con Anneke no fue bueno, un primer disco sin ella tendría que ser poco menos que un bodrio. Por suerte me equivoqué.

Cuando conseguí el cd y me propuse a bajarlo mi primera gran duda fue la siguiente: ¿Quién diantres es Silje Wergeland? La honestidad ante todo, no conocía a Octavia Sperati, y mucho menos me imaginaba que su ex vocalista, ahora frontwoman de los holandeses, fuera una cantante tan buena, con un timbre de voz tan delicado, tan dulce y además tan afín al de la mismísima Anneke. Una vez que abrí mi Foobar y reproduje el cd no pude evitar poner cara de lela perdida: la pieza instrumental con que abre el disco, When trust become sound, es un tema ágil, dinámico, muy al estilo de Mandylion o Nighttime birds. Pero, terca como soy, me dije "Bah, buenos músicos siempre lo serán, ahora veamos qué torta ponen cuando la cantante abra la boca". Sin embargo, fue escuchar a Silje en un tema lindísimo como Treasure y tener que darme con una piedra en los dientes por mi mala fe.

A lo largo de The West Pole podemos encontrarnos con el sonido atmosférico que ha caracterizado a The Gathering, quizás con algo menos de fuerza, pero créanme, nada, nada tiene que ver con Silje. En serio, qué grata sorpresa fue ella para mi, en especial si se la compara con desastres como la escogencia de Aylin en Sirenia o para algunos la de Annette Olzon en Nightwish (aunque a mi me gusta mucho esta cantante sueca).

En general es un disco bastante tranquilo, muy agradable, y con temas que son realmente hermosos. You promised me a symphony es una de las baladas más bonitas que he escuchado en los últimos tiempos. La belleza de la interpretación de Silje me pone los vellos de punta, nada tiene que envidiarle a Anneke (aunque morbosamente me ha dado por imaginar cómo quedaría esta canción en voz de la ex The Gathering). Una melodía sencilla, un acompañamiento de piano y una voz a punto de quebrarse es todo lo que conforma a este tema. Sencillamente precioso. Y tras él, una de las mejores canciones del cd, en la que colabora Marcela Bovio, ex Elfonía y vocalista de Stream of Passion... siguiendo con la sinceridad, no sabía que colaboraba en este tema, y tras escuchar la canción varias veces me pregunto si estoy sorda, pues no me explico cómo no la identifiqué haciendo las segundas voces.

Una grata, gratísima sorpresa. The West Pole me parece un excelente regreso al ruedo por parte de The Gathering, y me alegra que así sea. Siempre extrañaré la dupla The Gathering + Anneke van Gierbergen, pero mientras tanto disfruto al doble: dos grandes artistas, dos grandes discos, mayor diversión para mi. 7,5/10.

PD: ¿No les parece hermosa la portada? ;)

Tracklist

1. When trust becomes sound.
2. Treasure.
3. All you are.
4. The West Pole.
5. No bird call.
6. Capital of Nowhere.
7. You promised me a symphony.

8. Pale traces.
9. No one spoke.
10. A constant run.

Myspace de la banda.

El dengue musical: El zancudo loco, de Los Rebeldes del Swing

2009-04-10T10:38:00.005-04:30

Si usas el Metro u otro transporte público (esas mis queridas camioneticas) y tienes la "dicha" de que un animal con cédula y un celular último modelo escuche su música sin audífonos, o si enciendes por un momento la radio, y mientras eso pasa sientes que la cabeza te da vueltas, que te duelen los ojos, que sudas frío y estás a punto de desmayarte y, resumiendo, que tienes ya un pie en el otro mundo, es porque has sido contagiado de dengue musical. Y no se trata del temido Aedes Aegipti, no, no, no... has sido picado por el Zancudo loco, creado in vitro en un estudio de grabación por una cuerda de mamarrachos como Los Rebeldes del Swing... sean quienes sean estos fulanos.

Con la categoría de "merengue campesino andino" se propaga esta enfermedad que pica y se extiende ¿Cuál es su medio de transmisión? Radios, ringtones, transportistas públicos, compañeros de oficina... está ya en todos lados, y amenaza con volverse una epidemia ¿Cómo se incuba y/o cultiva? Vía Bluetooth, principalmente, ¿o me van a decir que no tienen a un compañero al lado de tu cubículo que te ha ofrecido a ti o a otros vecinos "pasarte el zancudo loco por blutú?

Pero lo más importante ¿De dónde viene esta terrible enfermedad? Pues, pues... no tengo ni la más remota idea. Al parecer Los Rebeldes del Swing (creadores del insecto) son una agrupación del estado Barinas, y creyeron que mezclar una letra jocosa (realmente es estúpida, pero siempre hay que ser eufemístico) con un ritmo de merengue aderezado con los típicos violines desafinados de Los Andes del país (muy lindos en su versión más tradicional) sería una fórmula ganadora... por desgracia de nuestros oídos, lo fue.

El dengue musical se ha degenerado y mutado. Propagandas de gobierno (¡siempre tan autóctono el chavismo!) se han apropiado del ritmito del zancudo, y presentaciones de programas de radio hacen lo propio (Y doy fe de ello por si lo dudan. De lunes a viernes en Metropolitana 97.1 FM, emisora de Los Teques el programa Alta presión abre con una versión del zancudo adaptada a la temática del show radial, denuncias vecinales y de tránsito). Al parecer la enfermedad del zancudo es endémica y, por los momentos, incurable.

Y como yo ya estoy contagiada del dengue musical, y en el fondo soy una resentida y rencorosa y, como los leprosos de la Edad Media, quiero vengarme de mi enfermedad compartiéndola, acá va el condenado Zancudo loco. Disfruten de su malestar febril.

¿Culpable? Letzte Instanz-Schuldig (2009)

2009-04-09T10:13:00.006-04:30

A veces me pregunto, de manera muy enferma y psicópata, qué sería de mi vida sin Internet. Sin entrar en demasiados detalles autobiógráficos, una de las cosas que más le agradezco a la web 2.0 es el permitirme descubrir música de muy distintos estilos, nacionalidades y épocas. El artista y el disco que hoy nos ocupan son unos alemanes que cuentan ya con trece años de carrera y que para mi hasta hace nada eran unos completos desconocidos: Letzte Instanz, con su lanzamiento del 2009, Schuldig.

Documentándome para redactar esta reseña leí lo siguiente: "Letzte Instanz es una banda alemana de Dresden que combina elementos del rock medieval con el metal". Como licensiosa letrera (er, licenciada en Letras) no puede evitar pensar al leer esta frase en un montón de juglares con túnicas rasgadas reventando laúdes contra el suelo al mejor estilo de The Who. Pero ya en un plano "serio", creo que debo escuchar anteriores lanzamientos de este grupo, porque honestamente yo no noté nada "medieval" en el maravilloso disco que es Schuldig (¿A que pensaron que lo criticaría eh?).

De la mano del sello Drakkar hace un par de meses, si no me equivoco, salió a la calle (y a la web) Schuldig (Culpa), el noveno álbum de Letzte Instaz (¡Noveno! Y yo sin saber de su existencia). He de decir que pocos discos me han atrapado a la primera escucha, o mejor dicho, que me atrapan y no me sueltan (porque cientos de discos me han encantado la primera vez y al oírlos de nuevo se me caen hasta el punto de borrarlos de mi computadora); tal es el caso de éste. Honestamente no les veo lo medieval por ningún lado, de hecho cuando me hice con Schuldig pensé que me encontraría con otros Haggard, lo cual me descorazonaba un poco (Haggard son de mis grandes y pensé que Letzte Instanz sonarían a una versión flojita de ellos).

De Schuldig me fascina su sonido gótico clásico, sin contrastes vocales a lo grunts + voz operística (de los que tanto amo pero de los que también tanto se ha abusado), la inteligente combinación de sonidos crudos con teclados y cuerdas (violines y cellos, interpretados por M. Stolz y B. Cellini respectivamente... supongo que ello será lo "medieval" que les achacan) y la envolvente, cálida y preciosa voz de Holly, me parece que es un vocalista maravilloso, de gran expresividad y muchos matices, con un toque grave y melancólico, quizás por ello me suenan más góticos que otra cosa (no sé cómo habrán sido los anteriores cantantes del grupo, pero este en particular me encanta).

En serio, puede que esté rebuznando terriblemente con esta reseña, y que quienes conozcan a la banda me digan que cómo se me ocurre cuestionar su carácter medieval, pero en serio, yo al menos en este disco, que es el único que he oído, no se lo noto. Incluso, en canciones como Vollmod le hacen un guiño a sonidos electrónicos, mientras Feuer hasta industrial suena, al igual que Komm. Para mi una de las canciones que mejor combina lo electrónico-industrial con lo que quizás pudiera llamarse medieval y que a mi juicio no es tal es Der Garten, en la que colabora la cantante turca Aylin Aslim. Mención aparte tiene el tercer tema del disco, Flucht ins glueck, mi favorito con diferencia. Suena tan a gótico ochentero aderezado con instrumentos de cuerdas que me resulta imposible no escucharlo al menos cinco veces diarias (Sí lo sé, soy una enfermita en estas cosas).

¿Culpable de no haber conocido antes a esta maravillosa banda? Pues sí, y vaya que parece un juego del destino que así se titule el disco con el que los descubro. Como sea, espero redimirme con el 8,5/10 que creo que merece Schuldig. Prometo buscar más discos de ellos y averiguar qué es lo medieval que "asigún" los caracteriza.

Tracklist
1. Mea culpa.
2. Mein engel.
3. Flucht ins glueck.
4. Eisherz.
5. Traumlos.
6. Dein licht.
7. Die eine.
8. Vollmond.
9. Feuer.
10. Mein leben.
11. Der garten (feat. Aylin Aslim).
12. Komm!
13. Finsternis.
14. Wann.

Y acá su Myspace.

Llovizna, que no lluvia: Delain-April rain (2009)

2009-04-02T21:55:00.012-04:30

Pareciera que lo hubiera hecho a propósito: desaparecer por un par de semanas del blog para reseñar un disco que, si bien salió al público el pasado mes de marzo, tiene en su título el nombre del mes en el cual reaparezco.

Divagaciones aparte, el tema que nos ocupa es el lanzamiento del segundo disco de los holandeses de Delain, proyecto de Martijn Westerholt, ex miembro de Within Temptation y hermano menor del fundador de la banda, Robert (y en consecuencia, cuñado de Sharon den Adel, pero esos ya son chismorreos innecesarios). Este segundo disco de Delain los consolida como banda más allá del maravilloso proyecto que es Lucidity, álbum del 2006 reunió a la hasta entonces desconocida Charlotte Wessels con músicos tan importantes como la cuñad... er, Sharon den Adel ( :P ), Liv Kristine (ex Theatre of Tragedy, Leave's eyes), Marco Hietala (Nightwish), George Oosterhoek (ex Orphanage) y Ad Sluijter (Epica), entre otros.

Con April rain Delain se encuentra ante el compromiso y la responsabilidad de demostrar que son una banda consolidada y con posibilidad de mantenerse estables en el de un tiempo para acá sobresaturado microcosmos de las female fronted bands. Y acá, en el momento en que me toca dar una opinión o un juicio, me encuentra ante una disyuntiva: sí, Delain regresó, suenan bien sin las colaboraciones, tienen un sonido propio y definitivamente ya puede hablarse de ellos como banda... pero eso no es suficiente para dejar de ser buenos y empezar a ser grandes. No se trata para nada de un disco deficiente, pero tampoco de uno notable.

Para mi la tara más grande de April rain es, con el perdón de quienes la amen con locura, la voz de Charlotte. Es muy dulce, muy linda, bastante agradable, pero me resulta particularmente monótona, empalagosa y carente de matices. No digo que en este género todas tengan que ser Tarjas o Vibekes, si a ver vamos, Liv Kristine tiene una mini-voz, pero hace milagros con esa vocecita. Charlotte no llega a emocionarme sino en pocos momentos. Y no creo que se trate de que haya decaído en comparación con los temas de Lucidity, sino que la muchacha tiene esta vez el compromiso de sostener por sí sola los 11 temas del disco, mientras en la anterior placa de la banda o bien cantaba junto a otros artistas o simplemente los temas corrían a mano de los colaboradores (tal es el caso de No compliance, en la que se cumplió mi sueño de escuchar juntos a Sharon y Marco).

En cuando a lo musical, April rain es muy buen disco, y se nota que Martijn tiene un concepto claro de lo que Delain es o puede llegar a ser como grupo. No obstante, hay temas realmente monótonos, algunos casi poperos. On the other side es realmente infumable. Por otro lado, temas como Go away suenan demasiado a su anterior disco, que no está mal, pero me hubiera gustado escuchar algo diferente. Aunque es comprensible, insisto, se trata de la consolidación de Delain y asumo que Martijn buscó crear un sonido distintivo. Lo peligroso de ello es que ese sonido se convierta en el único existente en la banda, y de pasar, es corta la vida que le auguro al grupo. Muy buenos temas son Start swimming (adorable ciertamente, donde Charlotte más transmite y con un bello solo de violoncello) e Invidia.

Mención aparte para mi es el tema Control the storm, en el cual Charlotte canta junto a Marco Hietala. A veces me da por imaginar cosas raras y cuando Tarja fue despedida de Nightwish pensé que bien pudieran haberse ahorrado la búsqueda de una vocalista y dejar a Marco de solista. Me parece que es un cantante genial y que todo lo que toca lo vuelve oro. Esta canción es adictiva, debo escucharla todos los días. Maravillosa, al igual que The gathering, dueto de Charlotte y Marco en el disco del 2006. Nothing left, también con el bajista finés, es un temazo... es que Marco es mucho Marco. <3

Veredicto final: 6/10 para April rain. Esperemos que para futuros lanzamientos puedan subir el nivel y no quedar como otra banda con vocalista femenina más.

Tracklist

1. April rain
2. Stay forever
3. Invidia
4. Control the storm (feat. Marco Hietala)
5. On the other side
6. Virtue and vice
7. Go away
8. Start swimming
9. Lost
10. I'll reach you
11. Nothing left (feat. Marco Hietala)

Myspace de Delain para los curiosos.

Psychostatus-Chains of life (2009)

2009-03-15T10:57:00.009-04:30

Seguramente el nombre de Greg Murani no les diga mucho a ustedes, honestamente hasta hace un par de semanas a mi tampoco, y mucho menos me decía Psychostatus, proyecto musical de este norteamericano que descubrí gracias a Rockbox, nueva fuente de mucha y muy buena música.

No es mucho lo que he averiguado de Murani: es un artista norteamericano quien durante cuatro años estuvo componiendo y grabando lo que sería el segundo disco de su proyecto musical, recién salido del horno en marzo del año en curso: Chains of life. Yo pensaba al escuchar el disco que se trataba de un proyecto de varios artistas, en parte por lo bien que suenan todos los instrumentos, tal cual un buen ensamble de metal progresivo instrumental. Pero revisando por allí leí que Greg Murani interpreta tanto la guitarra como el resto de los instrumentos, y en el caso de la batería fue programada por él mismo. Todo un hombre orquesta, vamos.

Soy una amante del metal progresivo, y de un tiempo para acá estoy disfrutando mucho del progresivo instrumental tipo JT Bruce, Blotted Science, Animations y otros más que he descubierto recientemente gracias a colaboradores y amigos :P En fin, que al bajar Chains of life esperé conseguirme con un buen disco, pero no con un gran disco, y por suerte este fue el caso. La calidad compositiva de las piezas es altísima, y la interpretación de los instrumentos es impecable y virtuosa a más no poder.

Me agrada porque no es el típico disco instrumental atmosférico sino que es bastante pesadito y a la vez ágil y veloz. Sus doce temas son muy dinámicos, y es imposible mantenerse impasible ante el derroche interpretativo de Murani. Es pronto para escoger un tema favorito, debo escuchar más el cd, pero la canción que da nombre al disco bastó para atraparme.

Descubrimiento altamente recomendable, 9/10 para Greg Murani y su Psychostatus, esperemos que sepa mantener el nivel en futuras producciones. De hacerlo creo que pudiera llegar a volverse un artista de culto.

Si quieren escuchar algo de Psychostatus revisen su Myspace, y si les interesa descargarlo, he aquí el link de Rockbox.

Tracklist

1. Chains Of Life
2. Storm The Gates
3. The Nightmare Resolved
4. Freedom
5. Abruption
6. Termination
7. Farewell To Peace
8. The Nightmare Reality
9. Section 19
10. Thrill Of Victory
11. Angel Eyes
12. The Nightmare Revisited (Original Cut)

Scream for me Caracas: Iron Maiden en Venezuela, 5/3/2009

2009-03-14T15:12:00.005-04:30

Tras varios días de ausencia en el blog regreso más que con una reseña con una serie de reflexiones acerca de lo que, hasta la fecha, es una de las experiencias más brutales de mi vida: Haber visto a Dios encarnado en Bruce Dickinson, Steve Harris, Nicko McBrain, Janick Gerz, Adrian Smith y Dave Murray. Incomparable. Lamento no haber escrito el post a tiempo, pero tenía que esperar a que reposaran un poco las emociones (y, lo admito, librarme de la pereza que me da a veces) para poder ser lo más objetiva dentro de la subjetividad que implica haber visto en concierto a la banda con la que había soñado desde que tenía uso de razón.

En primer lugar, y muy muy personal, agradezco la compañía que tuve en el concierto, bien saben que un show de tamaño calibre y de tan alta carga emocional no hubiera sido lo mismo sin ustedes (y saben bien que es así bichines)... Pasado el momento emocional, lo primero es denostar la PÉSIMA organización que del show hizo la nunca lo suficientemente criticada Evenpro. Ese cambio de locación del Estadio Universitario al estacionamiento del Poliedro 4 ó 5 días antes del show demuestra una vez más la falta de seriedad y de logística de esta compañía. No digo que el estadio haya sido la mejor opción, pero a lo mejor no hubiera pasado lo que todos los que compramos entradas VIP lamentamos: el culto al vivalapepismo criollo.

Ok es verdad, cuando vi a Dream Theater en el 2005 en el Poliedro también me pasé de la zona general a la VIP, no tengo moral para criticarlo, pero no por eso dejo de admitir que es realmente injusto con los que pagamos 450 bs y a la vez super peligroso ¿Qué hubiera pasado si alguien se caía mientras tumbaban la barrera y ese montón de gente le pasaba por encima? De verdad, un espectáculo lamentable el que Evenpro dio una vez más.

Curiosidad 1: La cola era tan descomunal que había personas que cobraban 20 bs para dejarte pasar. Mis amigos y yo pagamos y el gordito que nos hizo la transacción le dio una parte de la plata a un guardia y pasamos. Insisto, no me enorgullezco, pero que sirva de ejemplo y muestra de la caca de organización del show. Lo que pienso ahora es que, el recontra congo de su madre: ¿Pagué en total 470 para ni llegar a primera fila y haber sido embarazada sin quererlo por toda la marabunta que se me encimó? Me lleve el chanfle.

Ahora sí, entremos en materia. Lauren Harris como telonera, aunque parezca mentira, ha mejorado muchísimo desde que la vi por primera vez como artista de soporte de Within Temptation en Madrid en el 2007... lo que no quita que, a mi juicio, Lauren viva más del apellido del papá. Sus músicos son buenos, su guitarrista no es para nada malo, pero su música es un pop rock disfrazado de hard rock con una voz melosa y fea.

Curiosidad 2: Antes de que Lauren se montara en tarima un inglés, supongo que del crew de Maiden, se puso a predicar a favor de la paz y la no violencia, que viéramos el concierto tranquilos, que disfrutáramos de la música y tal... me pregunto si lo habrán sacado para que nadie le lanzara nada a la pobre mujer como le pasó en México, jejeje.

A las 8:10 pm más o menos se encendieron las pantallas y transmitieron un genial video al que los presentes aplaudimos como si se tratara de la banda en vivo (admito haber llorado cuando vi las imágenes del Ed Force One, jajaja). Cuando escuché los acordes de Aces High pensé que moriría, y no sólo por la emoción: en mi vida me había agarrado una olla tan salvaje como esa. La calidad del sonido fue impecable, aunque un poco bajo, pero el hecho de tener a 10 metros de distancia a Bruce Dickinson hizo que todas las penurias valieran la pena. ¡Qué voz! ¡Qué presencia escénica! ¡Qué agilidad! ¡Qué dominio de masas! Por algo es el mejor vocalista de metal de todos los tiempos y lo digo sin medias tintas. Y ver a Harris, el cerebro detrás de la bestia, apuntando al público con el bajo... de verdad, una de las cosas más impresionantes de mi vida.

Para mi un momento impresionante del show fue escuchar The rhyme of the ancient mariner, uno de mis temas favoritos y que nunca pensé escucharía en concierto. En esta canción en particular se notó los muchos poseros y chacaiteros que había en el show: en ese intermedio maravilloso, con el sonido del barco, se veía a la gente distraída a más no poder, o al menos por el lado donde me encontraba.

Curiosidades 3 y 4: Soy una licenciada en Letras de lo más intensa y nerd, y cuando Dickinson preguntó "Do you like the english poets?" no sólo identifiqué la canción sino que me emocioné y decía "Sí, sí, el poema de Coleridge, lo he leído, te amo Bruce". Ah, y lo que decía del intermedio y la ignorancia ajena, en ese momento aprovecharon los vendedores de luces de comerciar con ganya y gritaban "La marihuana, las luces, la marihuana, las luces" en un momento sublime como ese. Estuve apunto de lanzármele encima al vendedor y caerle a patadas.

Sería imposible, o en realidad largo y cansón de escribir y leer, reseñar todas las canciones del show, así que les copio el set list y comento al margen. A mi juicio, un 10/10 para estos dioses, y un 20 para Dickinson, quien me hizo dejar la garganta en cada "Scream for me Caracas". Un poco corto quizás, para mi hubiera sido perfecto si tocaban Be quick or be dead, Can I play with madness o Running free, pero no puede tenerse todo en la vida. Vi a Eddie darse un bambolazo en escena ¿qué más puedo pedir?

Setlist:

Aces high (Gritos destemplados cual fan de menudo)
Wrathchild (Empecé a ahogarme en la olla, pero no dejé de saltar)
2 minutes to midnight (Ya me había echado para atrás y más calmada empecé a cantar a todo gañote)
Children of the damned (Qué puto temazo, cómo suena en directo)
Phantom of the opera (Primera sorpresa para mi, casi me derrito con lo bien que suena Bruce. De paso con esta canción me enamoré de Maiden hace años luz)
The trooper (¿Fue en esta que Dickinson salió uniformado? No recuerdo ya, pero da igual, una interpretación impecable de esos seis dioses)
Wasted years (Una de mis favoritas desde que tengo uso de razón, momento épico como ninguno)
Rime of the ancient mariner (Ya bien explicado arriba)
Powerslave (Genial Bruce con la máscara de Anubis, y genial voz)
Run to the hills (La amiga con que estaba estaba al borde del llanto. Yo no dejaba de saltar)
Fear of the dark (todo el Poliedro unido cantando, fue un momento sublime)
Hallowed be thy name (Siempre pensé que había algo de retoque en los discos, pero no, Dickinson sí hace esa nota larguísima, impresionante, el puto amo)
Iron Maiden (Saltos, gritos, cantos, y momento de niña loca en el solo de bajo: "Harris, dame un hijo", qué vergüenza).
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The number of the beast (Nunca había escuchado mejor la intro de Vincent Price, jajaja. Y nunca había escuchado algo tan escalofriantemente bueno en mi vida)
The evil that men do (Uno de mis temas favoritos de todos los tiempos. Canté tan duro que un tipo que tenía delante me dijo "Tienes buena garganta", otro momento embarazoso)
Sanctuary (Siempre me deja un sabor agridulce esta canción. Me encanta, pero sé que con ella viene el fin. Hubiera preferido que cerraran con Running free)

Fotografía tomada de El mundo del Rock'n Roll

Si les interesa un buen collage fotográfico pueden descargarlo acá. Tomado de Foros Cantv

Engendrando mentiras: My Dying Bride-For lies I sire (2009)

2009-02-26T13:39:00.012-04:30

Mentiría si dijera que soy una experta en doom metal. Me encantan ciertas bandas, soy capaz de pasarme horas escuchando doom (y agardeciendo que no hay barbitúricos en mi habitación xD ), pero creo que no puedo hablar con absolutísima propiedad sobre este género. ¿Por qué hago esta aclaratoria? Porque desde el 23 de febrero he leído muy diversas críticas sobre el disco más esperado por mi este año: For lies I sire, de los ingleses de My Dying Bride.

Llegué a desarrollar una obsesión tal por el lanzamiento del disco que todos los días revisaba cuanto tracker público o privado existía para ver si se filtraba (creo que a alguien por allí debo haberlo tenido histérico preguntándole todos los días cuándo diantres saldría el disco). Estuve durante casi dos meses escuchando de manera ininterrumpida discos como The angel and the dark river, Turn loose the swans, 34.788%... complete, Songs of darkness, words of light o el tan denostado A line of deathless kings, la placa de 2006 que antecedió a For lies I sire y con el que, evidentemente, todos están comparando al nuevo lanzamiento de estos ya no tan chicos de Yorkshire.

¿Qué hacía que todos los seguidores de My Dying Bride, entre quienes me incluyo, deseara con ansias el lanzamiento de For lies I sire? El retorno de los violines al sonido de la banda, no ya de la mano de Martin Powell sino de Katie Stone, nuevo "fichaje" del grupo. Gracias a estos violines, duélale a quien le duela y ódieme cuanto detractor llegue a leer estas ideas sueltas, me parece que el disco se asemeja a Turn loose the swans. La voz de Aaron Stainthorpe sigue intacta, hermosa en su desgarro, transmitiendo ese sentimiento de profunda depresión y melancolía que a mi juicio emana de Turn loose the swans... pero no me llamo a engaño. For lies I sire dista mucho de ser un Turn loose the swans o de ser el mejor disco de la banda. A mi entender lo que pasa con este grupo es que en líneas generales han sabido mantener el nivel álbum tras álbum, y creo que no han decepcionado de una manera profunda con algún disco en específico, cosa que le ocurre a tantísimas bandas, quienes al menos de uno de sus discos se avergûenzan.

Ahora. alguien que siga a la banda puede preguntar ¿Cómo que no hay decepción cuando My Dying Bride sacó A line of deathless kings que es caquita? Pues bien, he aquí mi subjetividad: a mi me gusta este disco, a pesar de que algunos fraseos y riffs pueden sonar hasta nu-metaleros (simpre según mi critero subjetivisimo). Como sea, me parece que For lies I sire sin ser el mejor disco de My Dying Bride es uno muy bueno, y bastante mejor que su predecesor. Nunca dejará de causarme gracia que, se trate de este o cualquier otro grupo, la gente que odiaba su anterior lanzamiento son los primeros en defenderlo y compararlo con la porquería del nuevo disco.

Temas destacables: My body, a funeral, con una atmósfera muy doom al estilo de más antiguos discos de la agrupación, Sanctuario di sangue, uno de los temas más melancólicos y pesados de todo el disco, de altísima calidad y de dominio vocal de Aaron Stanthorpe, Bring me victory y A chapter in loathing, temas inusitadamente cortos, pero muy buenos. El único tema que de verdad me decepciona, no por malo sino por monótono, es ShadowHaunt (Actualización: acabo de darle la enésima escucha al disco y me detuve en ShadowHaunt ¿Cómo dije que era monótona. O me terminó de atrapar o no la recordaba al momento de escribir la reseña, pero ahora está entre mis favoritas, jajaja)

For lies I sire, un disco difícil de escuchar la primera vez pero que te va enganchando poco a poco; los invito a darle una oportunidad. Un dignísimo 7,5/10.

Tracklist

1. My Body, A Funeral.
2. Fall With Me.
3. The Lies I Sire.
4. Bring Me Victory.
5. Echoes From A Hollow Soul.
6. ShadowHaunt.
7. Santuario Di Sangue.
8. A Chapter in Loathing.
9. Death Triumphant.

Myspace de My Dying Bride.

Un respirito con Anneke van Giersbergen: Pure air (2009)

2009-02-20T22:10:00.010-04:30

Uno de mis más antiguos post, antes del abandono al que sometí a mi blogcito, era sobre uno de mis discos favoritos de una de mis bandas favoritas: The Gathering con Mandylyon. Mucho ha llovido desde ese entonces. Ya tuve mi momento de obsesión (el cual no ha pasado la verdad) con el precioso Air de Agua de Annique, proyecto musical de Anneke van Gierbergen, y por los vientos que soplan, una nueva manía se ha apoderado del soundtrack, el disco más reciente de esta adorable holandesa, Pure air.

He de admitir que hasta ahora no sé a qué se refiere la portada del cd cuando dice que es Anneke con Agua de Annique; hasta donde sé ésta es la banda-proyecto actual de la cantante holandesa, así que no sé qué diferencia exista entre Air y Pure air en cuanto a los músicos que apoyan a Anneke (prometo actualizar el post si lo averiguo). Sin embargo, si algo destaca de este disco, además de la siempre hermosa voz de Anneke (quien canta en su registro más dulce y sutil a lo largo del cd) es la calidad de las colaboraciones en ocho de los trece temas del cd.

Pure air se trata de un disco acústico con versiones de su álbum con Agua de Annique, así como de temas de otros artistas en los cuales colaboró en sus versiones originales (tal es el caso de, precsamente, dos de mis canciones favoritas, la cuasi mística Valley of the queens, del magnífico Into the electric castle de Ayreon, y la conmovedora Somewhere, de Within Temptation, en la cual colaboró en sendos conciertos en Eindhoven y Rotterdam que fueron registrados en el dvd Black symphony de mis holandeses favoritos. Huelga decir que para mi escuchar juntas a Sharon den Adel y a Anneke es una experiencia mística, por no decir una guarrería).

La idea de este post era hacer una pequeña reseña del álbum, pero como siempre, me he extendido. Como es tedioso explicar canción por canción mis impresiones (ya me tomé mi tiempo con mis más que evidentes canciones favoritas), me limito a copiar en tracklist y hacer algún que otro comentario.

En conclusión, un discazo, que ni me esperaba ni pensé que me gustaría tantísimo. 10/10.

1. The blower's daughter (feat. Danny Cavanagh de Anathema. Me gusta bastante, pero nunca he sido muy fan de Anathema).
2. Beautiful one (feat. Niels Geusebroek de Silkstone).
3. Wild flowers (una hermosura la voz de Anneke, parece que fuera a quebrarse en cualquier momento. Tema nuevecito de paquete, con una espléndida Anneke que está cantando mejor que nunca).
4. Day after yesterday (feat. Marike Jager).
5. Come wander with me (feat. Kyteman).
6. Valley of the queens (feat. Arjen Lucassen, Ayreon. Tengo duda sobre cómo colabora Lucassen acá ¿Con la guitarra? Prometo averiguarlo).
7. To catch a thief (feat. John Wetton de King Crimson and Asia. De mis favoritas, y después del de Sharon, a mi juicio el mejor dueto del cd).
8. Ironic (Peculiar cover de Alanis Morrisette).
9. What's the reason? (feat. Niels Geusebroek).
10. Yalin.
11. Somewhere (feat. Sharon den Adel de Within Temptation).
12. Witnesses (Creo que de los covers de Air es la única que carece de la emoción de su versión original).
13. The power of love (bonita, pero para mi la más floja del disco. Yo hubiera cerrado con Wild flowers).

Pueden ver el Myspace de mi Anneke acá.

Obituario: Adios a After Forever

2009-02-12T08:30:00.007-04:30

Como he mencionado antes, tengo ciertas obsesiones geográfico-musicales. Pues bien, Holanda es uno de esos países donde m gustaría vivir no importa si debajo de un puente, de limosnera, recoge latas o cualquier oficio humillante o comprometedor con tal de tener la esperanza de que un día quien me dé 1 euro para sobrevivir sea el mismísimo Arjen Anthony Lucassen.

En fin, que son pocas las bandas holandesas de metal que no me gusten, es más, son pocas las que no me lleven a niveles de obsesión insanos. Así que supondrán el estado de desazón que sentí al revisar la web de After Forever y enterarme de su inminente separación, tras 15 años de carrera artística, 5 discos e inclusive un amago de separación tras la partida del gran Mark Jansen (de quien alguna vez pensé que era hermano de Floor, jejeje) para fundar Epica junto a la preciosa y excelente cantante Simone Simons (la partida de Mark ya fue para mi un duro golpe en su momento).

Estoy consciente de la sobresaturación que hay en el panorama musical de female fronted bands, pero a mi juicio si había un grupo que siempre marcó pauta en su género éste era After Forever. Con un sonido mucho más metalero que lo alejaban del metal gótico convencional, un guitarrista con voz endemoniada y unos grunts bestiales (según Mark Jansen en el dvd de Epica We will take you with us -creo, no confíen mucho en mi memoria, él logra desarrollar su voz de grunt tras beber cantidades enormes de Chocomel-) y una vocalista que no tiene nada que envidiarle a ninguna cantante de ópera y cuyo registro va de lo más clásico a lo más "cañero" -como dicen en las Españas-, After Forever eran para mi una suerte de dioses absolutos.

Sin embargo, al césar lo que es del césar. Tras auténticas gemas como son sus dos primeros discos (Prison of desire, en donde participa mi favoritísima por sobre todas Sharon den Adel en Beyond me, y en el cual Floor debutó con tan sólo diecisiete años de edad, y Decipher) a mi juicio muy personal After Forever decayó tras la partida de Mark Jansen. Muchos adoran su disco conceptual Invisible circles; a mi en lo personal me resulta un tanto sensiblero y un bastante tedioso (aunque Floor haga gala de su vozarrón como nunca). Y, ódieme quien quiera hacerlo, Remagine me parece un disco bastante soso, por no decir cosas peores; para mi, lo peor de su carrera, empezando por su carátula, horrenda, sencillamente espantosa. Pero con su disco homónimo del 2007 sentí que After Forever había recuperado para siempre su vieja esencia y que era su mejor disco tras la partida de Mark Jansen. Temas como Transitory, De-energized, Withering time o Cry with a smile hacen de este disco una gema.

Y como la vida no me odia, sino que me aborrece y se ensaña contra mi, no le bastó con que Within Temptation no viniera a venezuela el año pasado, con que Anneke Van Giersbergen dejara The Gathering, o con que la propia Anneke fundara la maravillosa banda Agua de Annique a quien no veré pues su gira latinoamericana del 2009 no incluye mi país, etc, etc, etc, recibo el año con esta apestosa noticia.

Siguiendo mi costumbre, cerraré este post con un video que dirá mejor que yo lo grandes, lo verdaderamente grandes que fueron y seguirán siendo After Forever. Con ustedes LA VOZ de Floor Jansen en Monolith of doubt:

La canción del día: Emilie Autumn-Misery Loves Company

2009-02-08T07:56:00.008-04:30

Desde hace unos días he tenido ganas de postear una reseña, crítica, impresión o lo que sea sobre una de las artistas que más me ha impresionado en lo últimos meses, la (sorprendentemente) californiana Emilie Autumn. Sin embargo, no es demasiada la inspiración con la que me encuentro como para hacer un balance disco por disco o canción por canción de todas las cosas que me gustan de ella, y siento que tamaña artista merece más.

De verdad conozco muy poco del impacto que Emilie Autumn tenga en el mainstream norteamericano, dudo que lo tenga y que llegue a convertirse en fenómeno de masas (quiera Dios que no). Su estilo victoriandustrial, como la misma Emilie lo designa, no me parece que esté hecho para oídos fáciles... ni para oídos ajenos. Eso es lo que me encanta de Emilie, el carácter absolutamente personal de su música, lo que la vuelve una artista experimental y casi conceptual al mejor estilo de mujeres que creo marcaron la pauta (y salvando las distancias, por si alguien quiere ahorcarme por lo que diré) como la mismísima Siouxsie Sioux.

En fin, que de momento, y hasta que a mi mente le dé la gana de ponerse creativa, comentaré una de las canciones de Emilie Autumn que más me gusta y que, irónicamente, puede tener (si no es que lo tuvo en su momento) mayor punch comercial: Misery loves company, de su placa del 2006 Opheliac.

Misery loves company me parece que es una preciosa, irónica y desencantada canción de amor-desamor-búsqueda-rechazo, muy ambigua emocionalmente hablando, ambigüedad que se contagia a la música. Tras comenzar con teclado industrial muy ochentero y bastante lúdico sigue un lindo y melancólico solo de cuerdas (Emilie es una violinista espléndida); este tono nostálgico-jubiloso será constante durante los poco más de 4 minutos de duración del tema.

Una vez que entra a cantar Emilie la sensación agridulce se acrecienta: cierta dureza y reproche y un mucho de desgarro mientras navega entre dos aguas sobre eso que creo todos, o al menos yo, he sentido más de una vez, ese querer y no querer a un mismo tiempo, o más bien, ese "querer querer", "desear querer", que es una suerte de pretexto para justificar el que ya no se quiera. Por motivos personales y ciertas circunstancias que casi me dejaron el cerebro como un corcho, esta canción se ha vuelto indisoluble de mi banda sonora mental. Ese "Misery loves company / And company loves more / More loves everybody else / But hell is others" es lo que quizás yo hubiera podido escribir si no fuera tan perezosa, jajajaja. Y ese "You're so easy to read / But the book is boring me" creo que todos llegamos a sentir alguna vez en la vida, más allá de llevarlo al plano sensiblero tonto de las relaciones de parejas. Es casi que un hastío vital. Muy buena frase.

Por último, la voz de Emilie: sin ser una cantante de 3 octavas ni maravillosa técnicamente hablando, me parece que tiene un don que pocas tienen, poder emocionarte con sus muchas inflexiones, juegos y variantes, no ya en distintas canciones sino incluso en un mismo tema. En Misery loves company podemos oírla casi recitar, cantar de la manera más melódica que se pueda en el estribillo y desgarrarse en ese lamento final que pide una oración que no llega. Un efecto melodramático evidente, pero musicalmente efectivo. Esos grunts cuando dice "Pray for me / If you want to / Pray for me you fucker / If you fucking dare" es lo que he querido cantar a gritos cientos de veces; menos mal que Emilie ya lo hizo por uno.

¡JA! Yo que decía que no tenía inspiración y me solté una parrafada descomunal por una canción. En fin, acá les dejo un video en vivo de este tema que espero disfruten:

Música de camionetica

2009-02-03T12:07:00.012-04:30

Seamos sinceros: todos tenemos una “arepa bajo el brazo” musical. Sí, sí, ese algo bien feo y ordinario que odiamos pero que está estancado en nuestro disco duro mental como un troyano del tamaño de la catedral de Caracas. Y para mi no hay mayor tara musical que esos temas que nos dan la bienvenida en esos instrumentos de tortura cuasi medieval que son los carritos públicos, camionetitas, busetas o como prefieran llamar a los vehículos de transporte público de nuestra nación.

Soy usuaria del transporte público desde hace 10 años, cuando empecé la universidad. Viviendo a 21 km de Caracas y teniendo en cuenta que al día puedo pasar de 3 a 5 horas en una cola, es inevitable, por no decir imposible, aprenderse de memoria muchos de esos clásicos absolutos que parecen vivir sólo para ser reproducidos a todo volumen en una camionetita Caracas-Los Teques.

No sé cuál sea el destino futuro del reagetton (espero que nadie lo recuerde en unos años), pero dudo que llegue a tener el impacto “canmioneteril” de verdaderos clásicos de carrito por puesto: ¿Quién no ha sido recibido en un autobús por una recopilación de salsa erótica del Nené Sarcos? Uno puede sentir un odio profundo, colocar el MP3 a todo volumen, pero esos “besos fríos como la lluvia” del tema homónimo de Eddie Santiago, esa duda “lacerante” de Tito Rojas preguntando “si esto no es amor ¿pero qué es esto?” (investigando para este post descubrí que esa aberración musical se llama Ella se hizo deseo... repite tanto el "¿Pero que es esto?" que juraba que ese era el título) o, subiendo de categoría, la búsqueda de soluciones para olvidar y arrancar “un amor del corazón” de Gilberto Santarrosa, taladran el cerebro hasta el punto de que uno termine aprendiéndose la condenada canción. Más de una vez me he sorprendido tarareando. Cuando eso pasa llego a mi casa y aprieto un poco el cilicio.

No faltan los que dejaron el corazón al otro lado de la frontera y nos regalan éxitos del vallenato como El osito dormilón o Los caminos de la vida (cuya versión hecha por Vicentico me parece una genialidad), los camioneteros despechados que agasajan a sus clientes con Rocío Durcal, Juan Gabriel o Ana Gabriel, y muchos son aquellos llenos de sentir nacionalista que creen que no hay nada más romántico que Como no voy a decir de Luis Silva, más tradicional que el Rucio moro de Reinaldo Armas o más erótico que la cancioncita aquella de los amantes cantada por Scarlet Linares (sin contar las múltiples versiones posteriores... me acabo de enterar que se llama En carne viva, juraba que Los amantes era su nombre).

Los más decentes ponen un disquito de “hora loca”, siempre el mismo: A Sunshine reagge le sigue siempre Red Red Wine, luego Surfin' U.S.A, alguna pieza alegre con ritmo de batucada y luego el set de rock latino, encabezado siempre por De música ligera (un súper temazo que se ha rayado inexorablemente). Ah, y El General con su inefable Meneíto o Tu pun pun. A este cd generalmente sigue el nostálgico disco de clásicos románticos ochentenos donde se alternan Franco de Vita y Ricardo Montaner.

Muchas modas y estilos han pasado por las camionetitas de nuestro república bananera, pero hay clásicos que siempre perdurarán. Es lo que llamo la banda sonora a juro de nuestra vida diaria. Y recuerden, cuando tarareen alguno de esos temas al subirse a una unidad de transporte público, aprieten un poquito su cilicio en la oscuridad de su recámara.

De Finlandia con amor... Entwine-Painstained (2009)

2009-02-01T16:44:00.009-04:30

Para quienes me conocen no es secreto que siento una fascinación rayana en la obsesión con ese pedacito del planeta. Y si a esa inclinación natural se le suma un conocimiento tete a tete con un artista en cuestión de ese lado del planeta, el romance es para siempre. Tal es mi caso con Entwine: desde Gone me gustaron muchísimo, pero no me terminé de enamorar de ellos hasta verlos en concierto (Madrid, 15 de diciembre en la sala Caracol, teloneados por Litio y mis también idolatrados Embellish). Y más aún, cuando tuve la oportunidad de hablar con ellos tras el show, y babearme cono una fan de Menudo con su vocalista, Mika Tauriainen (tengo fotos con él que morirán en el lugar más profundo de mi disco duro, la cara de lela que tengo no es apta para personas con males cardíacos).

Desde el 2006 estoy esperando con ansias material nuevo de estos chicos de la ciudad finlandesa de Kaamos, en especial por el temor de ver cómo sonarían sin Riita Heikkonen, tecladista de la banda quien se retirara de la misma por motivos personales. He de admitir que su ausencia fue una de las cosas que más noté al escuchar Painstained, disco con que abrieron el 2009. En este disco se sigue con la línea ligeramente más pesada y menos "gótica" que en DiEversity y Fatal design, quizás precisamente por la ausencia de Riita, pero no por ello se pierde la esencia característica de la banda: La acariciadora voz de Mika, quien suena espléndido y mejora disco tras disco, siempre hará que hagan lo que hagan Entwine me parezcan grandes en su estilo (mejores a mi juicio que los sobrevalorados H.I.M).

De Painstained me quedo con los temas que están a medio camino entre el melancólico estilo de Gone o Time of despair y el más dinámico DiEversity. Beautifully confined es un tema precioso, de los más melancólicos y old fashion del cd. adoro su sonido, pues me recuerda al precioso Snow white suicide de Gone, mezclado con el dinámico y pegajoso Bleeding for the cure de DiEversity. Lost in my denial es también de los más melancólicos temas del disco, con un toque comercial innegable que la puede volver éxito de radio si se lo proponen, al igual que Greed of mankind, de las mejores del disco que, si la sacan como sencillo promocional, tendrán un éxito garantizado. El tema sorpresa para mi es Caught by desire, creo que junto con Greed of mankind es mi favorito del álbum, de hecho, tiene uno de los riff más pesados de toda su discografía.

Para mi Painstained se merece un 8/10 , esperemos que sigan así los chicos de Entwine y nos regalen más y mejor música cada día.

Acá el tracklist de Painstained:

Soul Sacrifice

The strife

Dying moan

Beautifully confined

Lost n my denial

Greed of Mankind

Dead By Silence

Hollow

Caught By Desire

Say Goodbye

Y acá el Myspace de Entwine.

Para cerrar, comparto con ustedes el sencillo promocional del disco, The strife

Bola de Nieve... y no el gato de Lisa

2009-02-01T00:43:00.008-04:30

"Yo no me creo compositor, ni me respeto como tal, de las cosas que así me salieron, cancioncitas de esas baratas que yo hago, algunas han gustado. Yo creo que la palabra compositor es demasiado seria y respetable. Yo he hecho cancioncitas"

Cubano, homosexual y santero... Ignacio Jacinto Villa, nacido en Guanabacoa el 11 de septiembre de 1911, se ganó un bien merecido lugar en la historia de la canción latinoamericana con un seudónimo agridulce como su [no]voz: Bola de Nieve. Y digo lo de la [no]voz porque el Bola no cantaba prácticamente: susurraba, declamaba, histrionizaba, pero de voz nada; pero que nada tan llena de vida.

Búrlese quien quiera de ese párrafo ultra intenso que acabo de soltar (ahora que lo releo como que sí se me pasó la mano y soné a intensa ateneísta... terrible), pero de verdad que me emociona Bola de Nieve, ese que hizo que Edith Piaf, la apasionada más grande de mediados del siglo XX, se quitara el sombrero ante la interpretación que el pianista cubano (sí, Bola de Nieve fue un pianista de lujo también) hiciera de La vie en rose.

Lo que más me gusta de Bola de Nieve es su carácter híbrido y su ambigüedad emocional: Híbrido porque a mi juicio es un artista que conjuga de una manera genial lo popular cubano con la academia en la cual se formó siendo muy joven; ambiguo porque sus composiciones, su piano y su [no]voz suenan desgarradores y alegres de una canción a otra, o incluso en el mismo tema. Para mi, es uno de los grandes de la canción cubana del siglo XX; Ernesto Lecuona o Benny Moré son los otros ante quienes me quito el sombrero.

Comparto con ustedes un par de interesantes videos del Bola:

El manicero

La vie en rose (son imágenes con el sonido superpuesto. Me encantaría conseguir una grabación de Bola de Nieve interpretándola)

Para finalizar, logré superar los escollos de mi conexión y subir en Mediafire una muy buena recopilación de éxitos de Bola de Nieve de 1950 a 1960.

Espero que la disfruten: http://www.mediafire.com/?dx5udwlsxmx

Todo lo que es perdido aparece... o de cómo se intentará resucitar este blog

2009-01-31T09:33:00.007-04:30

Bien decían las abuelas ese famoso refrán cuando lo veían a uno desesperado tratando de hallar lo que se consideraba irrecuperable. Pues bien, desde hace más de un año y por diversas circunstancias (muerte temporal de mi pc, falta de Internet en casa, trabajo de oficina sin conexión a Internet -¡En pleno siglo XXI!- y, he de admitirlo un poco bastante de desidia de mi parte) yo consideraba a este blog perdido hasta el punto que ni los famosos bailecitos a San Pascual Bailón, a quien también recurrían las doñitas parecían capaces de hacerlo aparecer.

La banda sonora dejó de ser registrada por escrito, es verdad, pero nunca dejó de sonar 7 por 24 los 365 días del año. Es mucha la música que he escuchado en este tiempo de abandono, así que mucha será la música que comentar y compartir. Por motivos personales-técnicos de mi conexión a Internet y mi propia PC, cambiaré un poco la modalidad de este blog. Al menos de momento no compartiré links de descarga, mas sí mis reseñas, comentarios o pensamientos sueltos de los músicos y artistas que se pelean por entrar en el original soundtrack de mi cocorota.

The Gathering-Mandylion (1995)

2007-08-08T16:25:00.002-04:00

Con este disco tengo que lamentarme de mi mala suerte. Me explico: mi descubrimiento de The Gathering fue muy tardío, pero al mismo tiempo veloz, pues fue escuchar este maravilloso álbum de 1995 y enamorarme del sonido de estos holandeses. La mala suerte es que Anneke, su vocalista, acaba de abandonar la banda para formar su propio conjunto, Acqua de Anique (o algo por el estilo). Me encanta en este disco la rara voz de Anneke, a mi juicio, no particularmente bonita pero sí sumamente expresiva. El sonido del grupo podría tildarse de precursor de toda la onda gótica junto al de Theater of Tragedy, pero yo no me atrevería a etiquetar a un grupo como The Gathering. Bueno, lo dejo a criterio de ustedes XD.

Tracklist

1.Strange machines
2.Eleanor
3.In motion nº 1
4. Leaves
5. Fear the sea
6.Mandylion
7. Sand and mercury
8. In motion nº2

Temas recomendados
Strange machine, Eleanor, In motion 1 y 2, Sand and mercury

Miembros de la banda
Frank Boeijen-Teclados y programación
Marjolein Kooijman-Bajos
Hans Rutten-Batería
René Rutten-Guitarras
Anneke van Giersbergen (ex miembro)-Voz

Para escuchar Mandylion, haz click en:

http://rapidshare.de/files/7437421/The_Gathering_1-01.rar http://rapidshare.de/files/7437886/The_Gathering_1-02.rar

Café Tacuba-Re (1994)

2007-08-05T17:26:00.000-04:00

Café Tacuba son para mi una especie de dioses del rock en América Latina, y su disco de 1994, Re, es una maravilla de principio a fin. Lleno de temas emblemáticos, con letras paródicas y fusión musical, Re es una joya en toda la discografía de esta excelente banda mexicana. Además, el primer concierto al que fui en mi vida, con trece míseros años de edad fue en 1995, en Caracas, en la gira de Re. Un diez absoluto para este discazo.

Tracklist

1.El Aparato
2.La Ingrata
3.El Ciclón
4.El Borrego
5.Esa Noche
6.24 Horas
7.Ixtepec
8.Trópico De Cancer
9.El Metro
10.El Fin De La Infacia
11.Madrugal
12.Pez
13.Verde
14.La Negrita
15.El Tlatoani Del Barrio
16.Las Flores
17.La Pinta
18.El Baile Y El Salón
19.El Puñal Y El Corazón
20.El Balcón

Temas recomendados

La ingrata, El Borrego, Esa noche, El Metro, Pez, Verde, Las flores, La pinta, El puñal y el corazón,

Miembros de la banda

Rubén Isaac Albarrán, conocido por muchísimos alias: "Juan", "Pinche Juan", "Cosme" (este era su "nombre" en el momento en que Re salió a la venta), "Masiosare", "Anónimo", "Nrü", "Amparo Tonto Medardo In Lak’ech" (o "At Medardo ILK"), "G3", "Gallo Gasss", "Gallo Glass", "Élfego Buendía", "Rita Cantalagua", "Sizu Yantra" y ahora en su nuevo disco Sino, se llamará "Ixxi Xoo"-Voz y guitarra.

Emmanuel "Meme" del Real-Teclado, guitarra acústica, piano, voz, melodeon y programación.

Joselo "Oso" Rangel-Guitarras eléctricas y acústicas, voz.

Enrique "Quique" Rangel-Bajo, contrabajo y voz.

Para escuchar Re, haz click acá:

http://rapidshare.com/files/25040586/Re.rar

Embellish-Black tears and deep songs for lost lovers (2006)

2007-08-03T15:44:00.000-04:00

Embellish es un grupo español (de Barcelona para ser más precisos) que descubrí hace relativamente poco (hará unos nueve meses o algo menos) y que me han gustado bastante. Su estilo es tipo HIM, pero mucho mejores (de hecho, yo no soy para nada fan de HIM ni de ese estilo a veces lacrimoso, pero bandas como Embellish, los portugueses Icon & the black roses o los finlandeses Entwine hacen que me reconcilie con el género XD). La voz de David es preciosa y la producción del disco, a pesar de ser el primero de su carrera, es muy buena. Además, en concierto son muy pero muy buenos.

Tracklist

1. Romeo´s Dead
2. This Wind
3. Falling
4. I Don´t Believe in You
5. Nothing to Promise
6. Black Tears and Deep Songs for Lost Lovers
7.Your Ghost Dancing
8. False Illusions
9. Alone
10.When my Hearth is Bleeding (Bonus Track extraído de su ep Black Tears and...)

Temas recomendados
Romeo's dead, This wind, I dont believe in you, Black tears..., Your ghost dancing, False illusions

Miembros de la banda
David-Voz
Miguel-Guitarra
Marcos-Guitarra
Ernesto-Bajo
Bud-Batería

Para escuchar Black tears and deep songs for lost lovers, haz click aquí:
http://www.megaupload.com/?d=Y0RMFWG2

Y si tienen chance, revisen

http://www.boosterblog.es

Within Temptation-Enter (1997)

2007-07-31T16:09:00.004-04:00

¿Qué mejor manera de iniciar este blog que con el primer album de una de mis bandas favoritas, los holandeses Within Temptation? Enter es una verdadera joya dentro del sonido gótico más auténtico, en que se mezclan los grunts del guitarrista Robert Westerholt y la impresionante y dulce voz de Sharon den Adel.

Tracklist

1.Restless

2.Enter

3.Pearls of light

4-Deep within (interpretada por George Oosthoek, ex vocalista de la banda holandesa Orphanage)

5-Gatekeeper

6.Grace

7-Blooded (instrumental)

8. Candles

Temas recomendados

Restless, Enter, Gatekeeper, Candles.

Miembros de la banda (en el momento de realización de Enter)

Sharon den Adel-Voz

Robert Westerholt-Guitarra

Michiel Papenhove-Guitarra

Jeroen Van Veen-Bajo

Martijn Westerholt-Teclados

Ivar de Graaf-Batería

Oye Enter en:

http://rapidshare.com/files/46209205/Within-Temptation-Enter.rar